雅昌专稿 | 林天行：画中的香港 心中的香港

2026年是林天行推出首个以香港城市景观为主题创作的第三十年。

1984年元旦，福州青年林天行踏过罗湖口岸，带着对“天堂”的憧憬抵达香港，却被满山遍野的铁皮屋与唐楼的狭小空间拉回现实。不会粤语、寸步难行的他，在塑胶花工厂做工维生，休假时间在弥敦道的徒步中丈量城市，在书店的画册前汲取养分。新界的路灯、公园的长凳与秋千，这些带着孤独感的都市符号，成为他1996年第一批香港题材作品的核心元素。

多年来，林天行的创作虽辗转西藏、荷花、菖蒲等系列，却始终未远离香港。他对香港的感情，早已从最初的适应与探索，沉淀为融入血脉的眷恋，最终都化作了笔下的山海之境与灯火万千。

《夜·香港》水墨设色纸本 180×97cm 2025

作为香港当代水墨艺术的重要代表人物，林天行在早期的北方山水系列中打破了传统文人画“墨分五色”的局限，让色彩与墨拥有了同等的叙事地位，更是在后来长达近30年的时间里，以香港的城市景观作为创作主题，既保留中国传统绘画的意境，又融入了现代抽象艺术的元素，以独特的视觉方式呈现了香港的都市风貌，成为他对这座现代都市的情感投射。

2024年，林天行正式开启“夜香港”系列创作，灵感一发不可收拾，并于2025年年底推出“夜•香港”跨年个展。这位扎根香港四十余年的艺术家，以一场极具当代感的夜香港主题展览，将个人情感、艺术革新与城市记忆凝于笔墨色彩之间。

“艺术的生命在于创新，更在于与时代同行。”这是林天行始终坚守的创作理念。从早年受黄宾虹语录启发，领悟中国画的博大精深，到北上中央美院深造，吸纳当代艺术思潮，再到借鉴西方色彩技巧，他始终以开放的心态对待艺术，却从未脱离传统根基。从西藏经历赋予荷花的神圣感，到2019年用菖蒲系列传递不屈精神，林天行的创作始终与时代同频。面对AI技术的飞速发展，林天行更坚信艺术的核心价值无法被复制。

保持个人创作高产的同时，从2019年以来，林天行作为香港美协主席始终致力于搭建交流平台，推动香港美术与内地及国际接轨，近两年连续两年在中华艺术节中策划“香港水墨新时代”“书写的力量”展览，打破艺术边界，吸引逾万人次参观，更被内地省市美协借鉴模式。2026年，香港美协计划在9月底举办全体会员作品展，以400位艺术家的作品为国庆献礼。而林天行个人也已经新的创作和展览计划。

【对话林天行】

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​五光十色的夜香港

雅昌艺术网：您最近举办了新个展“夜·香港”，最新创作的50余幅水墨作品全都聚焦香港夜景。请您介绍一下这一批新作，为何会以香港夜景作为创作主题？

林天行：深耕香港创作二十余年，我愈发觉得这座山海之城的夜景独具魅力。不仅因为建筑与地貌的和谐交融而区别于世界其他地方，也藏着顺畅与宁静、热闹与寂寥的反差。这让我不由得想到，人生也是如此——有时顺畅，也难免有时心酸，或遭遇冷清与寂寥。从去年1月开始，我正式开启香港夜景系列创作，一发不可收拾。虽然每幅作品都以香港夜景为核心，却在手法、构图、意境上各有不同，题材涵盖维港、狮子山等具体地点，也包括夜晚偶然路过时的瞬时感受。

我参考了古今中外的相关夜景创作。古代的夜景画大多与白日景致相近，仅以明月点题。黄宾虹曾提及，他某次夜晚途经四川一座山时，眼前所见是一片混沌景象，分不清山石和树，连路径也隐于其间。于是他便以破墨法入画，借笔墨交融的效果来呈现这份夜色中的朦胧混沌。日本画家则偏爱辽阔静谧的夜景意境。但香港夜景的五光十色、勃勃生机，与这些传统范式截然不同，我必须找到专属表表达。

雅昌艺术网：这批作品虽然是以“夜”为名，但是色彩非常丰富。您的作品向来以色彩浓烈而通透而极具个人面貌。您在色彩表现方面有哪些心得？

林天行：传统中国画以笔墨为主，尤其是宋代以后，墨成为核心，色彩被弱化了。其实早期的中国画如敦煌壁画，是非常重视色彩。今天的社会本身就是五彩缤纷的，无论白天还是夜晚，生活都充满了各种色彩和变化。过去的人可以一眼看到自己的未来，但现在的科技日新月异。二十年前，我们根本想不到今天可以用手机叫人送外卖上门。时代在变，艺术也不可能不变。

选择以夜香港为创作题材，也是因为香港本就是一座灯火通明的不夜城，尤其在节日前后。我喜欢五颜六色，所以会大量使用色彩。但把丰富的色彩运用到宣纸和水墨中，难度非常大。而传统中国画多是勾线填色，而我追求的是 “色中有墨、墨中有色”，两者相互不妨碍，同时又要让墨色融合、浑然一体。这是非常困难的。宣纸不像油画布，第一是容易 “脏”，第二是容易 “破”。

雅昌艺术网：您是如何解决这些难题？

林天行：夏加尔曾经说过一句话，大意是，你现在看到我这幅画很美，是因为你看到的不仅是表面的色彩，而是后面五层颜色透出来的美。我的画也有很多层次。传统的写意画讲究寥寥几笔，但我的画常常要重复很多遍，甚至十几遍，不断地墨完再色、色完再墨，层层叠加。我希望最终呈现的画面既干净又透明，让墨和色都在 “呼吸”，各自有生命，又彼此融合。它们不是简单地粘在一起，而是像皮和肉一样，既分开又在一起，有层次、有生命力。

很多同行经常问我颜色是从哪里买的或者是什么品牌。其实我用的都是最普通的颜料，也是最普通的颜色。其实颜色本身并不重要，颜色只是一个 “名词”。真正重要的是如何把颜色变成 “色彩”，这是一个 “动词”，是需要方法和能力的。

雅昌艺术网：您刚刚也提到，您在夜景中既有具体地点，也有偶然路过的瞬间。您在选择表现对象时会有哪些考量？

林天行：既然画的是香港，标志性元素的呈现很有必要，比如维港、钟楼等这一类大家一眼能认出的景致。而有些场景则更为小众，比如从我在家里窗口望见的风景，或是坐车经过时偶然捕捉的瞬间。说到底，尽管画的是香港夜景，但作品核心承载的，是我在这座城市生活四十余年的真切感受与深刻感想，其中很多场景更是源于我的想象与提炼。

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从新界路灯到多彩香港

雅昌艺术网：正如您刚刚提到，您从90年代开始创作以香港为主题的作品。能介绍一下这个过程吗？

林天行：我早期的创作题材多是北方的山景。后来我觉得，自己生活在香港，还是应该去表现这个熟悉的地方，于是便把创作重心转向了香港。第一批香港题材作品创作于 1996 年，与新界有关。我到香港后就住在新界。我从小对山水树木就特别偏爱，新界刚好满足了我这份喜好。这里有很多树林，我家楼下的公园就像一片热带雨林，里面有松鼠跑来跑去，大树上还长着不少寄生植物，特别漂亮。香港最独特的地方就在这儿。一边是现代感十足、科技发达的高楼大厦，可只要走半个小时，就能走进一片原始森林。而且新界氛围特别舒缓，不像市区那么匆忙、紧张。

这个系列的作品里有很多路灯的元素。路灯一方面是现代文明的象征，另一方面又带着一种孤独感。大家都忙着奔波，只有路灯一直立在那儿，好像在等待某个人。我还画了公园里的长凳和秋千。新界公园的长凳不像内地公园那样总坐满了人，大多是空着的。公园里还有秋千。我喜欢一个人荡秋千，荡着荡着就能忘记很多烦恼，还能想起童年时光，一会儿望着天空，一会儿看着地面，特别惬意。这些路灯、长凳、秋千，都成了我画面里重要的元素。

雅昌艺术网：从北方山景转到现代都市，题材转变给您带来了哪些艺术表达上的变化？

林天行：此前我习惯了描绘名山大川，而香港是一座高楼林立、车水马龙的大都市，满是街灯闪烁的繁华景象，和以往的创作题材截然不同。这对我来说是一种挑战。这种挑战，其实也是我创作风格转变的过程。

90 年代起，我开始摸索新的表现手法。传统中国画讲究 “三远法”，会清晰划分近景、中景、远景，想要创新就必须打破这些固有框架。于是我采用了平面化的构图方式，摒弃了 “三远法” 的空间布局，同时在画面里加入了鲜明的色彩和直线条。要知道，传统中国画的线条讲究 “九曲十三弯”，追求 “树无寸直” 的变化感，就像中国古典园林的造景思路一样，线条从不会是笔直的。但香港的现代建筑全是直线条，我便以此为创作元素，用直线去勾勒我眼中和心中的香港，最终形成了这种画面饱满、极具当代感的创作风格。

雅昌艺术网：这种新风格在当时引起了广泛关注。您当时收到了哪些具体反馈？

林天行：1999 年，香港系列创作趋于成熟，我在大型个展“景象香港”中展出 200 多件以描绘香港为主题的作品。这是我第一次集中呈现我用水墨和彩墨的方式表现香港的城市风貌。展览在香港引起了很大反响，一批作品被香港艺术馆等多家机构收藏，后来也频繁入选内地的全国性重要美术展览。

在 90 年代，整个艺术界都处在创新的彷徨期，我用传统笔墨表达当代都市风貌的尝试，在他们看来既新颖，又充满当代力量。直到现在，我去内地参加相关艺术活动时，还会有年轻人告诉我，他们上大学时，老师会拿着我的作品教学，告诉大家：传统中国画也能用来表现香港这样的现代都市。

雅昌艺术网：后来有一段时间，您的创作与香港并没有太大关系。

林天行：1999 年，我第一次踏上西藏的土地，此后分别于 2003 年和 2005 年两次进藏。然而，到过西藏并不意味着就能真正画好西藏。若只是做写实性的记录，任何人都可以做到。但作为艺术家，我必须画出属于自己的西藏，就像 “景象香港” 一样，让人一眼就能认出那是我的风格。对我来说，个性与风格，就是艺术的生命。

第一次入藏经历帮助了我。我因感冒引发严重的高原反应，头痛欲裂，脖子僵硬，濒临极限的那一刻，我仿佛看到满天荷花缓缓飘落。西藏美协主席韩书力给了我一颗药，正是这颗药救了我。西藏经历让我原本就喜欢的荷花有了新的意义。从那以后，我画荷花时会不自觉地融入西藏的气息，画西藏时又会自然地带上荷花的意象。很多去过西藏的人，看我的荷花时会说，仿佛看到了西藏的雪山与圣湖。这正是我想达到的效果。荷花与西藏在我的作品里逐渐合二为一。

2019 年，我开始创作菖蒲系列。菖蒲常生于溪流或清水边，干净、纯粹，因此被视为一种崇高的象征。文人常借菖蒲自喻自身的清高与品格，苏东坡也爱种菖蒲。古人画菖蒲多是画小盆、短叶再配上诗句。我不想重复古人，于是尝试把菖蒲放到更广阔的天地里，让它面对天空、大地或置于瀑布之下。在传统文化中，菖蒲还象征斩妖除魔，每一片叶子都像一把剑。那一年，香港发生了一系列事件。我在香港生活多年，从未见过这座城市变得如此动荡，我非常愤怒，在 2019 年画了大量菖蒲。2020 年，世界因疫情变得更加不安。这时，我觉得人们更需要菖蒲。它既能辟邪，也象征不屈不挠的精神。于是我又继续画了一批菖蒲。

雅昌艺术网：从什么时候开始又决定回到香港主题的创作？

林天行：在疫情期间，我又开始画香港，在香港很多地方写生。2022年，我举办了个展“多彩的地方・林天行景象香港”，展出40件2022年全新创作的香港景象系列水墨作品。同样是描绘香港，90年代的作品风格豪迈粗犷，以大幅作品居多，用笔奔放洒脱。如今在画面结构、色彩层次及笔墨变化上都更为深刻内敛，所承载的思想内涵也更为厚重。

雅昌艺术网：您尝试了很多不同主题的创作，有哪些一直坚持的艺术主张和理念、始终没有改变？

林天行：艺术的生命在于不断创新和变化，更重要的是，艺术必须与我们所处的时代紧密相连。翻开美术史，无论中西，我们一眼就能看出某位艺术家属于哪个时代。既然置身于当下，我们就有责任创造出属于今天的艺术，让未来的人们翻开艺术史时，能一眼认出，这是那个时代的作品。

《幽思》  水墨纸本  74×72cm  2020年

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南下北上的学艺之路

雅昌艺术网：提到变化，您的人生也经历很多变化，其中包括1984年移居香港。这次“迁徙”给您的艺术人生带来了转变？

林天行：我在1984年元旦抵达香港。父亲把我安顿在荃湾的一间唐楼里，将我托付给在塑胶花工厂打工的堂姐。当时我完全不会说粤语，在香港寸步难行，就连买鞋，都不知道当地人会把鞋子和鞋带分开售卖。我跟着堂姐在工厂做工，也在同事们的热心教导下慢慢学会了粤语，他们都对我格外照顾。每个周日，我都会沿着弥敦道从深水埗走到尖沙咀，用脚步丈量这座城市。大街小巷遍布书店，里面的书可以随意翻阅，我在书店里看到了许多画册，却因囊中羞涩买不起。那一年，除了学会粤语，我大部分时间都在探索、认识这座陌生的城市。

到了1985年，我结识了一群画画的朋友，开始参加各类画会，其中最有名的是华人现代艺术研究会，会长是大师级画家陈福善。画会每年都会举办展览和雅集，还保留着中国传统雅集的韵味：每个月会在酒楼包场，大家聚在一起画画、写字、吟诗、创作，将作品悬挂起来，再一同用餐畅谈。画家们的生活都很拮据。那个年代，香港的专业画家稀少，大多要靠教学生、以画换物维持生计。当时能举办展览的场地寥寥无几，香港大会堂是为数不多的选择。1985年、1986年我连续参加展览，1987年，我的作品成功入选当代香港艺术双年展，对我而言是极大的肯定。

雅昌艺术网：1989年，您北上去中央美术学院深造。是什么样的原因让您有了这个决定？

林天行：我在参加了多个画会展览后，逐渐意识到，若继续留在香港，很难再有进步。我一直密切关注着内地艺术动态，内地相关的刊物我都会一一购买研读。受八五思潮影响，90年代的内地艺术界涌现出大量创新实践，北京央美和北京画院许多画家的作品深深吸引了我。于是我下定决心离开香港，前往北京求学。

在央美学习期间，除了课堂上各位老师的悉心指导，我还骑着车主动拜访那些我敬佩的画家，他们都不吝赐教。1990年12月，我在中国国家画院举办了人生的首次个展，展出了我当时去陕北写生创作的“陕北系列”，得到了当时众多业界泰斗的认可，周思聪老师评价我画出了陕北的苍茫。这个展览是我艺术人生的重要转折点。此后，我频繁作为香港艺术家代表参加全国性展览，作品后来还随神舟飞船登上太空。

那次展览结束后，我回到香港，有个来自北京的香港画廊老板提出要为我的“陕北系列”举办个展。结果一幅画也没有卖出去。有人为我分析，可能香港市场不喜欢苍茫，苍茫中有苦涩的味道。市场遇冷，我得考虑生存问题，1991年我进入香港大一艺术设计学院教书，长达八年的时间里半天教学，半天创作。也是在这期间，我开始了香港系列的创作。2024年，我在香港中央图书馆举办“天行艺道——水墨45周年”，将当年的“陕北系列”完整展出。如今回望，如果没有当年的北上，我不会拥有现在的眼界。

雅昌艺术网：在您移居香港之前，您在福州有哪些学习经历给您留下了深刻印象？

林天行：福州像个盆地，周围全是山，我家屋后就是最高的莲花峰。我会一个人钻进深山里，躺在大大的岩石上望着天上的云飘来飘去，夏天会有松针一条条垂落在脸上，到了傍晚再下山回家。虽然山里有野兽，可我不害怕，那种惬意感至今难忘。我那时候还经常逃学。农村收割完庄稼后，会堆起很多草垛，就像莫奈画里的那些草垛一样。我钻进去，在草垛中间一个人坐着，尽情做着白日梦。

我真正接触绘画是从初中一年级开始的。那时候在学校吃完午饭会去附近的书店逛逛，偶然看到了一本《门采尔素描》。那时候我根本不知道门采尔是谁，只觉得画得太好了，就买下了它。这是我拥有的第一本画册。另外，我的舅舅是画家，他给了我一本薄薄的《黄宾虹语录》。那时候的我同样不认识黄宾虹，可读完这本书真切感受到中国画的博大精深。书里提的历代绘画大师，我将他们的名字都记在心里。也正因为书中多谈及山水，我从此便对中国画山水产生了格外浓厚的兴趣。

父亲见我喜欢画画，便带我去拜老师。吴国光是我的启蒙老师，他擅长西洋画和中国画，教会了我素描。第二位老师是福州画院的画家林光，他是正宗的传统文人画画家，琴棋书画无一不精，人物、山水、花鸟各科皆造诣深厚。拜师一个月后，他便带着我去了上海、黄山和杭州游历。那是1979年，我在上海第一次吃到了巧克力，第一次在朵云轩看到了在《黄宾虹语录》里见过的作品真迹。最难忘的是去黄山。这座被石涛、梅清、刘海粟等历代大师描绘过的名山，美得超出想象。返程时，我回头望了一眼这座山，热泪盈眶。可惜的是，拜师一年后，林光老师便去世了。师母便将踏入中国画大门的我，推荐给他们的朋友和同事，艺术家陈挺。拜师不久，我便随他游历11个省市写生，积累了丰富的创作素材，也创作了很多传统的山水画。在拜他为师前，我早已是他的粉丝。陈挺老师的画非常贴合我们当时的生活环境，传递的是属于当下的美。

探讨水墨的创新之法

雅昌艺术网：您在学生时期接受了传统的中国画教育，后来走上了一条打破中西边界、自由融合的道路，尤其是将中国传统绘画的精神内核与西方绘画的技法和色彩相融合。从您的个人经历出发，您如何看待中国画的传统与创新的关系？

林天行：一千多年来，直到五四运动之前，中国人的思想模式基本没有发生过太大的变化。因为思想没有变，看世界的眼光没有变，所以画出来的山还是那座山，北宋大师笔下的意境和清末的并没有本质区别。这种局面直到五四运动才被打破，整个社会的审美和思想开始转型。当思想改变了，生活方式和艺术语言自然也就随之改变了。上世纪30 年代，西方艺术大量涌入，林风眠那一代的很多画家去国外留学。现在回头看他们年轻时的作品，依然非常精彩。

其实，中国艺术并非第一次接受外来影响。北魏时期，我们就受到了印度和中东文化的冲击。但我中国文化最伟大的地方就在于它的包容性。无论什么外来文化进来，最终都会被 “中国化”。艺术也是如此。尽管这么多外国艺术流派涌入中国，但中国画并没有因此失去自我，反而呈现出勃勃生机。今天的中国画依然样式繁多，充满了各种可能性。

同时，古代的画作虽意境高远、技艺精湛，充满形而上的美感，但毕竟时隔百年甚至千年，我们无法知晓画家当时的生活情境、内心思绪与美学观念，很难与之产生深层共鸣。这也正是我们今天要立足当下创作，而非重复过去的原因。艺术家也应该在继承传统的基础上，表现出属于自己的独特面貌和个人语言。

雅昌艺术网：您的作品多次在海外展出。在您的印象中，世界对水墨的态度发生了哪些变化？

林天行：我的第一次海外展览是在2000年，主办方邀请我去旧金山参展，恰逢过年，我没能到场，但是作品全部售罄，第二年又在纽约举办个展。后来还陆续在新加坡、首尔、米兰以及德国办过展。德国观众格外喜欢我的作品，或许正是因为我的画里带有表现性，而德国本身就有深厚的表现主义艺术传统，彼此能形成审美呼应。在米兰展出时，当地观众都表示，我的作品让他们感到格外亲切。在他们的固有印象里，中国画多是黑白水墨风格，还配有大量题字，而我的作品打破了这种刻板认知，让他们耳目一新。我想，这或许能让他们对中国艺术有一个全新的理解与认知。绘画是没有语言障碍的。我始终认为，时至今日，世界艺术的核心价值之一，就是能让全球观众看懂、产生共鸣。

雅昌艺术网：在数字技术、跨媒介实验与全球语境多重交织的今天，您认为艺术还有哪些发展新可能？

林天行：科技飞速发展，AI的普及对艺术领域反而影响最小。因为艺术的核心是灵魂与情感，这恰恰是AI所不具备的。那些突如其来的灵感、刹那间想要抒发的心绪，都是AI无法复制的。美学家宗白华先生曾说，艺术在于一刹那，一刹那即是艺术。我们常说“天人合一”，当我们全身心投入到忘我的境界，暂时忘却自我的存在时，那一刻所凝结的作品，便是这份“一刹那”的精华，也是最动人的表达。若是从头到尾都以纯粹理性的态度创作，作品便会失去本真，沦为刻意雕琢的产物，那不是真正的艺术。艺术创作必须带着一份“提心吊胆”的敬畏与赤诚，在感性与专注中捕捉那份不可复制的瞬间。

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推动香港美协队伍年轻化

雅昌艺术网：您从2019年担任香港美协主席。您在任期这几年，香港美协发生了哪些变化？

林天行：我顺利当选，政府的支持也起到了重要作用，香港美协不同于一般民间组织，有官方支持才能更好地开展工作。接任美协工作后，我做的第一件事就是在珠海美术馆举办香港美协会员展，组织了100位香港画家参展。100位画家一同经港珠澳大桥前往珠海，这是珠海首次迎来如此大规模的香港美术展。后续几年虽受疫情影响，但美协并未停下工作。我们不仅定期举办线上展览，还与多家机构联合主办了抗疫主题展览，做了不少实事。

这几年来，美协确立了明确的发展方向：一是吸纳更多专业画家，二是推动队伍专业化、年轻化。每年年初、年底各开放一次入会申请，有着严格的审批筛选机制，对专业要求很高，且入会者必须具备香港身份。2019年共有110名会员，其中70岁以上的会员占比约七成。经过五年时间，美协会员增长到400人。既有来自全国各大美院的香港籍教授，也有不少毕业于央美、广美等各大美院的青年画家。这些青年画家都十分优秀，部分人还获得过国家艺术基金奖，真正实现了队伍的专业化与年轻化。

雅昌艺术网：回顾2025年的香港美协工作，您有哪些总结？

林天行：首先，我们积极配合全国美协开展各类活动，联动各地艺术机构搭建交流平台。比如前不久福建画院开幕的“赓续文脉 同心圆梦——海峡两岸暨港澳地区中国写意画作品展览”便是香港美协作为协办方之一，不少香港美协会员参与其中。除此之外，我们还与深圳等地频繁互动，为会员对接地方画院的写生活动，推荐优秀会员参与各地艺术交流与对话，推动香港美术力量与内地深度融合。

我们也注重内部凝聚力的建设，定期组织写生、创作等集体活动。2025年开年，我们特别启动了“香港美协主席团工作室”活动，由五位主席团成员轮流坐庄，每月由一位主席团成员牵头，会员自愿报名参与，大家围坐在一起喝茶聊天，分享对艺术的见解、个人创作心得，也会探讨美协发展的建议，或是针对个人艺术追求中遇到的问题互相磋商、答疑解惑。报名参与的会员十分踊跃，每次都有20多人参加。

此外，我们还积极参与香港本地重大文化活动。香港政府前年启动了中华艺术节，我作为水墨画板块的策展人策划了“香港水墨新时代”展览，邀请了60位极具代表性的香港当代水墨艺术家参展。去年的第二届中华艺术节又策划了“书写的力量”展览，既有纯粹的书法呈现，也有融合各类媒介的创意之作。展览旨在体现汉字、书写的精神，将千年书写艺术的力量传递给更多的人。两个展览都获得了极大的关注度。“香港水墨新时代”展览吸引了逾万人次参观，“书写的力量”同样反响热烈。

雅昌艺术网：2026年，香港美协有哪些重要的安排？

林天行：我们计划在9月底举办全体会员作品展，一方面是为了吸纳新会员、展示队伍建设成果，另一方面也是全体会员共同为国庆献礼。与主题性展览、学术性展览有筛选和推荐机制不同，全体会员展的核心是为每一位会员提供展示平台，见证整个队伍的成长与发展。所以，尽管场地会比较拥挤，但我们坚持会员展的平等原则——只要是香港美协会员，无论创作水平如何，均不设局限。

雅昌艺术网：您个人有哪些创作和展览计划？

林天行：2026年，我筹备开展一场国际巡回展，在内地计划对接约10家展馆，海外则覆盖德国、法国、意大利等五、六个国家，整体下来明年预计会有十几场巡展。另外，2026年春节期间，联合国教科文组织的一本杂志将采用我的“夜香港”系列作品作为封面。后续，我还有可能在联合国教科文组织举办个人展览。

“夜香港”这个题材会继续深耕下去。未来我想做更多拓展，希望在尺寸上能有所突破，同时也会尝试更纯粹的表达，围绕这个题材不断生发。哪怕是一棵树，也能成为承载香港韵味的载体，通过它传递城市的气质。我会根据当下的心境灵活调整，让每一幅作品都贴合当下的感悟。

《紫荆盛开》水墨设色纸本 184x144cm 2023年

雅昌艺术网：能感觉到您对这座城市发自内心的热爱。

林天行：我太爱这座城市了。我始终觉得，要画好一样东西，前提是必须真心喜欢它、深爱它，唯有注入真挚的情感，作品才能拥有打动人心的力量。如果连自己都无法被创作对象触动，又怎能指望打动别人呢？我对香港的热爱，完全发自内心，也自然地融入了我的每一幅作品中。

【结语】林天行在与雅昌艺术网的对话中，还分享了一段童年往事。

“大概七八岁的时候，有天早上，我看见莲花峰后面飘着一朵形状奇特的云，美得格外突出。我一下子就好奇起来：山的后面是什么？这朵云是怎么飘上来的？顺着云朵的方向，我一路往前走，沿着山间铺着碎石的小路翻了好几座山，不知不觉就走到了下午三四点。”山里人迹罕至，就在他茫然之际，一位老太太拦住了他，一个劲叮嘱他赶紧返程，晚了山里可能有狼。直到这时，浑身被太阳晒得又黑又红的林天行才折返回家，等回到家已近深夜九点。

往事听起来像一个带着魔幻色彩的童话。但细想，这也许就是林天行的性格底色——认准了方向就勇敢出发，一旦笃定目标便始终坚守。这份特质也延续到了他对香港的情感与创作中。他认准了香港就是自己最想用心表达的对象，对这座城市倾注了全部深情。

从福州山间的追云少年到享誉业界的艺术家，再到扛起责任的美协主席，林天行的一生都与艺术、与香港紧密相连。从最初笔下带着孤独感的新界路灯，到如今描绘的璀璨繁华夜景，香港的模样，早已成为林天行对香港情感的镜像投射。正如他所说，对香港的热爱，早已融入每一笔笔墨之中。他一边用画笔不断发现这座城市的多元之美，一边以行动为香港的艺术发展添砖加瓦，让画中的香港、心中的香港，被更多人看见与铭记。