现场 | 里森画廊北京空间朱利安·奥培新作展 捕捉当代“精神风景”

2022年11月18日，继开幕首展推出安尼施·卡普尔全新个展之后，里森画廊北京空间迎来了另外一位重要的国际艺术家：朱利安·奥培(Juian Opie) 的全新个展。展览带来了艺术家2022年全新创作的系列作品，包括架上的风景灯箱、全新不锈钢人体雕塑系列，及以 LED 动画、乙烯基和马赛克瓷砖呈现的舞蹈人像等，在画廊的南、北两个空间内呈现。

英国艺术家奥培的作品形式和采用的媒介不拘一格，包括绘画、雕塑、广告海报、LED 屏幕、大规模公共创作，甚至还有唱片专辑封面等。他独树一帜的图像语言源于对周遭环境的敏锐观察，这使他能够将源源不尽的视觉灵感提炼成对大千世界简约的象征。比起精确地记录过去的瞬间，他更感兴趣的是捕捉当下现实的全貌，以简洁的标识和图形符号精准捕捉真实人物的精神和风景的特征。

此次展览，艺术家虽然没有亲自来到现场，但通过视频的方式，对展览进行了详细的导览。

以下是艺术家的导览文字：

南展厅

在南展厅，展出的是一组七个不锈钢圆管线形人体雕塑，和四件风景灯箱。每天早上我都骑自行车去上班，来回大约一个小时的路程。我这样做已经有几年了，每天都走同样的路线。这条路线已经在我脑海里成为特别的存在，如果以一个物体来呈现它，也许会是一个图腾柱，上面的图像包括沿 路的卡车、街道、商店招牌、路人、汽车、和其他骑车的人。日复一日的重复体验，渐渐地自成一格。

也许生活中的很多东西都有这样的特质，这类需要构建的物体也是我创作的兴趣所在，我试图在现实世界呈现脑海中的东西。因此展出的圆管线形人体雕塑汇聚了体验、观察和感知，它们存在于我的记忆里，经过重塑并在这里呈现。

Julian Opie 朱利安·奥培 Figure 1, position 2. 人体1，姿势 2 2022 Polished stainless steel 抛光不锈钢 

43 x 172 x 40  cm 16 7/8 x 67 3/4 x 15 3/4  in OPIE220023  © Julian Opie. Courtesy Lisson Gallery. Photo by Alex Delfanne

疫情期间，我在我家和工作室附近的公园里散步，注意到人们躺卧在草地上野餐、阅读、看手机。他们摆出的一系列姿态展示了身体如何与空间和重力产生互动，既填充了环境，也为周围的景观注入活力，看起来就像一幅经典大师画作。

我拿出手机，假装在发短信，但其实是将周围躺着的人拍摄下来。然后我邀请四位模特来到我的工作室，让他们摆出我在公园里看到的姿势。我扫描了模特的身体，然后用直线概括地画出了他们的形体和姿势。

约五千年前，有一大群人离开中国大陆，经过台湾进入太平洋地区。他们后来被称为南岛民族，至 少这是我所读到的。他们传播并发展出了独特的语言和文化。我花了很长时间观察来自这种文化的艺术，特别是在苏拉威西岛、越南和婆罗洲发现的珠饰和木雕。这些具有感染力的物品令我思考我 一直以来创作的雕塑。我作品的线条是扁平的，像是被挤压过，好比画作脱离了对墙身的依附，站在地上一样。

越南嘉莱族、印尼托拉查族和迪雅族的木雕人像通常是曲身和蹲着的。这些木雕启发我弯曲我的人像以作回应——我以前从来没有想过要这么做。想要直接弄弯我的人像雕塑是不可能的，因为扁平的线条可以通过方形的接合点连接，但却难以弯曲和扭曲，所以我转而使用圆管，以类似制作自行车架的方法创作，将南岛民族雕像、自行车架和城市中扶手的元素结合。

Julian Opie朱利安·奥培 Landscape 2. 景观 2 2022 Aluminium, nylon and lights 铝材，尼龙和灯 

151.2 x 197.2 x 9  cm 59 1/2 x 77 5/8 x 3 1/2  in OPIE220003  © Julian Opie. Courtesy Lisson Gallery. Photo by Alex Delfanne

类似的还有在法国乡村长途驾驶、饱览夏日美景的经历，偶尔停靠在高速公路上的加油站和途经的咖啡馆。我逐渐感觉到这两种画面的融合——商场和加油站精心设计的形象，和我周遭的自然景观，在挡风玻璃上和我的脑海中交融。

回到英国后，我沿着家附近的骑行路线进行拍摄，并试图把它们当作石油公司的商标。我尝试在这 两种图像中寻找一个平衡点。两种体验世界的方式互相冲击并融合——一种来自都市环境，以网上、手机和商场的体验为象征，另一种是自然天成的乡间风景，当你独自一人置身其中时将被它的 美所打动。个人的内心感受和从外界接受的文化互相结合并产生对比，似乎正是我们探索世界的主要方式。

北展厅：

现在我来介绍北展厅的作品。我描绘行人已有多年。动态是生活中非常重要的一部分，也是图像的 一部分。对我来说，使用和刻画动态总是合理且必要的。当我在 80 年代开始创作时，将动态引入艺 术在技术上非常困难，当时只有非常有限的方法可以做到这一点。你得在一间暗室里投影，然而这 并不是我想创造的体验，所以我把这个想法搁置了几十年。

Julian Opie 朱利安·奥培 Dance 4 step 1. 舞蹈4  舞步1 2022 Vinyl on aluminium stretcher 乙烯基材料、铝质框架 

230 x 381 x 3.5  cm 90 1/2 x 150 x 1 3/8  in OPIE220034  © Julian Opie. Courtesy Lisson Gallery. Photo by Alex Delfanne

90 年代初，当我看到商店橱窗里的电脑屏幕时，我知道那就是我寻求的创作方式，将动态图像当作 一幅绘画来呈现。科技经过一段时间的发展才令屏幕变得足够平整，得以让我呈现动态图像的想法 成为可能。与其以置于架上的电脑显示器为媒介，我转而使用挂在墙上的平面屏幕，随后还创作了LED公共标牌，从而打造出颇有规模的实体。

Julian Opie 朱利安·奥培 Dance 2 figure 1. 舞蹈2 人像1 2022 Continuous computer animation on LED screen with sound  连续有声电脑动画、LED屏幕 

100 x 50 x 50  cm 39 3/8 x 19 5/8 x 19 5/8  in OPIE220014   © Julian Opie. Courtesy Lisson Gallery

我可以将我画的人物静物图像发展成动态肖像。但我意识到街道上有源源不绝的行人，每个人都提 供了一个重复、无尽的图像。我开始录制他们行走的过程，把他们变成动画，并以动态绘画和雕塑 的形式再现他们。

在创作了一系列“行人”作品多年后，我开始寻找其他方式让作品中人像动起来。最近我偶然了解 到一种名为“曳步舞”(shuffle dancing) 的舞蹈，年轻人将跳舞片段发布到 TikTok 和 YouTube 等社 交平台上，这些视频通常很短，不会占用人们很长的注意力。这些充满动感的舞蹈唤起了我能够和 想要画的图像，以及在后疫情时期希望表达的心情。

Julian Opie 朱利安·奥培 Dance 5 figure 2 step 2.  舞蹈5 人像2 舞步2 2022 Vinyl on aluminium stretcher 乙烯基材料、铝质框架 

210 x 100 x 3.5  cm 82 5/8 x 39 3/8 x 1 3/8  in OPIE220037   © Julian Opie. Courtesy Lisson Gallery. Photo by Alex Delfanne

所以我和女儿展开合作。她是一名专业演员和舞者，我们邀请了几位舞者，并从网上的舞蹈片段中 搜集了一些动作。我还请了一位年轻音乐家，根据 2000/2010 年代早期舞曲的风格谱写了曲目。我 希望这能把画作从图像中提取出来，进入你所在的空间。我们通过身体、触摸、声音和图像来体验 生活，以此构建我们认知中的世界，我们也因此能探索世界，而声音在激发想法方面起到重大作用。

我刻画了四位身着各式服装的舞者，他们跳着五种不同的舞蹈。我还围绕他们创作了另一组类似的 作品。在展厅的两端是呈现这些舞者的另一种方式：所有四个舞者同时出现在屏幕上或画布上。

我在这次展览中使用了不同的技术。左侧 (一组四件乙烯基绘画) 和前方 (大幅蓝色乙烯基绘画) 的画 作是用一种塑料制成的。80 年代我在美国第一次接触到这种技术，我看到背光广告牌用很薄的塑料 做成，并由电脑控制来裁剪。它呈现出光滑无暇的效果，没有任何笔触或创作的痕迹。它给我留下 了深刻的印象，犹如在电脑上看到的图像。

Julian Opie 朱利安·奥培 Dance 2 figure 4 step 1. 舞蹈 2 人像 4 舞步 1 2022 Mosaic tiles 马赛克瓷砖 

121.6 x 59.5 x 5  cm 47 7/8 x 23 3/8 x 2  in OPIE220018   © Julian Opie. Courtesy Lisson Gallery. Photo by Alex Delfanne

我也广泛地参考从古至今其他图像的来源、创作艺术的手法，及图像存在的形式。我开始关注马赛 克，这是一种非常古老的图像制作方式。作品中使用的马赛克产于罗马，与古罗马人使用的石头一样，都来自同一个采石场。虽然这是一种古老绘图方式，但这种像素化的图像呼应了 LED 作品屏幕 上的微小灯泡。马赛克绘画也与珠饰工艺有联系，那是另一种常用的古代绘画方式。

北展厅呈现的是对我舞蹈的刻画。在布展的时候，我觉得这里有点像小教堂，圣徒画在一侧的墙 壁，祭坛画在空间的尽头。我认为呈现展览并不只是将作品从工作室拿出来，希望它们放在同一空 间里会很好看。呈现展览实际上是赋予观众所处的整个环境意义，就像利用两个展厅作为整体场景 或环境，来制作一部电影或戏剧。

我一直在寻找一种逻辑，探索作品、材料、布局令人想起什么，给人产生怎样的感觉，这种联系和 存在感几乎比作品更重要。透过展厅的窗户，我们可以看到大自然、附近建筑和汽车的景观，或许 还有行人。我希望我的作品能反映出一种与外在世界、共享体验和观察的联系。希望你喜欢这个展览，很高兴你们能到场参观。

另外，与本次展览同期，奥培的个展「OP.VR/HEM@shenzhen」现正于深圳万象天地展出。由和美术馆呈现，此展览带来了奥培最新 VR 作品的全球首发以及过往精选作品。

展览：朱利安·奥培

2022年11月19日 – 2023年3月26日

北京市顺义区金航东路3号院D7楼4层

媒体预览：11月18日 (周五) 下午2点 – 3点半

展览开幕：11月19日 (周六) 下午3点 – 6点

关于艺术家

朱利安·奥培 (Julian Opie) 的作品享誉全球。从纽约到首尔，伦敦到苏黎世，在层出不穷的公共委托创作及国际博物馆展览中，奥培独特的艺术语言总是一眼就能被认出，反映着他对表象的描绘和图像的理解。“你所看到的一切都是光的把戏。”奥培写道，“光线反射到人们的眼睛中，投下阴影，创造出深度、形状和颜色。把关掉灯，一切都消失了。我们使用视觉作为生存的手段，必须将其视为理所当然才能发挥作用，但是意识使我们审视看待事物的方式，进而了解自己，并意识到自己的存在。画画，将创作过程中的感受和方式画出来，能将意识带入当下的时刻和现实世界，及这个外在的世界。”奥培始终探索最先进和最传统的技术，通过重新诠释日常生活中的词汇来探索事物。他的简洁风格唤起了我们对周围世界的视觉与空间体验。艺术家受古典肖像画、埃及象形文字、日本木版画，及公共标志、资讯板和交通标志的启发，将现代生活中纯粹的视觉语言与艺术史的基础元素联系起来。

朱利安·奥培1958年出生于伦敦，目前于伦敦生活和工作。1982年，奥培毕业于伦敦金史密斯艺术学院。他的个展包括匹兹汉尔庄园，伦敦 (2021)；拉瑙文化中心，瓦伦西亚，西班牙 (2021)；贝拉多博物馆，里斯本，葡萄牙 (2020)；东京歌剧城美术馆，日本 (2019)；莱姆布鲁克美术馆，杜伊斯堡，德国 (2019)；维多利亚国家美术馆，墨尔本，澳大利亚 (2018)；F1963，釜山，韩国 (2018)；国家肖像馆，伦敦，英国 (2017)；水原伊帕克美术馆，韩国 (2017)；复星艺术中心，上海，中国 (2017)；赫尔辛基艺术馆，赫尔辛基，芬兰 (2015)；克拉科夫当代美术馆，波兰 (2014)；国家肖像馆，伦敦，英国 (2011)；瓦伦西亚现代美术馆，西班牙 (2010)；工艺美术博物馆，维也纳 (2008)；马拉加当代艺术中心，西班牙 (2006)；新博物馆，纽伦堡，德国 (2003)；Ikon 画廊，伯明翰，英国 (2001)；汉诺威艺术协会，德国 (1994)；海沃德美术馆，伦敦，英国 (1993)；和当代艺术学院，伦敦 (1985)。奥培参加的大型群展包括维多利亚国家美术馆三年展，墨尔本，澳大利亚 (2020)；第57届威尼斯双年展，意大利 (2017)；维多利亚与阿尔伯特博物馆，伦敦，英国 (2016)；巴比肯艺术中心，伦敦，英国 (2014)；泰特美术馆，伦敦，英国 (2013)；上海双年展，中国 (2006)；泰特现代，伦敦，英国 (2000)；第11届悉尼双年展，澳大利亚 (1998)；第八届卡塞尔文献展，德国 (1987)；和第十二届巴黎双年展，法国 (1985) 等。奥培的公共项目在世界各地展出，包括威尼斯 (2022)；香港 (2020)；上海 (2019)；台北 (2016)；香港 (2016)；Arendt & Medernach 律师事务所，卢森堡 (2016)；希斯罗机场1号航站楼，伦敦 (1998)；伦敦Wormwood Scrubs监狱 (1994) 等。他的公共作品也曾在伦敦圣玛丽医院 Lindo Wing (2012) 和 Barts & the London医院 (2003) 等医院展出。此外，他2000年为Blur乐队设计的专辑封面荣获2001年CADS音乐周最佳插图奖。

关于里森画廊

里森画廊是全球最具影响力及历史悠久的国际当代艺术画廊之一。目前画廊通过在伦敦的两处艺术空间、在纽约的三处艺术空间、在上海的一处艺术空间，以及即将开幕的北京空间和洛杉矶空间，支持和发展的国际艺术家超过60位。里森画廊由尼古拉斯·劳格斯戴尔 (Nicholas Logsdail) 于1967年创立，开启了在艺术史中占极为重要地位的极简艺术和观念艺术先驱的职业艺术生涯，如艺术和语言创作团体 (Art & Language)、卡尔·安德烈 (Carl Andre)、丹尼尔·布伦 (Daniel Buren)、唐纳德·贾德 (Donald Judd) 、约翰·莱瑟姆 (John Latham)、索尔·勒维特 (Sol LeWitt)、理查德·朗 (Richard Long) 和罗伯特·雷曼 (Robert Ryman) 等艺术家。画廊如今仍和其中多位艺术家合作，包括卡门·埃雷拉 (Carmen Herrera) 和利昂·波克·史密斯 (Leon Polk Smith) 等多位同辈著名艺术家和艺术遗产管理团队。在画廊的第二个十年中，它向公众首次介绍了英国一代重要的雕塑艺术家，其中有托尼·克拉格 (Tony Cragg)、理查德·迪肯 (Richard Deacon)、安尼施·卡普尔 (Anish Kapoor)、 施拉泽·赫什阿里 (Shirazeh Houshiary) 和朱利安·奥培 (Julian Opie)。自 2000 年起， 画廊代理多位国际一线艺术家，包括玛丽娜·阿布拉莫维奇 (Marina Abramović)、约翰·亚康法 (John Akomfrah)、苏珊·席勒 (Susan Hiller)、宫岛达男 (Tatsuo Miyajima) 和肖恩·斯库利 (Sean Scully) 等国际一线艺术家。画廊同时着力支持和推动包括科里·阿肯吉尔 (Cory Arcangel)、瑞安·甘德 (Ryan Gander)、范·海诺斯 (Van Hanos)、休·海登 (Hugh Hayden)、哈龙·米尔扎 (Haroon Mirza)、劳瑞·普罗沃斯特 (Laure Prouvost)、佩德罗·雷耶斯 (Pedro Reyes)、瓦尔·肖基 (Wael Shawky) 和切尼·汤普森 (Cheyney Thompson) 等在内的年轻一代艺术家职业生涯的发展和国际影响。