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2026香港巴塞尔艺术展 | 蜂巢当代艺术中心 BOOTH 1D18

2026-03-25 07:00:00 来源:快讯 0次浏览

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2026 ART BASEL HONGKONG

2026 香港巴塞尔艺术展

蜂巢当代艺术中心展位 1D18

时间：2026.3.25-3.29

地址：香港会议展览中心

参展艺术家

段建伟 | Duan Jianwei

范扬宗 | Fan Yang-tsung

方媛 | Yuan Fang

付亮 | Fu Liang

龚辰宇 | Gong Chenyu

郭亚冠 | Guo Yaguan

韩冬 | Han Dong

黄宇兴 | Huang Yuxing

季鑫 | Ji Xin

金施矸 | Xian Kim

刘璐 | Liu Lu

卢豫 | Lu Yu

孟庆隽 | Meng Qingjun

裴彦清 | Pei Yanqing

蒲英玮 | Pu Yingwei

任小林 | Ren Xiaolin

宋琨 | Song Kun

谭永勍 | Tan Yongqing

王赫 | Wang He

王文婷 | Wang Wenting

王鑫焱 | Wang Xinyan

夏禹 | Xia Yu

邢灏 | Xing Hao

杨歆奕 | Yang Xinyi

余曾巧 | Yuna Yu

张英楠 | Zhang Yingnan

张季 | Zhang Ji

张铭轩 | Zhang Mingxuan

张斌 | Zhang Bin

朱小禾 | Zhu Xiaohe

蜂巢当代艺术中心荣幸参加2026年香港巴塞尔艺术展（2026 Art Basel HK)，将在“艺廊荟萃”主画廊单元1D18展位，隆重呈献段建伟、范扬宗、方媛、付亮、龚辰宇、郭亚冠、韩冬、黄宇兴、季鑫、金施矸、刘璐、卢豫、孟庆隽、裴彦清、蒲英玮、任小林、宋琨、谭永勍、王赫、王文婷、王鑫焱、夏禹、邢灏、杨歆奕、余曾巧、张英楠、张季、张铭轩、张斌、朱小禾等三十位艺术家的最新力作。

部分参展作品选萃

段建伟，1961年出生于河南许昌，1981年毕业于河南大学美术系，现工作生活于北京。在三十多年的创作中，段建伟经历了从带有原乡情感的中原叙事向绘画本体觉醒的过渡，以至走向自觉的绘画性和形而上化的感性形塑。早年画面中生动的叙事情节与显著的人物动态随着时间被不断打磨调和，生成了既十分具体又略显抽象的带有模糊感的人物，化为了历史、文化、风俗、审美在此时此地的沉淀物。这种似是而非的模糊性不仅提供了一种思索的空间，更是直指了现实主义在中国的复杂性。在段建伟的绘画中，中世纪壁画中的宗教人物与庙宇石窟中的雕像，以及中原的风土人情得以合流；民俗与信仰，乡土与崇高在此并行不悖。时间是河流，地域是土壤，这两者构成了段建伟绘画的坐标，在不断的变化中历久弥新。

段建伟/ Duan Jianwei

提鱼/ Carrying a Fish

2024

布面油画/ Oil on canvas

135×110cm

在段建伟2024年的作品《提鱼》中，少年单手将不知是捕来还是买来的鱼高高提起，面容含蓄且不乏骄傲地站立于天地之间，但又心不在焉地注视着其他地方，思考着与鱼无关的事情，仿佛不知自己正处于画面中。只有身体在简单直率地配合着主题，同周遭起伏的山峦，蜿蜒的河流，朦胧的云朵，以及茫远的天际达成某种叙事的和谐，在充满呼吸感的灰度空间中自在悠游，仿佛打开了一个回忆的临界时空，人物在此化境其中，蜕变回纯粹的状态，闪动着诗意栖居的光辉。

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范扬宗，1982年出生于中国台湾新竹，毕业于国立台北艺术大学美术创作研究所油画组，现创作和生活于中国台湾。他善用胶带勾勒锐利边界，结合纯熟的绘画技巧与强烈的视觉张力，塑造出独特而直观的绘画语言。从“车内”系列、“造飞机”系列、“夜店”系列、到备受瞩目的“泳池”系列，他以奇异而荒诞的视角，探讨观看与被观看之间的欲望张力。“夜店”系列以幽暗而绚丽的场景和模糊的五官，展现身体与空间交融的暧昧状态，凸显“你我既同亦不同”的微妙关系。“泳池”系列则以烈日下如山般的赤红背脊和焦红的渐层线条，释放出炽热的欲望与能量。汗珠在画面中延展、滚动、蒸发，引领观者沉入深邃的蓝色世界。浓烈的色彩与气味交织，构筑出范扬宗无法忽视的身体叙事。

范扬宗 Fan Yang-Tsung

泳池系列-阳光男孩 11

Swimming Pool Series-Sunny Boy 11

2026

亚克力颜料、画布/ Acrylic on canvas

40×30cm

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方媛，1996年出生于中国深圳。成长于现代化大都市，使她从小就养成了全球化与多元并存的世界观。年幼时首次前往美国的经历，以及之后移居美国的生活，进一步拓展了她的视野。方媛在纽约视觉艺术学院（School of Visual Arts）就读期间，获得了罗兹家族杰出成就奖（Rhodes Family Award for Outstanding Achievement）。她随后继续在该校深造，并于2022年获得艺术硕士学位，师从James Siena与Marilyn Minter等艺术家。正是在这段学习经历中，她得以近距离接触纽约画派及弗朗西斯·培根（Francis Bacon）的作品，这些艺术家对她的创作产生了深远影响。异国生活不仅拓宽了她对全球当代语境的理解，也让她更加贴近自身的文化根源与思想基石。方媛将自身视为多种文化经验与意识的交汇之地，在作品中不断探索全球联结与离散身份之间的二元关系。

方媛/ Yuan Fang

夜色下的屋顶/ Roof After Dark

2026

布面油画/ Oil on linen

170×150cm

在方媛新作中，出现了近似玻璃破裂的线性结构，此为艺术家对金缮（kintsugi）工艺的感知与转译——一种以金与漆修复裂痕、使破损成为可见之物的方式。裂痕不再指向毁坏，而成为时间与经历的显影。《夜色下的屋顶》这件作品的标题，来自一张夜晚拍摄的和美术馆建筑照片。建筑在暗色中显现出轮廓与边界，如同意识的外壳，被夜色压低、又被微光托起。在近期的创作中，方媛常以电影截图或日常影像作为构图的起点——它们提供一种既具体又疏离的视觉框架，使图像在现实与记忆之间游移。方媛的绘画不再是对图像的再现，而是一种偏移：从可辨识的现实出发，进入裂解、重组与再叙述的过程。

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付亮，1993年出生于四川成都，先后于法国南特圣纳泽尔美术学院获得学士学位与硕士学位，现工作、生活于法国巴黎。付亮的作品中，多重的纹理、肉身的形式与地理的景致错综复杂地交织在一起，微妙地抵达与搅动一系列感知、情感、记忆和知识。根植于其家庭的古董鉴赏传统，付亮拥有对历史美学丰富而独特的见解。他偏爱于研究不同材料之间的自然转化，对矿物颜料和其他原材料的实验性使用，也回应着他对时间与生命做为有机的、时而神秘的生态系统的一部分的哲学思考。付亮的创作往往以一种温暖、亲密、温柔的笔触，将具象作为一种修辞工具，探索可见与不可见、聚与散、有与无之间的关系。

付亮/ Liang Fu

临界之下/ Below the Threshold

2026

布面油画, 矿物质颜料/ Pigment, oil on canvas

200×230cm

付亮 Liang Fu

在形体之前/ Before Form

2026

布面油画, 矿物质颜料/ Pigment, oil on canvas

120×230cm

付亮的两件新作是艺术家在去年马略卡岛上驻留之后得到的灵感所创作的。两件作品意象互相对仗，延续艺术家一贯富含身体记忆笔触灵动的创作方式。两件作品可以被理解为同一存在在两个不同维度中的显现。在作品《临界之下》中呈现的是一只在水中浮动的身体，身体被水流与光线扭曲，形态处于现实与溶解之间；而作品《在形体之前》则像是它在另一层空间中的“本质”或“灵魂形态”——由星云般的雾气、微光和流动的线条构成，彷佛在宇宙或深海的黑暗背景中漂浮。前者是具体、肉身、在水中的瞬间运动，后者则是抽象、能量化、接近混沌的存在。两者之间形成一种从物质到宇宙、从可见形体到转化的关系。

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龚辰宇，1988年出生于黑龙江齐齐哈尔，现工作、生活于杭州，2012年毕业于中国美术学院雕塑系，获学士学位。而后转向绘画，于2015年获中国美术学院油画系硕士学位。龚辰宇的创作始终是从个体叙事出发，不论是“陈列物”系列中对环绕周身物件的秩序性把握，还是“偶像”系列中对不同语境下诸神的重构，均意图在文本及图像的基础上，提取一种基于绘画语言本身的变形。疫情之后艺术家的创作逐渐从别处的图景，回归到与出生地黑龙江流域有关的人类学和民族志的研究中。视角主义的转向与作品中的身份流动，不断显现人性中歧义、矛盾与含混的意志内核，在意识，出走，遐思归来之间，艺术家感知世界的意志得以持续增强。

龚辰宇 Gong Chenyu

新部落-长大/ New Tribe: Growing Up

2026

布面油画/ Oil on canvas

200×150cm

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郭亚冠，1990年出生于吉林，本科及研究生均毕业于中央美术学院造型学院油画系第四工作室，现任教于中央美术学院油画系。郭亚冠的创作关注于“场域”及“仪式”的重构。作品以一种与现实产生强烈冲突的视觉效果来刺激观者的固有感官经验，从而达到超越人的自我意识。作品中会产生一些神圣而荒诞的符号来应和场域内每一个能量体的频率，在所有现实碎片和废墟里升华出一套具有仪式的逻辑体系，通过习以为常的现实世界进入一个潜在的存在，从而构成一个多维度的交叉口。他的创作主要涉及绘画、行为、装置、影像，以及剧场。

郭亚冠/ Guo Yaguan

项链 070/ Necklace 070

2025-2026

布面丙烯/ Acrylic on canvas

220×160cm

郭亚冠的“项链”系列绘画源自艺术家的同名行为艺术项目。郭亚冠以七年蓄发为材，践行梦境承诺，围绕冈仁波齐神山进行了一次56公里的转山行为艺术。他沿途剪下头发，串联碎石堆砌成玛尼堆，最终以发丝为线、玛尼堆为珠，“为圣山戴上项链”。这件几乎无形的庞大作品，在身体极限与自然严酷中，于有形与无形间勾勒出神圣的边界。它超越了宗教指向，将仪式感转化为普遍的生命体验，以“徒劳”的诗意对抗虚无，将个体行动升华为关于存在、时间与精神能量的寓言。行为项目后续，艺术家以绘画与纪录片进一步深化了这次身体与精神的双重旅程。这两件作品创作与行为项目完成后的第三年。随着时间推移，记忆与感知愈发模糊，画面中的图像也逐渐偏离实际“玛尼堆”的形态。通过反复描摹记忆中的场景，他将自然与个体的能量一次次浓缩于画布之上，完成了一种持续的、内化的精神叠加。

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韩冬，1970年出生，祖籍河北昌黎。曾就读于北京服装学院装饰专业，2004-2005年担任中央美术学院迈克尔首饰研究中心主任。现工作生活于北京。2004年开始，分别在美国纽约野口勇博物馆（Isamu Noguchi Garden Museum）、加拿⼤雕塑中⼼、北京今⽇美术馆等国内外艺术机构，举办个展及受邀参加群展。雕塑作品曾获LOEWE基金会年度工艺入围奖、意大利A’Design Award国际金奖等重要奖项，并被LV路易威登、西班牙LOEWE基金会、华润置地集团等国内外机构和私人收藏。2025年，艺术家的大型个展“乘物游心：韩冬雕塑三部曲”在北京蜂巢当代艺术中心展出，广获好评。

韩冬/ Han Dong

冰河纪的挽歌5号（远方）/ Elegy of the Ice Age No. 5 (Distance)

2022

青铜着色/ Coloring bronze

175cmH×66cmW×49cmD （含底座）

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黄宇兴，1975年出生于北京，无疑是最重要的中国70后艺术家之一。黄宇兴所成长的年代恰逢中国社会的极速转型期，长久以来保守与封闭的生活环境倏然间被敞开，原有的社会秩序被重新洗牌。在这样的背景下，70后艺术家无形中成为了在创作层面上个体意识萌发的代际。显然，黄宇兴比同代人走得更远。循沿着自我的经历和认知体验，黄宇兴以绘画次第回应了个人性、社会性、宇宙性这三种艺术的本质性命题。

黄宇兴的个人脉络最大程度地保留与揭示手感、生理感知和情感表现，引发他每一次创作转向的几乎都是生活本身而非观念，而贯穿于他整个演变过程的核心主题，是身体政治学的传达。从不断地自我剖析开始，切身而敏锐的个体情感与觉察持续在画面中溢出。以人体与景观为主要载体的绘画不仅实现了个体身份的校准与确认，并且开启了艺术家对于自然、文化，乃至生命哲学观的深入探寻。黄宇兴一贯强调绘画过程的痕迹和色彩经过不断地叠加，一如经历过反复磨洗的积层，这在设色赋形方面暗合着中国的“工笔重彩”传统。他经历了从极致的晦暗到浓烈的色彩的完整蜕变，以及在空间构成上由逼仄至开阔的不停转换。黑暗与光芒、狂欢与绝望、自由与规训，这些母题依托于不同的物象在画面里不断交替出现。从无数的际遇中所获得的极致体验与感受不断在画面上制造着矛盾与冲突，构成了黄宇兴绘画生命的无穷张力。

黄宇兴/ Huang Yuxing

人工智能的地下心脏

The Underground Heart of Artificial Intelligence

2024-2026

布面丙烯，油彩

Acrylic and oil on canvas

220×300cm

创作于2024至2026年间的作品《人工智能的地下心脏》是黄宇兴近年来的重要作品之一，延续其对身体、意识、自然与文明关系的深刻探问。作品以“地下心脏”为象征，将人工智能视作现代文明中的隐秘动力与精神共振源，呈现科技、意识与自然能量的交错结构。画面中，荧光色调与层叠线条构建出漂浮、扭曲的空间场域，仿佛潜藏于地表之下的脉络网络不断涌动、扩散，呈现出“可视的时间”——非线性的能量流动与记忆折返。静态的物象在视觉上被转化为动态的生命节点，气泡、晶体、光点、管道式结构宛如神经或血管网络，将观者的注意力引入既宏大又微观的感知体验。作品不仅探讨人工智能作为技术系统的物理存在，也以隐喻方式呈现其对人类精神、社会结构与文化记忆的潜在影响。黄宇兴在创作中摒弃直接叙事，通过视觉节奏、色彩律动与空间重组，使观者在观看过程中产生沉浸式的精神共振，仿佛置身于一个介于真实与意识、自然与机器之间的地下生态。《人工智能的地下心脏》既是对现代技术与文明关系的诗性反思，也是黄宇兴对物质、能量与意识交互场的视觉实践，展示了他将抽象、微观与宏观融合的独特艺术语言。

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季鑫，1988年出生于江苏南通，2010年和2013年分别获得中国美术学院油画系学士与硕士学位，2012年就读期间曾赴法国巴黎交流学习，目前在中国美术学院攻读博士研究生。作为一位同时深入绘画与雕塑语言的艺术家，季鑫的创作逐渐呈现出多重媒介间互相滋养的关系。他的绘画早期受到西方古典主义的深刻影响，使其作品带有古典而幽深的气质，画面多采用暗色调，蕴含形而上与历史绘画的深层质感。在持续的艺术实践中，季鑫广泛吸纳西方文艺复兴早期的造型结构、色彩逻辑与现代主义绘画和雕塑的形式语言，同时将目光投向东方美学传统，并试图在跨东西方的艺术语言中寻求个人的表达。

季鑫 Ji Xin

蒙/ Enlightenment

2026

布面油画/ Oil on canvas

80×50cm

延续长期以来对古典人物绘画的研究，季鑫在近年的创作中逐渐从对历史图像的回应转向对身体本身的凝视。在艺术家的新作《蒙》中，人物被置于极为简化的空间中，身体向后舒展，形成近乎雕塑般稳定而优雅的结构。柔和而克制的色调强化了皮肤与衣纹质感，使画面呈现出一种静谧而内省的氛围。相比早期带有明确图像来源的作品，这一阶段的创作更像是对古典绘画结构、比例与精神气质的再吸收与转化。“蒙”既指一种未被言说的朦胧状态，也暗示身体在舒展与觉察之间生成的片刻领悟。

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金施矸，1992年出生于韩国，2014年毕业于清华大学美术学院绘画系版画专业，2018年毕业于中央美术学院版画专业，目前生活工作于首尔。金施矸将熟悉的生活事物和日常用品重新组合成具有塑料质感的物品。她只关注日常生活中常见事物的本质，剔除其不重要的元素。这些被还原成静物的事物并没有散发出任何温度，但却客观而简单，有时还流露出一种坦率的形态。这样，对金施矸而言，画布上的一切都以最理想的虚无状态存在，现实生活的复杂性（即抽象性）在其中消失了。这也让她建立起自己远离现实的乌托邦。这个空间给人的感觉就像一个失重的世界，它是如此地自由和宁静，以至于能让我们忘却世间的任何烦恼和忧虑。

金施矸/ Xian Kim

物品 405/ Object 405

2026

布面丙烯/ Acrylic on canvas

162×112cm

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刘璐，1991年出生于浙江台州，2017年毕业于中国美术学院油画系并获得硕士学位，现工作生活于杭州。刘璐复合的抽象绘画形式取径于影像艺术的底层逻辑。长期流转于杂芜而繁忙的都市，使艺术家兼具都市人对于异质信息的敏锐嗅觉与影像记录者就光影行为的细致体察。刘璐以观看经验中的“叠底”作为视觉线索，将城市夜晚的现象经由摄影实践内化为自身独特的绘画语汇与视觉系统并加以赋形。作品表层图像的交叠、并置，不断模拟着当下时代出自信息超速与过曝的出离感官体验，在聚焦于一个源于异度时空的外在景观记录，以及对自我的内在沉思，也向观者揭示了一种非实在经验世界的空间性探索。

刘璐 Liu Lu

蓝色阴影 19：21/ Blue Shadows 19：21

2025

布面丙烯/ Acrylic on canvas

180×150cm

作品《蓝色阴影 19:21》源自艺术家刘璐在每天19时21分时所拍摄下夜色中被点亮的城市，相片中稍纵即逝的视觉际遇被细致地整合为了全新的视觉体验。作品在保留了抽象与具象间序互渗的复杂性与双重性的同时，彷佛在斑驳陆离的世界中重新构筑起了光与影的秩序与诗意。

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卢豫，1996年出生于陕西铜川，2018年本科毕业于西安美术学院油画系，2024年研究生毕业于中央美术学院油画系第二工作室，现工作生活于北京。出生于Z世代的卢豫，其成长轨迹几乎与互联网的发展并驾齐驱。互联网庞大的用户基数及其背后不断加载的多元价值观，与虚拟匿名的特性消弭了现实层面中的既有的身份/道德负荷，泥沙俱下的碎片叙事，激发了数字原住民从万千无序中捕捉到有序的狩猎本能。如何创造出高效通达的图像，是卢豫思考绘画的起点。高饱和度的色彩与删繁就简、田园牧歌式的场景营造，使卢豫的作品呈现出极强的辨识度。

卢豫/ Lu Yu

踏青/ Spring Outing

2026

布面油画/ Oil on canvas

220×200cm

艺术家标志性的点状笔触与块面化构建，将静谧且平静的湖畔、虚拟界面的规整砾石、被秩序化排布的春日花草与人物拆解为规整的视觉单元，在春日野趣被包裹在高度秩序化的画面结构里，形成 “静而有生” 的独特质感。作品以“踏青”为题，画面中人物着明黄色的长袜，和湖水的蓝色形成鲜明对比，更加增强了“踏青”的生机盎然之感。整个画面把春日万物生长，以及郊野的松弛感展现得淋漓尽致，也将我们从喧嚣的日常中抽离，给自己一片安宁的“精神自留地”。

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孟庆隽，1997年出生于哈尔滨，2024年完成中央美术学院研究生阶段学习，其创作始终将“时序性”视为绘画的核心问题。他通过提炼汉字书法中笔顺所蕴含的时间结构，并结合立体主义视角下漫画分镜的阅读顺序，构建出一种以时间推进为线索、具有仪式感的观看方式，并在其中追求绘画的写意表达。

孟庆隽/ Meng Qingjun

暖汤/ Warm Bath

2026

木板裱棉麻布、丙烯

Acrylic on wood panel mounted with cotton-linen

100×80cm

孟庆隽的新作《暖汤》以轻松而诙谐的视觉语言展开：夕阳如同浴盐般融化进鸳鸯搪瓷盆中，身体被简化并放大为近似山体的形态，双脚浸泡在暖汤里，水汽与呼出的热气交织升腾，转化为宛若山水画中的云雾与地景。现实经验、身体感受与传统图像在画面中彼此渗透，使时间不再呈现为线性流逝，而是一种被拉长、被浸泡的感知状态。孟庆隽的作品并未试图建构宏大的叙事，而是将日常的舒适与短暂的“呼吸”提升为一种近乎仪式性的时刻。山水不再是被远观的对象，而是从身体内部生成，幽默而松弛地重构了观看、时间与绘画之间的关系。

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裴彦清，1991年出生于佛山，现工作及生活于美国纽约，2014年与2017年于中国美术学院分别获得学士与硕士学位，并于2021年获得美国纽约普瑞特艺术学院艺术硕士学位。裴彦清以万物作为一个整体，同时又独立地与其他事物相联系的理念进行绘画创作。她的实践关注自然，探索人类与周遭的亲密共生关系，以及对由中国表意文字构成的叙事语境中诗意空间的想象。裴的绘画语言以混沌却和谐的方式建立人与人之间，人与周遭之间的对话。

裴彦清/ Pei Yanqing

卵/ Ovoid

2026

布面油画，彩色底料

Oil and colored gesso on canvas

61×91cm

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蒲英玮，1989年出生于山西，现工作生活于北京。作为中国新一代观念艺术的代表人物，蒲英玮创造性地将社会主义美术谱系进行批判性重构，致力于阐述全球化进程下中国身份的流变；通过跨文化的叙事框架探讨中国现代化发展模式对世界格局的深层影响。蒲氏作品涉及绘画、影像、设计、写作、讲演等多种媒介，开拓了以东方文明为认知基点的“新国际主义”艺术语言。蒲英玮近年持续深化世界田野路径，足迹遍及东欧、⾮洲、中亚、东南亚、美洲、加勒比海等诸多国家与地区，包括依旧处于冲突状态的巴尔干半岛与乌克兰。

蒲英玮/ Pu Yingwei

逍遥骑士/ Liberal Rider

2025-2026

布面油画、丙烯、桑皮纸、丝网印刷、金箔、石墨

Oil, acrylic, mulberry paper, silkscreen print, gold leaf, and graphite on canvas

180×120cm

艺术家新作《逍遥骑士》，描绘了在新的世界变局之下：信息、资本、科技、地缘等诸多因素的汇聚，而一位身着黄金铠甲的骑士在其中徜徉、征伐，表达了当前时代之下，人们在面对不确定性时的勇气与决心。画面在风格笔触上受启发于立体主义、未来主义等流派的表现手法，这些流派同样诞生于上个世纪的变革时期，展现出处于转变中时代气息。

“智能资本（社会文化的趋势）”系列表现了以知识和价值观为基础而演绎出的国家竞争力。也预言了在人工智能时代，人类的文化属性将持续增殖，扮演更决定性的角色。系列绘画上方，由艺术家虚构的杂志版式汇聚了其代表性的“帝国字体”与“中国资本”符号，画面下方则衔接了艺术家的绘画语言，这种风格被艺术家称为是“一次世界艺术提案”，是在其环球旅行的经历背景下，对古今中外文明的所见与所学、自身东西方教育背景、与中国本土的视觉基因进行的绘画风格的融合，代表着艺术家链接古今、链接东西的艺术宏愿。

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任小林，1963年出生于北京，1986毕业于四川美术学院绘画系，后任教于贵州师范大学美术学院，并于1991年进修于中央美术学院壁画系，自1999年起，生活创作于北京。任小林的创作手法融合东方传统与现代主义的视觉语言，通过非线性构图、低饱和色彩、自由生长的笔触与富于节奏感的线条组织，构建出一个处于自然与人造、现实与梦境、感知与精神之间的艺术世界。他拒绝预设整体画面，而是从细节出发，让图像在感知、笔触与思维的并行中生成；画面中常见物象的并置与错位，不是拼贴的戏谑，而是一种神秘的物性召唤与精神感知的结构尝试。

任小林/ Ren Xiaolin

三兔共尔/ Three Rabbits

2026

布面油画/ Oil on canvas

60×60cm

艺术家的最新作品《三兔共尔》源于敦煌莫高窟藻井壁画中的经典“三兔共耳”纹样。原母题以三只兔子首尾相接、共用三只耳的形式呈现循环与闭合的视觉结构，象征连续性与无限循环。任小林在此基础上进行了概念性改写：将“耳”替换为“尔”，使三兔不再共享听觉，而成为“三重自我”的互照与叠合——三兔皆为自身，形成闭环中循环的心理结构。作为任小林的创作的一贯思路，这件作品依旧通过非线性构图、自由生长的笔触与低饱和色彩，使观者在细节与整体的交互中感知画面节奏。画面中物象的并置与错位，既非图像拼贴的戏谑，也非传统叙事，而是对存在状态、精神感知与自我循环的视觉呈现。任小林将传统纹样的装饰性结构转化为主体性图像系统：循环与闭合不仅是形式逻辑，更成为个体精神状态的隐喻。他以东方文化的思维方式重组视觉逻辑，探索自我、存在与时间的关系，使《三兔共尔》成为对自我循环与生成状态的深度艺术思考。在这里，传统、现代与主体哲学的交汇形成了一种独特的精神空间——既可感知，又永远处于生成之中。

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王赫，1983年出生于北京，现生活工作于北京，2006年毕业于清华大学美术学院产品设计专业，获学士学位；2008年毕业于清华大学美术学院设计艺术学专业，获硕士学位；2011年成为国家级非物质文化遗产古书画临摹复制技艺传承团队成员；2020年任故宫博物院技术复制组组长；现为研究馆员、中国工笔画学会青年艺委会委员。

王赫于清华大学美术学院毕业后便进入故宫博物馆，从事古书画复制工作，十余年的时间练就了王赫匠人般的手艺，也在十年如一日的美学素养积累中唤醒了他进行个人创作的热望。一目了然的是，他在以中国古代书画铺就的基底中植入了颇多中国传统之外的视觉元素与更加当代的镜头语言。这并非简单的穿越与拼贴，甚至不仅仅是以当代滤镜看古画世界，抑或是以古代滤镜看当代生活。无论是漫画、电影、西方艺术史，还是中国传统书画都具备自己独一无二的语法，要打破这其中的壁垒又不至滑向一种无章法可言的杂烩，需要创作者对各种色彩系统与形式语言的触类旁通。王赫恰恰在他的个人创作中，不断发掘出不同文化土壤内在气息上的暗合之处，真正做到与赋型于传统书画中的古人和互联网世界中的今人一起把臂同游，谈古论今。

王赫/ Wang He

桌上——蓬莱仙境/ Upon the Desktop-Penglai Fairyland

2026

绢本设色/ Ink, colour on silk

125×70cm

《桌上——蓬莱仙境》是王赫“桌上”系列最新的一件作品。延续该系列作品的创作思路，王赫运用最传统的宋画创作手法，将古代经典意象于现代元素浓缩展示在画面中的一方桌面之上。该作品意象取材于袁江《蓬莱仙境通景屏》，将宏大的通景屏画面浓缩于一件雨林缸当中。雨林缸是都市人对自然的浓缩，满溢着对逃离现实，拥抱自然的向往与渴望。这种情感与传统上对海外仙山的渴求与想象叠加共鸣，共同牵引观者的思绪走入画面当中。画面中将通景屏的一角作为背景，隐没在雨林缸之后，其与前景的雨林缸分别表达着古人与今人各自的自我救赎尝试。

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王文婷，1985年出生于河南洛阳苗湾遗址附近的仰韶、二里头文化腹地，在古代文明遗存与现代工业并置的环境中成长。早年对史前器物与土层遗迹的敏感经验，使她形成了关于“物质性”与历史深度的初步认知；而伴随金属铸造工厂的成长经历，则为她带来了另一种截然不同的现代性体验——火的强度、金属的多重属性以及工业结构的节奏感。多重感知在其创作中被重新整合与“熔铸”：高温铸造现场的物质记忆、金属的冷冽与柔光，以及从博物馆系统中汲取的那些功能未明、带有神秘气息的器物，被她以近乎炼金术般的方法提取为绘画性的视觉语言。在高纯度、高饱和度的色彩谱系中，这些经验被转化为介于具象与抽象之间的形态结构，并成为其主体性建构的重要基础。王文婷现生活、工作于北京。

王文婷 Wang Wenting

火幕/ Fire Curtain

2025

布面油画/ Oil on canvas

160×120cm

火不仅成为了贯穿艺术家王文婷成长历程的亲缘性能量，更是其理解世界与本体间联系的核心线索。作品《火幕》以奔涌的笔触将艺术家对于物质的视觉记忆化为了带有浪漫主义张力的异象，仿佛将火焰形变的过程进行了完全的捕捉、定格与延宕。王文婷借助绘画的形式将物质之美背后不为人留意的工业化场景进行了无限理想化的再现，并在跨学科的理论与信仰间不断往复穿梭的同时，继续着其基于物质本源所拓展的想象边界与精神维度的持续性探究。

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王鑫焱，1995年出生于北京，2017年本科毕业于中央美术学院，并分别于2020、2022 年学习于中央美术学院及芝加哥艺术学院，获硕士学位。现生活工作于北京。王鑫焱于近年的艺术实践中展露出对史前文明的兴趣与关注，剪影式的物象、粗放的笔触以及笼罩于画面的黑褐色调等，王鑫焱借助对石刻岩画，以及作为其内容的图腾、符号与仪式的回溯，为其潜意识的视觉化呈现找寻到合适容器，在将日常迸发的灵感碎片加以整合的基础之上，完成对个人情感的宣泄以及绘画性的追逐。值得注意的是，王鑫焱于作品之中所透露出的“原始”更或说“原始主义”趣味，并非其艺术创作的旨趣所在，而更像是一面针对外界认知所强行赋予的评判标准的“黑镜”，暗含她对固有审美评判标准的抗拒以及对单纯性的基本法则和价值意义的追逐。

王鑫焱/ Wang Xinyan

忘川/ Lethe

2025

布面油画/ Oil on canvas

100×150cm

艺术家新作《忘川》中，王鑫焱将对原始景观与时间层积的关注进一步延展为一种更为复杂的地下世界想象。洞穴般的结构、菌类形态与骨骼般的物象在画面中彼此交错，构成一个仿佛沉积于地层深处的生态系统。蔓延其间的红色线状结构如同血管、菌丝或隐秘的水系，在不同空间层级之间不断延展，使画面呈现出持续生长与扩散的状态。

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夏禹，1981年出生于中国安徽，2004年毕业于中央美术学院油画系第三工作室，现工作生活于北京。作为80后重要艺术家，夏禹个人以及他所代表的一代人的生活轨迹似乎总能在他的画面中找到某种平行参照。从小镇青年到都市白领，从家庭生活到职场故事，夏禹从央美毕业后至今的作品都与普通人物的生活如影随形，兼具常人的无奈与无力，平淡的幸福与喜悦。一直以来，夏禹对于人物形象的塑造极具本土化的特点，他们面庞饱满、眉目清秀，波澜不惊的表情所流露出的温良恭简说不清是天性使然还是在社会中潜移默化的产物。在夏禹所设置的一个个或日常或戏剧化的场景当中，这些人物也时常显露出或优雅或诙谐的体态，展现出他们的自在与匆忙。这些本就微妙而不易察觉的情绪在夏禹惯用的坦培拉技法下被进一步柔化、冲淡，将一张张相似的面孔凝聚成为一个在中国最为快速发展的时代里属于一个时代的大多数的人物肖像。

夏禹/ Xia Yu

绿毛衣女孩/ Gril with Green Sweater

2026

木板坦培拉/ Tempera on board

100×80cm

在夏禹2025年的新作《绿毛衣女孩》里，人物肖像沐浴在坦培拉柔润的光源营造中，非现实的几何光体仿佛是科技变革时代的崭新生命，盘旋、区隔于画面与人物的双重维度，如流动的风般构建出呼啸而动的空间感。画中女青年安静地凝视着画外，这种安静并非空洞，而是一种身处非现实空间的不自知状态，她面庞饱满，神情淡然地看向现实，身体却朝向白光生发的未知地。一贯澄净、碧透的色彩温和地稀释了“怀旧式的氤氲氛围”与“对虚空之境的想象”这两者之间的紧张感。

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邢灏，2001年出生于深圳，现居于伦敦。2023 年毕业于伦敦大学金史密斯学院，获艺术学士学位；2024 年毕业于皇家艺术学院，获绘画硕士学位。他的创作多涉及历史、鬼故事与文学。他通过对碎片化符号的拼接与解构，构建出一个个质疑日常经验的独立谜语，生成某一瞬间的替代现实，犹如电视雪花屏之后，人视网膜短暂残留的影像与重影。艺术家倾向于在作品中并置不同的可能性与元素，借此探讨因果关系与替代现实的概念。

邢灏/ Xing Hao

残影/ Afterimage

2026

布⾯油画，油画棒及颜料棒

Oil, oil pastel and pigment stick on canvas

160×210cm

在新作《残影》中，邢灏延续以“假托”构建替代性现实的方式，将若干松散的线索安置在一片安静的田野之中：人物端坐在一匹被草逐渐淹没的马背上，双手靠近一小簇火苗取暖；水壶悬浮空中，地面散落着马蹄形符号，如同反复出现的痕迹。作品标题指向一种视觉暂留的经验——影像在消失后仍短暂停留。对艺术家而言，这种“残影”同样存在于历史之中：马，作为早已消失的秩序与权力的象征，如幽灵般时隐时现，如今更像是旧时代留下的幽灵。它不再承载宏大的叙事，而是以碎片化的方式散落在田野之中，与日常的景象交叠，使过去的秩序以一种若隐若现的方式继续停留在当下。

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杨歆奕，1998年出生于中国沈阳，2020年从芝加哥艺术学院获得艺术学士学位，2023年从皇家艺术学院获得绘画专业艺术硕士学位，现工作生活于上海。杨歆奕的绘画将线条排列与随机的笔触结合，构建出有序与无序交织的空间。通过对自然和人类活动的描绘，探索宇宙与生命意志的碰撞与融合。

杨歆奕/ Yang Xinyi

黄昏的风/ The Wind at Dusk

2026

木板油画/ Oil on board

150×100cm

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余曾巧，1997年出生于成都，自十四岁起在多伦多、北京、伦敦等地求学和生活。跨地域的成长经历，使她并未形成单一的文化认同，而是在不断位移中塑造出独特的流动性主体。她以神话母题、中古旧物、历史档案为媒介，将个体记忆与人类历史的集体意识缝合交融，形成既包含东方文化底色，又体现世界公民视角的图像语言。基于对全球化语境下身份模糊与复杂性缺失的切身感受，她将“位移”作为创作方法，而对不同文化语境的触感转化，则使她的作品展现出延展、游离的视觉特征。

余曾巧/ Yuna Yu

为了永恒 III/ For the Sake of Eternity III

2026

布面丙烯/ Acrylic on canvas

180×160cm

余曾巧作品《为了永恒 III》延续了艺术家对于人类如何追求永恒的探讨。背后的建筑被印刷在照相馆的幕布上，作为拍摄的搭建，强调了摄影术作为一种承载记忆和历史的工具。前面明显的木地板穿帮，故意抹除的人物形象及摄影设备，艺术家将视线聚焦于背景景观，这不仅让观者重新审视这些景观本身的象征意义，同时也引发了对人类如何通过影像创造永恒的思考。历史图像的“空缺”反而使景观本身变得更加丰富，仿佛这些背景本身在讲述一种被遗忘或压抑的故事。这一切的核心其实在于一种“冻结时间”的幻觉。人类的内心世界充满了潜意识的冲突与迷茫，永恒的追求往往是短暂而易碎的。余曾巧的创作在这一点上尤为精妙，她通过漂浮、重叠和消散的遗留物，传达了人类意识中的这些未解之谜与潜藏的冲突。通过这种视觉语言，艺术家不仅呈现了历史的碎片，也暗示了人类对于“永恒”这个概念的深刻困惑。每一幅图像，每一块被遗弃的物体，似乎都在无声地讲述着一个关乎人类、时间和存在的故事，而这个故事是无解的，永远悬浮在历史与未来之间。

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张英楠，1981年出生于陕西，2005年毕业于西安美术学院，现工作、生活于北京。张英楠的绘画既是写实的，又是超现实的：在绘画手法上，他的作品富有古典主义画作的细腻与典雅，构图严整、简洁；但在内容上，却往往布满了奇巧之思，为熟悉平凡的空间赋予梦境一般的质感，在画布上构建着充满想象的时空关系。在艺术家克制、沉静的用色下，这些“不可能”的情境总是携带着些许伤感、孤独的底色；对于张英楠而言，画中弥漫的失落情绪来源于他对于人与人关系的体察。儿时在乡间大院里成长的经历，与成年后在城市里求学、工作之所见所感形成了极大的反差：邻里生活间的亲密，在都市里变为了人与人相处时的淡漠与疏离。画作中空荡寂寥的一个个空间指向失落的曾经，也象征着当代人精神与心理状态的空洞，更是艺术家寄托自己思绪、情感与记忆的想象之所。

张英楠/ Zhang Yingnan

微笑/ Smile

2026

布面油画/ Oil on canvas

150×200cm

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张季，1993年出生于北京，先后于芝加哥艺术学院和马里兰艺术学院完成本科及研究生课程。张季的绘画是由不稳定的构图、形状奇特的光区和线条，形成对人类“身体”（畸变的肢体、裸露的器官、怪异暴露、生殖崇拜、图腾感的躯干）的分离和挤压。艺术家偏爱使用曲线、斜线与垂直线的画面走向，而不用横线，笔触、痕迹与线条割裂的画面使得其笔下的身体乃至整个绘画世界显得极其不稳定。此外，由于对“身体”有着超验的理解，他极具个人性的描述很难被包括笔者在内的其他任何人传达，但是可以简单而笼统地概括为身体是一种具有社会性的公共媒介，其构造本身的社交属性被现代文明包裹后变得不显著，而绘画具有神奇的力量可以打开这一切，让一些与身体有关的却不可言说的隐秘得以公之于众。

张季/ Zhang Ji

鲢鱼肖像/ A Portrait of Sliver Carp

2026

布面丙烯/ Acrylic on canvas

200×160 cm

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张铭轩，1998年出生于中国辽宁，2003年随家人移居湖北武汉。2020年毕业于英国中央圣马丁艺术与设计学院，获得学士学位，并于2023年在英国皇家艺术学院获得硕士学位。目前生活和工作于伦敦与香港。张铭轩的艺术实践围绕着身体的流动性和去象征化，通过扭曲和缺失来审视身体、空间和凝视之间的关系。她巧妙地将现实世界中的现成织物融入绘画，捕捉“虚”与“实”的转换。运用实在的物质去覆盖、包裹“虚体”的绘画，成为她对现实世界中肉体处境的思考。在她的大部分作品中，画布被转变成框架或容器，对画面中的主体施加外力的挤压，通过此种手法重新评估并反复探讨社会对身体概念的定义，以及肉体图像所可能携带的暗示与内涵。张铭轩对东方与西方对身体/空间理解上的差异也充满兴趣。她通过作品表达矛盾与对立，包裹与融合，将其视为对多重文化背景下生活经历的独特诠释和探索。

张铭轩/ Zhang Mingxuan

我的牧场/ My Pasture

2026

布面丙烯油画/ Acrylic and oil on canvas

180×150cm

在作品《我的牧场》中，张铭轩持续思考身体如何在不断的崩解与重组中被重新理解。对艺术家来说，身体并不是一个稳定的个体，而更像一种可以被折叠、覆盖和再次生成的容器：“一个个体可以歪斜变形到什么程度而依然是自己？”这种对于“我”的边界的追问也成为创作的重要出发点。包裹身体的表层像第二层皮肤，它既保护身体，也限制身体，使个体在压缩、拉伸与重构的过程中不断生成新的形态。

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张斌，1983年出生，2006年毕业于人民大学徐悲鸿艺术学院，2013年毕业于中央美术学院壁画研究生课程班，并于2016年进行奥德布鲁姆意大利古典绘画研习。张斌的绘画作品无论在造型手法上，还是坦培拉混合技法的运用上都具有鲜明的个性特征，作品细腻生动，情感内敛，作品既有别致的东方韵味，又有西方古典绘画的精髓和气韵，多次被海内外机构、美术馆以及个人收藏。

张斌/ Zhang Bin

空隙/ Gap

2026

木板坦培拉/ Tempera on board

100×60cm

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朱小禾，1956年出生于重庆，1986年硕士毕业于四川美术学院工艺系漆器专业，师从现代著名漆艺史学家、艺术家沈福文先生。上世纪九十年代开始，深谙中国传统工艺美学精微之处的朱小禾，把漆器艺术中的图像以及方法论融入了自己的创作，开辟了一条与西方艺术截然不同的美学路径，并在创作上形成了别具一格的风格特征。线条对于朱小禾来说是材料也是方法，他用线条建构图像的同时也是一次消解图像的过程。他巧妙地运用了漆艺的方法论，以油画的形式呈现出“千文万华，纷然不可胜识”的个人风格和美学特征。