观点 | “万物歌唱”跨文化叙事中的材料转译与视觉重构

　　在全球化日益深入的今天，当代艺术的发展已不再局限于地域性文化的单向表达，而是呈现出多元文化交融与跨媒介实验的特征。俄罗斯伊万诺沃市的PARI和苏州有南艺术馆(UNICE ART GALLERY)联合举办米阿策展的“万物歌唱——中俄艺术家联展”恰逢其时，正是这一趋势的典型体现。展览通过五位中俄艺术家的三十余件作品，构建了一场跨越文化疆界的对话，不仅展现了艺术家对材料语言的深刻探索，更揭示了全球化背景下艺术创作的新范式。本文试图从国际当代艺术发展的视角，对这一展览的文化意义与美学价值进行解读。同时，也是在全球化语境下展开的一场跨越文化疆界的视觉对谈。展览并非简单的地域性并置，而是试图在差异的裂缝中建立对话，在材料的流转中重构艺术的叙事可能。当形式化表达日益趋同、意识形态逐渐僵化的今天，这些作品以个性化的思维语言和丰富的材料实验，打破了媒介的桎梏，指向一种新的思想范式：既不追求差异的对立，也不满足于材料的简单叠加，而是在文化的间隙处创造新的艺术可能性。

　　材料语言的全球化转译 从物性到叙事

　　当代艺术对材料语言的探索早已超越传统的媒介限制，转而关注材料本身的文化属性与哲学意义。此次展览中，中俄艺术家对材料的运用体现出一种“全球本土化”(glocalization)的典型特征——既扎根于本土文化传统，又融入国际当代艺术的语汇。

　　艺术家们对材料的选择本身即是一种哲学陈述。李桐的《蝴蝶的餐桌》以杉木、树脂、亚克力与蝴蝶标本构建了一场与“物性”的共谋。杉木的天然肌理与工业合成材料的冷峻并置，暗示了自然与人造、传统与当代的复杂关系。艺术家在创作中“放下控制”，倾听材料的语言，使作品成为一场与万物能量的对话。这种“无为”并非消极退让，而是一种积极的邀约——邀请物性成为共同的创作者。蝴蝶作为蜕变的象征，在树脂的凝固中获得了永恒的飘渺，仿佛思绪在无形空间中自由穿行。

戈子馀 《光素系列》  D-80cm  矿物粉加混合媒介剂 2024

改变松烟传统工具属性，用松烟粉-层一层堆叠，如燕子垒巢般繁复,形成不同深浅的物理空间，呈现不同的“黑”——戈子馀

　　同样以材料转译传统的，还有戈子馀的《光素》。松烟粉——这一本属于墨锭与书画的古典材料，被艺术家从笔砚的拘束中解放，成为建构空间的媒介。松烟不再是附庸于书画的配角，而是自主叙事的主体。它从二维的墨迹中解放，成为三维空间中的造境者，甚至是一场行为艺术的遗迹——每一层粉粒都是艺术家手势的凝固，每一次堆叠都是对传统工具属性的叛离与致敬。这或许正是当代艺术之于传统的意义：不是重复，而是重生;不是继承，而是对话。松烟在此垒起的，不仅是一座微型的黑色地貌，更是一座介于物质与记忆、时间与空间之间的桥梁。

　　通过重复的堆叠动作，松烟粉在媒介剂的凝合下形成微妙的深浅变化，如时光的沉积岩，在光影折射中呈现出从灰翳至玄黑的丰富阶调。作品题名“光素”暗示了对虚空与实存的辩证思考：那些粉粒之间的缝隙、媒介剂凝固后的微光，成为“空”的栖息之地。松烟在此垒起的不仅是一座微型的黑色地貌，更是一座介于物质与记忆、时间与空间之间的桥梁。

　　中国艺术家戈子馀的空间装置《光素》以松烟粉这一传统水墨材料为媒介，却将其从二维平面解放，转化为三维空间中的建构性元素。松烟粉的堆叠过程既是对中国传统工匠精神的呼应，又与西方极简主义中的重复性劳作(如塞尔帕的包裹行为)形成跨文化对话。而俄罗斯艺术家丹尼拉·波利亚科夫的《卫队II》则以中亚传统绣毯“Suzane”为形式载体，将游牧文化的符号与当代科技批判并置，体现了对全球化进程中文化身份问题的思考。这种对传统材料的当代转译，不仅是对文化根性的回溯，更是一种面向国际语境的创造性转化。

丹尼拉·波利亚科夫Danila Polyakov《守卫》 200x100cm 苏扎尼刺绣，拼布 壁挂 2024

　　线性迷宫与镜像剧场的跨时空对话

　　数字技术的快速发展改变了艺术创作与感知的方式，但手工艺传统依然以其独特的物质性与人文温度，为当代艺术提供了一种抵抗技术异化的可能。此次展览中，技术与手工艺的对话成为另一重要维度。

　　俄罗斯艺术家萨沙·弗罗洛娃Sasha Frolova的光栅印刷作品《磁控管多色》与《Paradizarium Portrait Yellow》。《磁控管多色》隐含科技与能量控制之意，“磁控管”一词源于微波技术中的核心元件，暗示了一种能量转换与频率调控的机制。艺术家巧妙地将这一科技意象转化为视觉实验，利用光栅印刷的多层图像切换能力，使画面在不同视角下呈现色彩与形态的流动与变幻。这种处理不仅赋予作品以科技美感，也隐喻了当代视觉文化中信息的多义性与不确定性。《Paradizarium Portrait Yellow》则通过“Paradizarium”这一可能源自“paradise”(天堂)的虚构词，暗示一种理想化或超现实的视觉体验。黄色作为主调，既具有强烈的情绪感染力，也象征着光明、能量乃至某种警示性。在这幅作品中，光栅印刷技术被用于构建一种肖像的“非稳定态”，面容或许随着观看位置的移动而分解或重组，呼应了后人类语境中身份流动、虚拟化身等技术-文化命题。

　　萨沙·弗罗洛娃通过动态视觉效果挑战了静态图像的局限性，继承了欧普艺术与动能艺术的实验精神，同时注入了数字时代的技术敏感。与之形成对比的是波利亚科夫的刺绣作品《忍者》《即兴之作》，这些作品以缓慢的手工劳作对抗数字图像的即时性，暗示了在技术泛滥的时代，手工艺依然是一种重要的批判性实践。这种技术与手工艺的并置，不仅反映了当代艺术媒介的多样性，更揭示了全球范围内艺术创作对技术文明的辩证思考。

　　蒋昀格的《万镜楼》与《镜》以线、竹签与冰丝流苏构建了一场关于自我认知与时空哲学的叙事。《万镜楼》在直径一米的圆幅内，以极简材料编织出藻井与坛城融合的精神图式。线作为连接、缠绕与延续的象征，竹签作为临时性的架构，共同构建出一个既轻盈又具结构感的“镜楼”。观众在凝视中仿佛步入一个微型的宇宙模型，每一层缠绕都是心理的瞬间，一次意识的落脚。

　　而《镜》既是对传统山水意象的当代转译，亦是对个体与世界关系的诗性追问。当观众穿梭于这片柔软的屏障之间，实则是在追问：我们究竟是在透过屏障窥探世界，还是通过世界反观自身被遮蔽的欲望?作品以举重若轻的方式，将宏大的文化叙事转化为可感知的物理体验，最终在流动的线缕中揭示了一个真理：最强大的力量往往以最柔软的姿态存在。则以十米长的流苏屏障，构建了一座柔软而哲思的剧场。冰丝线的半透明质感制造出朦胧的视觉阻隔，流苏的垂坠与晃动在观者行走间产生微妙互动，使“观看”本身成为参与重构山水的行为。艺术家以道家“上善若水”的智慧，将山体的坚硬转化为水态的柔软，揭示了最强大的力量往往以最柔韧的姿态存在。这件作品既是对传统山水意象的当代转译，亦是对个体与世界关系的诗性追问。

　　科技诗学与手作寓言的流动与重构

　　全球化带来的不仅是文化的交融，也引发了关于文化身份与地方性的重新思考。此次展览中的作品不再简单强调民族文化的差异性，而是试图在跨文化对话中寻找新的身份表达。

　　俄罗斯艺术家萨沙·佛罗洛娃Sasha Frolova与丹尼拉·波利亚科夫Danila Polyakov的作品，则从技术媒介与手工艺传统中寻找对话的可能。Frolova的光栅印刷作品《磁控管多色》与《Paradizarium Portrait Yellow》利用科技媒介挑战静态图像的界限，使画面随视角变化而流动变幻。光栅印刷赋予平面以时间性与互动性，“看”不再是一种被动的接收，而成为一种主动的、身体性的探索过程。这些创作于2021年的作品，恰是对疫情时代物理隔离的回应——在距离与限制中，我们需要一种能够容纳多重意义的图像语法。

　　Polyakov的《卫队II》与《反怪物》则以拼布刺绣等传统手工艺，对抗技术同质化的浪潮。《卫队II》以中亚传统绣毯“Suzane”为视觉载体，将游牧民族的帐篷符号与人工智能并置，质疑技术进步是否真正改变了人类本质的生存状态。紫红色与天空蓝的配色源自游牧文化的自然伪装智慧，暗示人与环境的原始共生关系。而《反怪物》则以织物构建了一个虚构的棋盘世界，将神话叙事与游戏结构叠加，探讨规则本质、自由意志与命运的交织。刺绣的缓慢手工质感，与数字化表情的短暂性形成强烈对比，暗示在手作的永恒性与虚拟的短暂性之间，存在某种救赎的可能。

　　中国艺术家蒋昀格的《万镜楼》与《镜》以线、竹签等传统材料构建了融合藻井与坛城图式的精神场域，既蕴含东方美学中的虚空哲学，又与国际当代艺术中的装置性语言相接轨。李桐的《蝴蝶的餐桌》则通过杉木、树脂等材料的并置，探讨了自然与人造、传统与当代的关系，其观念内核与西方后现代艺术中的“物性”理论(如比尔·布朗的“物论”)形成呼应。这些作品表明，中国当代艺术已不再局限于本土语境的自我表述，而是积极参与到国际当代艺术的话语构建中。

　　俄罗斯艺术家的作品同样体现出文化身份的流动性。波利亚科夫的《反怪物》以古希腊神话为叙事框架，却通过织物媒介与游戏结构，构建了一个关于规则与自由的当代寓言。这种对古典文化的创造性转化，与意大利“超前卫”(Transavanguardia)对历史符号的挪用策略有异曲同工之妙，反映了俄罗斯艺术在欧亚文化交织中的独特位置。

　　在万物差异中歌唱 全球化时代的艺术新范式

　　“万物歌唱”展览最终指向的是一种超越文化二元对立的艺术新范式。它既不强调差异的对立，也不追求形式的融合，而是在材料的裂隙、技术的边界与文化的间隙中，寻找对话与重生的可能。

　　这种范式与国际当代艺术的发展趋势高度同步。近年来，从威尼斯双年展到明斯特雕塑展，全球重要艺术事件均体现出对跨文化对话与跨媒介实验的重视。此次中俄艺术家联展不仅是对这一趋势的响应，更提供了非西方视角下的独特实践。它表明，全球化时代的艺术创作不再是西方中心主义的单向输出，而是多元文化主体的共同参与和建构。

　　展览最终指向的，是一种新的思想范式：它既不追求万物差异的对立，也不满足于多种材料的简单叠加，而是积极寻求在差异的裂缝中建立对话，在文化的间隙处创造新的艺术可能性。这些作品邀请我们成为万物的“参与者”，不再固守单一的文化艺术视角，而是探索在多重视角媒介下灵活切换。

　　在苏州这座古老与现代交织的城市中，“万物歌唱”仿佛一场隐秘的仪式，以材料的流转、技术的诗学与手作的抵抗，唤醒了我们对世界感知的多元维度。这些作品不仅是视觉的呈现，更是一种哲学的叩问：我们如何通过更多媒介来理解世界?如何在他者之镜中反观自身?或许答案正藏在那些材料的裂隙中，等待我们在对话的共振中听见万物的歌唱。

　　结语：苏州有南艺术馆(UNICE ART GALLERY)和俄罗斯伊万诺沃市的PARI联合举办“万物歌唱”展览，以其国际化的视野与深度的材料语言探索，为我们提供了“在差异中寻找共鸣”的全球化时代艺术发展的典型案例。它表明，当代艺术的价值不再局限于地域文化的表达，而在于如何通过跨文化对话与跨媒介实验，参与全球艺术话语的重构。正如法国哲学家朱利安所言：“真正的对话不是在相同中寻找共鸣，而是在差异中寻找可能性。”这场展览正是这种哲学思想的视觉实践——在万物差异中歌唱，在文化交流中寻找艺术的未来。