在废墟上生长的花：贾伟与“如花”的治愈之路

2025年11月20日，首届中国当代治愈系艺术大会在北京时代美术馆举行，大会聚焦治愈系艺术在当代社会中的公共价值与发展潜力，汇聚艺术家、教育家、健康与生命科技领域的实践者、公益基金会发起人，以及人工智能与艺术融合领域的先锋人才，探讨治愈系艺术与AI科技、医疗大健康、教育及公益领域的碰撞与共生，展开了一次跨学科、跨领域的深度对话。

贾伟在会上回顾了“如花”系列的创作历程。这一艺术形象起源于他2018年遭遇的人生困境，其核心形象是一个无耳鼻口、眉间带有伤疤的小女孩，象征着他从孤立无助到与自然和谐共处的心灵转化过程。贾伟通过艺术实现了自我疗愈，并得以走出低谷。贾伟由此开辟了一条将治愈系艺术从个人解脱（“我是如花”）延伸至群体关怀（“人人如花”）、最终走向万物共存（“万物如花”）的社会实践路径。

当“成功”的逻辑不再适用

2018年，对贾伟而言，是人生的断点。

在此之前，他是中国设计界的重要代表人物，带领团队打造出多个具有行业影响力的项目，被誉为“设计界的领军者”。在外界看来，他的事业稳步上升、前途广阔。对他自己而言，那是一段信念坚定的时期——他相信奋斗的逻辑，相信只要投入足够的努力，就能实现所有目标。

然而，命运的转折常常悄无声息。那一年，突如其来的变故接连发生。父亲突发脑梗，被送入ICU；不久后，一场大火将洛可可总部化为灰烬。那一天，他从清晨到夜晚都站在现场，眼看着多年的积累在火光中消失。火灾不仅摧毁了公司的物理空间，也使正在推进的上市计划被迫终止。

随之而来的，是连锁的危机：投资人依据对赌协议要求回购股份，债务和团队波动接踵而至。短短数月间，他从光鲜的创业者变为身负重压的企业负责人。年底的体检报告成为压垮他的最后一根稻草——十五项指标中十四项异常，医生的建议是立即住院。

在那一刻，他第一次意识到，“成功”的逻辑不再适用。过去教会他如何赢，却没有教他如何面对失去。

人有时更需要“接纳”

人在极端困境中，总会本能地寻找出口。对贾伟而言，这个出口来自一次“出走”。

火灾后的第一个月，当所有人都以为他应当留在公司处理后续事宜时，他选择离开，独自前往敦煌，沿着玄奘之路徒步。那是一段漫长而寂静的行程——三天三夜，脚底被磨出血泡，每一步的疼痛都让他重新感知到自己的存在。

在无边的戈壁中，他第一次感到一种平静。夜幕降临，星空低垂，四周只有风声与自己的呼吸。他突然明白，在天地的尺度面前，个人的得失与荣辱都显得渺小。那种感悟不是顿悟，而是一种渐渐沉淀下来的理解——关于顺应、敬畏与重新出发。

这次行走成为他后来的艺术转向的起点。它让他意识到：人并非永远需要“征服”，有时更需要“接纳”。

回到城市后，贾伟开始探索精神层面的修复。他走进灵修课堂，也开始阅读与冥想。他逐渐理解了“慈悲”这一概念——一种对自我与他人温和相待的能力。

“过去我认为慈悲是对别人的怜悯，现在明白，它首先是对自己的接纳。”

这段时间，他尝试让生活的节奏慢下来。健康、关系、时间的流动，都重新被放进了他的思考中。对他而言，“修心”并非逃离现实，而是学习在不确定中找到秩序。

“如花”三生：贾伟的治愈之旅

真正让贾伟走向“治愈”的，是绘画。

2019年的一个下午，他在家中偶然看到合伙人送给女儿的一盒彩铅。女儿对它兴趣不大，那盒彩铅被放在角落。那一刻，他出于直觉拿起了笔——他需要一种表达方式，让压抑的情绪有出口。

起初，他与女儿一起报了亲子画课，后来孩子放弃了学习，而他坚持了下来。每周一次的课程成了他与自己对话的时间。贾伟少年时曾刻苦学画，后来却没有走上艺术创作的道路。年过四十之际，这次重新拾起画笔，他便再也没有放下来。

在绘画课堂上，贾伟不断在纸上描摹火灾后的废墟、残破的物件与自己内心的恐惧。绘画成为一种沉默的疗愈。渐渐地，一个形象出现在他的画面中——一个没有耳朵、嘴巴和鼻子，只有一双大眼睛，眉心有一道“X”形印记的小女孩。她的名字，叫“如花”。

通过创作，贾伟逐渐意识到，艺术具有一种温和而持续的修复力量。当他不断地以绘画去表达与整理自身的痛苦，那些情绪仿佛被逐步稀释、消解，并在色彩与线条中得到转化。到了第二年的创作阶段，他的画面开始出现光的元素。色彩变得更为明亮，如花依旧带着伤痕，但神情愈加坚定，面部线条中透露出流动与风感。她不再仅是受伤的象征，而成为一个积极向前、追寻光亮的形象。

贾伟将这一创作的演进概括为“如花三生”的蜕变过程：本生：接受无常。这一阶段的如花学会直面自身的创伤，理解伤疤是生命的一部分。她不再逃避痛苦，而是在承认中寻找平静。这是与自我和解的开始。

永生：追寻自由。如花进入了与自然共生的境界。她骑在象征力量与深渊的鳄鱼背上，奔跑在充满张力的世界中。贾伟在作品中描绘了“夸父逐日”的意象：他将太阳的光芒落于地面，让如花与光并行。他认为，每个人都拥有与光平等的权利，每个人都可以成为自身的光源。

分生：达到自在。这是如花的最终形态。她不再局限于具体的形体，而是融入万物，成为一种流动的生命能量，象征着个体在经历痛苦与觉醒后的自由与平衡。

在这一创作历程中，贾伟重新找回了内在的天真与力量。随着心境的转化，现实的困境也逐渐化解：公司恢复运转，债务得以缓释，身体状况日趋稳定。他由此体会到，当一个人能够以慈悲的心态接纳自身的不完满，并激活内在的生命力，世界也会随之变得柔和而明亮。

艺术作为连接、抚慰与重建的力量

在经历个人层面的修复与转化之后，贾伟的视野开始延伸至更广阔的社会空间。他逐渐意识到，在这个充满不确定性的时代，每个人的心中都藏着焦虑与伤痕。艺术不应只存在于画布与展厅之内，它也可以成为人与世界重新建立联系的媒介。

他最初的尝试发生在自己的家乡宁夏。那里，贺兰山、黄河与沙漠在地理上交汇，也成为人们与自然重新相遇的场所。贾伟带着朋友与企业家同行者来到这里，脱下鞋子，在沙丘上奔跑、打滚、呐喊。在辽阔的自然面前，人们暂时卸下身份与角色的束缚，重新感受身体与大地的连接。那种来自自然的原始力量，使参与者在极为朴素的体验中获得情绪的释放与心灵的松动。

这种体验式的疗愈后来被他概括为“如花的家”理念。贾伟认为，艺术的作用不仅是视觉呈现，更应成为一种生活方式的延展。他在丽江束河、西双版纳等地创建了具有艺术疗愈特质的空间。这些场所不同于传统意义上的民宿，它们兼具艺术展览、情绪疏导与生活实践的功能。空间中融合了他的绘画作品、装置元素与自然材料——秋千、光影、植物与色彩共同构成一种柔和而开放的氛围。他希望居所不再只是容纳生活的场所，而成为一个能够生长的“作品”，由空间、艺术与居住者的精神状态共同构建。

随着“如花”形象被更多人熟悉，贾伟的艺术实践开始突破艺术体系的边界，逐渐介入社会议题。他发现，艺术天然具有公益性与治愈性，它能够抵达情感最隐秘的部分。

2024年，他在北京一家大型月子中心举办了一场特别的艺术展览。活动的初衷源于他对产后抑郁现象的关注。展览中，他以“如花”的形象讲述关于希望与复原的故事，并邀请新手母亲参与绘画与交流。当这些女性在作品中看到那个带着伤疤却仍然坚韧的形象时，许多人在情感上产生了共鸣，重新感受到内在的力量与被理解的温度。

与此同时，贾伟也将关注的焦点投向青少年群体。他与公益基金会合作，发起了“梦想课堂”项目，在全国多地的乡村学校中开展艺术教育与共创活动。他发现，不少孩子存在不同程度的心理压力与情绪困扰。通过绘画、色彩与讲述，他鼓励孩子们用艺术表达感受，让情绪得到释放。贾伟认为，艺术教育的意义不仅在于培养审美，更在于帮助人学会理解与安放自己的内心。

这一系列项目使他的“治愈版图”不断延展。近年来，他与医疗机构合作，在千岛湖打造“如花艺术岛”，尝试将艺术与健康、生命科学相结合。这个项目旨在探索“从治病到治人”的新路径——关注情绪、心理与生命整体的平衡。他坚信，许多疾病的根源在于内在的失衡，而艺术恰恰是调和心性的有效途径。

在这些实践中，贾伟让“如花”从个体的精神象征，成长为一个社会性的文化符号。它既代表个人的自我修复，也指向群体层面的共情与治愈。艺术在这里，不再是装饰性的存在，而成为连接、抚慰与重建的力量。

结语：

从“我是如花”的自我修复，到“人人如花”的群体共鸣以及“万物如花”的生命愿景。贾伟已经完成了从商业设计领域的领军者到“治愈系艺术家”的转型。这一历程不仅是个人的转折，也折射出当下时代的精神面貌。面对普遍的不确定与心理失衡，贾伟以自己的方式回应了“艺术何为”的问题——艺术并非抽离现实的奢侈品，而是一种深层的生存能力，是人在面对破碎与无常时修复自我的途径。

对于那些仍在生活压力中徘徊的人而言，贾伟的故事提供了一种温和的启示：无常无法避免，但接纳可以生出力量。每个人都可以在面对失衡时，唤醒内心的柔软与勇气，让痛苦转化为成长的土壤。

正如他所说：“当你愿意成为光，才能照亮他人。”

或许，这正是“如花”的真正寓意——在伤痕之中，仍然能够开出属于自己的光。