第十届UABB深港城市\建筑双城双年展（深圳）OCAT 分展场“平行宇宙”当代数字艺术展开幕 呈现跨文明的对话语境

2025年12月1日至2026年1月15日，OCAT A馆推出别开生面的“平行宇宙”（Parallel Universe）当代数字艺术展。呈现当代艺术、数字艺术与原始文明跨时空的多重对话。作为“第十届UABB深港城市\建筑双城双年展（深圳）OCAT 分展场，展场展示了26位（组）来自欧亚大陆性现代文明背景的当代艺术家的29件跨媒介作品，这些作品与袁继新的代表性收藏并置，在OCAT打开数字艺术与原始文明的多重时空，形成跨越时空的交流对话。

2025年12月1日下午16:00，“平行宇宙”展策展人顾振清、托马斯·温德兰、袁继新，联合策展人哈罗德·施密德，总策划人沈少民，以及参展艺术家巴特尔佐力格·巴特贾噶尔、诺敏·博尔德、江上越、江屹、伊扎贝拉·鲁兹卡、马里乌什·瓦拉斯、米凯拉·哈内曼，刘可、王爽、袁隆和魏文涛等出席了展览开幕式。在OCAT艺术总监方立华、策展人顾振清主持的开幕式上，“第十届深港城市\建筑双城双年展（深圳）”主策展人、“平行宇宙”展总策划人沈少民，中国文旅部艺术发展中心数字艺术与区块链实验室主任王钟，深圳数字产业协会会长皮取兵，“深港城市\建筑双城双年展”发起人张宇星，OCAT馆长张东辉，策展人托马斯·温德兰、策展人袁继新，联合策展人哈罗德·施密德、艺术家代表刘可分别致辞。他们从展览的源起和渊源、策展理念，以及数字艺术与原始文明的对话，实验性策展模式以及艺术家的艺术实践和思考等角度，阐述了“平行宇宙”展览在OCAT发生的重要意义。未来OCAT也将打开平行宇宙的更多可能性。

数字智能技术的爆发，正在重塑艺术创作的边界。“平行宇宙”（Parallel Universe）当代数字艺术展汇集26位（组）来自欧亚大陆性现代文明背景的当代艺术家的29件跨媒介作品（含AI生成影像、虚拟现实、多频道影像、声音装置等），回应数字时代的认知变革。作品议题涵盖后人类语境下的碳硅共生、多维时空的感知边界、技术加速中的文明反思，以及传统信仰与数字语言的转译。在虚拟现实与后人类意识结构的加速演进中，艺术获得了新的生命形态。艺术不再只是物质或图像，而成为能量、信息与精神的叠加态。

文明常被想象为一棵从"原始"向"现代"生长的大树。德勒兹的"根茎"理论提供了另一种视角：文明不是线性进化，而是无数条平行延伸、相互渗透的脉络。展览以此为策展框架，将当代数字艺术与南岛语系的原住民艺术并置，构成另一条文明叙事线索。

近三十年来，收藏家、策展人袁继新游历东南亚、非洲、大洋洲二十余个国家，以田野调查的方式，在原始部落收集了5000余件图腾柱、独木舟、祭祀圣物、编织器物。这些藏品凝聚了人类对生命观、宇宙观与精神结构最本质的思考，所涉及的领域不但是人类学、民族志的研究宝库，更曾启发了毕加索、高更、莫迪利亚尼、博伊斯等推动人类艺术史发展的大师。原住民艺术并非现代艺术的前史或旁支，而是独立于西方艺术史叙事的视觉与思想体系。袁继新此次参展的藏品涵盖独木舟、图腾、楼梯、表演亭、乐器与佛像等，涉及生死、繁衍、仪式与信仰，汇聚了原住民生命世界的核心场景。当它们与当代艺术作品并置于同一空间，形成多重视觉路径与叙事交汇，这不是古今对照，而是平行宇宙的交汇，彼此照见。

平行是共存，而非取代。展览没有提供单一答案：数字技术的乐观愿景与对其消解人性的警惕并存，未来主义与原住民的古老智慧相互映照。顾振清写道，艺术家的直觉和想象力"可以跨出科学原理的密封舱，感知并彰显外在世界其他未知、隐秘和混沌的面相"；而托马斯·温德兰追问，在技术使一切可量化、可永存的时代，我们是否还保有与"不可知"对话的能力。多重宇宙可以平行共存，平行宇宙既是展览的标题，也是立场。

第十届UABB深港城市\建筑双城双年展（深圳）OCAT A馆分展场

指导单位：文化和旅游部艺术发展中心数字艺术与区块链实验室、深圳市数字创意产业协会

主办单位：华侨城当代艺术中心（OCAT）、广州美术学院数字艺术科技研究所

协办单位：深圳市相当文化发展有限公司、深圳万众艺心文化创意有限公司、北京荔空间文化艺术有限公司

总策划：沈少民

策展人：顾振清、托马斯·温德兰（Tomasz Wendland）、袁继新

联合策展人：哈罗·施密德（Harro Schmidt）

展览总监：王钟、张东辉

执行策展：朱自杰、方立华

视觉设计：刘星辰

策展助理：余敏玲、刘昱宁、陈坤裕、陈佳莹、傅千与

开幕：2025年12月1日4: 00p.m.

展期：2025年12月1日至2026年1月15日

展地：中国广东深圳市南山区华侨城恩平街华侨城创意文化园F2栋OCAT A馆

参展艺术家：

袁隆（Alex Long Yuan，中国）、安德烈亚斯·古斯科斯（Andreas Guskos，波兰）、安娜·科拉卡（Anna Kołacka，波兰）、安妮·尼森+斯特芬·柯尼希（Anne Nissen &  Steffen König， 德国）、巴特尔佐力格·巴特贾噶尔（Baatarzorig Batjargal，蒙古）、克里斯蒂安·奥珀曼（Christiane Oppermann，德国）、克里斯蒂娜·舒尔茨（Christine Schultz，德国）、达格玛拉·维斯基尔（Dagmara Wyskiel，波兰）、范勃（Fan Bo，中国）、菲利浦·加耶夫斯基（Filip Gajewski，波兰）、哈罗·施密德（Harro Schmidt，德国）、伊莎白拉·鲁兹卡（Izabela Rudzka，波兰）、江上越x JY（Etsu Egami x JY，日本）、乔安娜·杜德克（Joanna Dudek，波兰）、刘可+罗灵（Liu Ke+Luo Ling，中国）、马里奥·阿尔瓦拉多（mdap Mario Alvarado，波兰）、马里乌什·瓦拉斯（Mariusz Waras，波兰）、米凯拉·哈内曼（Michaela Hanemann，德国）、米沃什·马尔加尼（Miłosz Margański，波兰）、诺敏·博尔德（Nomin Bold，蒙古）、斯拉沃米尔·索布恰克 (Slawomir Sobczak，波兰)、泰内计划（Tajny_Projekt，波兰）、托马斯·温德兰（Tomasz Wendland，波兰），王爽（Wang Shuang，中国）、魏文涛（Wei Wentao，中国）、武宁亚（Wu Ningya，中国）

前言：《平行宇宙》

文 / 顾振清，策展人

数字技术、互联网技术、区块链技术以及AI大模型技术的爆发，为艺术家打开了一个奇妙的数字伊甸园。艺术家的作品不再执着于审美、装饰，而是立足于启智、挑战知识生产与创造力的界限、突破传统的认知结构。人类社会的数字化、AI化转型已不可逆。奇点已来，更多艺术家聚焦数字AI时代的认知革命本质，反思新兴技术对人类的生活方式和整个社会的巨大迁移和深远影响。在价值多元化的国际思潮下，分布式、可持续、自组织、超链接、永久刷新的后当代艺术，正渐渐成为消解中心与边缘的二元结构的文化载体与社交媒介。

数字艺术是一种未来预报。元宇宙虚实相融的社会形态、 Web3.0的生产关系与AIGC的生产力正在成为艺术家未来预报的层叠化演变、指数更新化的愿景。属于每个用户的数字元宇宙，来自区块链技术的加密铸造，来自区块链经济模型的去中心化建构。这样的元宇宙是一个“包产到户”的虚拟世界。每个人在链上生产的价值归每个人自己所有。建构在区块链分布式账本上的元宇宙，是每个用户享有机器信任、算法正义和平等权利的数字秩序，是个人隐私、个人财产和个人自由意志受到真正保护的虚拟世界。AI+数字艺术让计算机科学家、AI科学家、程序员与艺术家、乃至每个AI用户，在洞察力和创造力的底层逻辑和美学根基上携手，在跨界的协作、交流中发生催化剂效应，互相激发，催生思想实验、认知升级，从而能够在知识生产的更高维度上产生聚变效应。

科学与艺术探索的是不同程式的真理，有各自的知识生产标准与认知迭代模式。但在发现宇宙规律及其真相的底层逻辑上，科学家、程序员的科技发明力与艺术家的艺术创造力其实是相通的。艺术家在知识生产上的特殊角色，就是立足于科学推理与科学实验之上的一种继续想象的特权。因为艺术家的直觉和想象力，可以跨出科学原理的密封舱，感知并彰显外在世界其他未知、隐秘和混沌的面相。

万物互联、数字永生、意识长存，源自人类追求文明存续和存在意义的不懈努力和美好愿望。人的意识结构本就应对宇宙的无限维度、无限可能。科学理性和在线AI智慧的发展，使得人类文明在现代性加速主义的语境下不断走出自然、走出地球生物圈、走出熵增的物理现实，向虚而生。虚拟现实的能量信息的增速发展，人工智慧与硅基生命的不断升级，让人类意识超越碳基现实和物理时空的羁绊而不断迭代、升维，走向数字永生的后人类纪元。数字的加持，也让凝聚数千年文明精髓的艺术彻底脱胎换骨，获得一种不可替代、不可篡改、不可磨灭的线上虚拟的数字生命。数字技术把人类的艺术财富再次彰显为一种物质、能量和信息的叠加态。数字艺术全方位、发散性的发展，必将显化出碳硅同体、虚实共生的后人类文明的无限智慧以及无与伦比的创造力。

前言：《时间裂隙》

文/ 托马斯·温德兰（Tomasz Wendland），策展人

时间裂隙无疑是人类永恒相伴的感知体验，让人领略无限与永恒的浩瀚。人类通过艺术、科学与技术不断探索、记录乃至超越这些裂隙。以步数衡量生命的时空，刻于数千年前石图的岁月印记，以及区块链中编码的时间戳记，皆具有共通本质：它们既是裂隙，亦是信息载体，由此开启通向不同维度的人生轨迹。

我们能否在今日超越这块石头的边界，借助新技术发现感官之外的平行世界？人工智能能否突破知识的镜像，引领我们跨越身份的疆界？我们能否将艺术视为个人体验的媒介，记录我们被低估的感知——直觉？

得益于新技术，我们向平行现实敞开意识之门，这些现实以多重维度持续交织渗透彼此与我们自身。虾浸没于海洋，以身躯过滤海水，同时化作海洋本身——而我们亦是渗透万物的存在——既是宇宙，亦是其未曾显现的元素——观察者、意识，在此意义上更是联结者。人工智能向我们揭示了超越躯体的存在可能——“离体体验”，而我们的终极目标是通向永恒的时间裂隙。

在我们创造的影像中，感知着异质的空间、不同的秩序、独特的和谐，以及愈发不可捉摸却愈发值得沉思的意义，如同那道无法逾越的壁垒。

顾振清写道："人类始终面对着现实令人窒息的边界。理性认知不得不转化为对不可企及的宇宙存在意义的信仰，宗教与艺术的诞生正是这种信仰的自然反响。如今人类正身处人工智能时代，它开启了认知与行动的全新可能性，甚至带来令人不安的变局。艺术家们正响应这场变革，不断拓展创造力的疆界，质疑传统的感知框架。他们的作品聚焦认知革命，批判性地剖析新技术对人类生活的巨大潜力、后果与影响。"

在区块链技术中，微秒级的时间裂隙被创造出来，如同信息发送与接收之间的无人区。这令人不安地预示着后人类文明的崛起——一个消解人性本质的元宇宙，使我们意识到自身在这浩瀚多元宇宙中孤零零的“苍白蓝点”上所怀有的执念与孤独。这个话题我曾与Chat GPT深入探讨过。

以下是我与ChatGPT关于时间的对话节选，时间在信息传输过程中成为一种现象。存在于感知之外的时间维度里，传递的信息消逝无踪，转化为我们无法触及的数字形态，直至在接收者面前再度显现。在这微观时间里，信息——这件艺术品——蜕变为异质形态，获得全新生命，并向其他接收者敞开大门——那些我们仅能推测其存在的接收者，例如审查机制。艺术的隐秘生命。在早期人类的叙事中，这种现象令我深深着迷。他们同样绘制地图，却在描绘已知世界的过程中，意识到自己正勾勒着未知领域——那些无法刻入石板的深邃存在，必然栖居于意识地图之外的疆域。

ChatGPT 回答：

此处可能指计算机和网络中信息传输与处理过程中产生的时间延迟（时延）及其波动性（抖动）。以下是最重要的来源及其简要定义：

1. 网络数据传输过程中的延迟（通过设备间链路）

• 传播延迟：信号从发送端到达接收端所需时间。取决于距离

和传播速度。估算公式：距离/速度（例如：1000公里以光速2/3的速度传播约需5毫秒）。

• 传输延迟：将完整数据单元推送至链路所需时间。取决于数据包长度与链路带宽。估算公式：

数据包位数 / 链路带宽。

• 网络设备处理延迟：处理报头、协议、错误检查、路由等操作所需时间。

• 队列延迟：数据在队列中的等待时间，取决于流量规模与可用计算资源。

• 存储转发（路由器使用时）：因需完整下载数据包后才转发而产生的额外延迟。

• 抖动：数据包延迟的波动（如不同时段队列长度变化、路由变动、缓冲区波动）。

2. 计算机信息处理过程中的延迟

• 内存访问延迟：不同内存层级的访问时间。

o L1/L2缓存：延迟极低（通常仅数纳秒或更短）。

o RAM：延迟较高（通常数百纳秒）。

o 存储设备（SSD/HDD）：延迟显著更高（微秒至毫秒级）。

• CPU指令处理延迟：

o 单条指令执行时间、处理器周期时间，以及流水线和停滞的影响。

o 缓存未命中和分支预测错误会导致额外延迟（停滞）。

• 系统架构相关延迟：

o 共享内存读写、线程锁定、操作系统解析器中的上下文敏感切换。

• 输入输出与外围设备延迟：

o 磁盘、网络及I/O设备——完成单次I/O操作所需时间。

• 总体原则：

总响应时间等于数据从源到目标过程中各层延迟的累加值。

3. 示例公式

• 端到端延迟（穿越多级处理）≈ 各级延迟之和：D = 传播延迟 ∑ + 传输延迟 ∑ + 处理延迟 ∑ + 排队延迟 ∑ (+ 可能的存储转发延迟)

• CPU：处理器周期时间约为每操作0.3–1纳秒（1–3 GHz频率下），但RAM访问可能达数百纳秒，DRAM访问则可能从数百纳秒到数微秒不等。

• 存储：SSD随机访问操作约需数十微秒，HDD可能耗时100–100毫秒。

• 抖动指连续延迟间的差异：抖动≈ΔD（例如两个数据包队列间的延迟差或服务器响应时间差）。

4. 典型数值（近似值）

• 光纤网络/理论高速链路：每千公里传播延迟数毫秒；传输延迟数微秒（取决于数据包大小和带宽）。

• 互联网/典型家庭接入：实际可用端到端延迟为10–100毫秒，负载下抖动达数毫秒。

摘要：

区块链中隐藏的时间裂隙如同石块，既是信息的载体，又因其存在本身而成为事件。艺术作品亦是现象，其现象性不在于内容本身，而在于它们超越了所承载的信息成为独立存在。

区块链中的微秒、石刻的首批地图与艺术作品，皆是穿透理性之镜的时空裂隙，将我们独自留存于无限的惊奇之中。

“平行宇宙”的策展思路

文/顾振清

21世纪初，我以2001年首届成都双年展策展人之一、上海多伦现代美术馆总策展人的身份，与波兰策展人托马斯·温德兰、德国策展人哈罗·施密德共同发起一个名为Mediations的新的欧亚艺术双年展，并与2008年在波兰波兹南成功策展了首届Mediations双年展。之后，3人以联合策展人身份，参与了多届Mediations双年展、2023开罗OFF双年展、2024-2025哈瓦那双年展等的策展工作。近25年来，我与托马斯·温德兰、哈罗·施密德一直活跃在全球南方国家的当代艺术策展第一线。他们这次在第十届深港城市\建筑双城双年展（深圳）当代数字艺术板块OCAT分展区提出的“平行宇宙”的策展概念。致力于在哲学家德勒兹“千高原”与“根茎”文化理论基础上作延展思考，在当代艺术跨向后当代艺术边界的语境中，推动24位（组）来自欧亚大陆性现代文明背景的当代艺术家、数字艺术家与来自南岛语系远古文明的原始艺术、部落艺术、原生艺术展开一种跨时空、跨文化的灵魂对话。这种精神交流是分布式、可持续、自组织、自生长和超链接的，立足于长期主义、不断输出、永久刷新的价值观，立足于文明互鉴、和而不同的认知结构与天人合一的传统文化智慧。

2000年以来，中国大陆收藏家袁继新游历东南亚、非洲、大洋洲的20余个国家，在南岛语系的原始部落探访、发现的木雕和草编等原始艺术精品，先后收藏从土著部落祭祀圣物、木质建筑装饰构件，到超过10米的独木舟等大大小小的收藏品5000余件。他的收藏精品凝聚了人类对生死、灵魂和宇宙最本质、最底层的思考。他的藏品所涉及的领域，不但是人类学、民族志的研究宝库，更曾经启发了毕加索、高更、莫迪利亚尼、博伊于斯等许多推动人类艺术史发展的划时代艺术大师。袁继新的收藏方式，与殖民主义时代宗主国文化入侵与掠夺的叙事截然不同，是建立在自身与土著部落人群平等对话、市场互惠、文明互鉴等观念上的一种身体力行。袁继新以策展人身份加入策展团队，介入与公众的平等协商、互动的现代传播机制，也是知识生产的跨界路径上的一种认知迭代与思维刷新。打造全新的沉浸式语境，让当代数字艺术与原始艺术并置展示，形成互文性、系统性的视觉动线和文脉提示，势将在观者的视觉感知上将形成叠加和倍增的现场冲击力。

中国在全球南方国家的艺术交流中的价值建构，其底气来自追求人与自然、人与外部世界和谐相处的去人类中心主义的传统文化基因，来自改革开放以来近30年中国社会经济高速发展和文化创新价值不断输出的经验沉淀。塑造中国艺术力量在全球的分布式贡献，可以持续激活一带一路的国际文化交流，更要面对全球南方国家文化战略巨变的新格局、新契机。中国经验走向国际，不但需要与人类命运共同体、人类终极关切相关的思维现场与现实对策，更需要可供线上、线下的国际人群体验、感知与反思的现场空间和线上传播平台及其营造法式。那么，今日，“平行宇宙”的对话式策展思路，将是一种预见未来的国际文化创新视野。

袁继新全球原住民艺术收藏简介

文 / 坤裕

作为当代中国极少数持续关注东南亚、南亚与大洋洲、非洲原住民艺术的私人收藏家，袁继新在近三十年的跨国收藏实践中构建了一个独特且极具研究价值的全球南方原住民物质文化档案。与中国主流艺术收藏偏重名家书画、古典器物或现当代艺术不同，袁继新的工作指向了艺术史叙事长期忽略的地带——由部落社会、迁徙文化、仪式系统与生态智慧构成的原住民视觉文化。依据国内艺术媒体Arthing公开报道，袁继新的收藏涵盖全球原住民木雕、面具、石刻、独木舟与仪式性器物共五千余件，建构了一个今日中国少见的以人类学、民族志田野路径为方法论基础的民间收藏体系。

从人类文明传承的角度来看，袁继新的收藏实践具有显著的民族志研究特征。他并非通过拍卖或市场中介获得作品，而是通过长期踏入雨林、沿海、岛屿等场域，研究土著部族迁徙轨迹与精神信仰，与当地工匠、部落长者直接接触、交流并获得物件。这种“场域依赖的收集方式”（field-based acquisition）使其藏品不仅是美术对象，更是嵌入社会组织、宗教仪式、迁徙历史与生态关系的文化证据。澳大利亚视觉人类学者洛舍（D. Losche）在2003年强调，物件不仅呈现文化，更在文化内部发挥功能。袁继新对图腾柱、独木舟、梯子、祭祀器具等原住民文物的系统收集，是使这些器物得以脱离被市场简化为异域风格的境遇，而重新被视为理解族群知识结构、技术系统与部落宇宙观的入口。

从艺术史角度来看，袁继新的收藏对“去中心化的艺术史”（de-centralized art history）具有重要意义。他所强调的世界的另一面恰与当代艺术史对全球南方的重新评价形成共振：即承认原住民艺术并非现代艺术的前史或旁支，而是独立的视觉与思想体系，应该被置入“多中心艺术史”（polycentric art history）的框架之中。美国马里兰大学学者齐策维茨（K. Zitzewitz）2022年指出，艺术与人类学交叉研究的关键，即在于使先前被殖民性分类的文化生产重新获得主体性，这也与中国在近十年提出一带一路发展倡议，推动全球南方国家开放包容合作的叙事深度连接，与当下2025年国际政治经济的巨变格局有突出的吻合性。由此，袁继新的收藏实践为中国与南岛语系国家与地区发展艺术交流、实现文化互鉴提供了一定的知识参照与文物谱系。

此外，在中国社会越来越关注人类命运共同体的语境下，袁继新构建的私人博物馆雏形具有制度外的知识生产价值：它使原本罕见于中国公共博物馆体系中的全球南方原住民艺术得以被系统化呈现，为未来的艺术史、民族志、视觉文化研究提供了可触及的实物档案。澳大利亚珀斯默多克大学的A. 贝尔与J. 赫特森（A. Bell & J. Hutson）2025年认为，”民间档案到研究平台”的形成，与澳洲原住民艺术进入全球艺术史讨论的路径相吻合，体现了其在跨文化研究中的重要地位。因而，袁继新的工作不仅是收藏层面的补缺，更是促进中国学界重新理解人类文明的多样性结构的关键节点。

Bibliography:

Losche, D. (2003). Review of Making visible: Objects, images, and archives in visual anthropology, by F. Myers, C. Pinney, N. Peterson, E. Edwards, C. Gosden, C. Knowles, R. Schefold, et al. Social Analysis: The International Journal of Social and Cultural Practice, 47(3), 154–169. http://www.jstor.org/stable/23170103

Zitzewitz, K., & Ciotti, M. (2022). Art and anthropology: Twenty-five years of The Traffic in Culture. Journal of Material Culture, 27(1), 3–9. https://doi.org/10.1177/13591835221074151

Bell, A., & Hutson, J. (2025). Integrating pre-colonial Indigenous Australian art into global art history. Journal of Anthropological and Archaeological Sciences, 10.  https://doi.org/10.32474/JAAS.2025.10.000350

策展人团队介绍

策展人顾振清：

顾振清，1987年毕业于中国上海复旦大学历史系。2003年至2006年任上海多伦现代美术馆总策展人及副馆长，2004兼任中国当代艺术奖（CCAA）艺术总监，2005年兼任台湾东海大学美术系客座助理教授。2006-2007年任上海朱屺瞻艺术馆执行馆长。2006-2008年兼任《视觉生产》杂志主编。2009-2011年任北京白盒子艺术馆艺术总监。2014-2016年任西安贾平凹文化艺术馆学术馆长。2018-2020年任台湾艺术大学雕塑系客座副教授。2021年起任广州美术学院客座教授。曾策展2001年中国广东美术馆“虚拟未来”展；2001年中国成都现代艺术馆“首届成都双年展”；2004年挪威奥斯陆国立当代美术馆“轻而易举·上海拼图2000-2004”展；2005年韩国首尔市立美术馆“亚洲城市网络”艺术展； 2008年波兰“调解”首届波兹南国际双年展；2009年台北当代艺术馆“各搞各的：岐观当代”艺术展；2011年法国留尼汪双年展；2012年中国上海沪申画廊“心动上海”一汽大众-奥迪艺术大展 ；2013年法国留尼汪勒波尔市2013留尼汪双年展； 2016年圣彼得堡俄罗斯民族博物馆 “走出牡丹亭：中国女性当代艺术展”；2017-2018年中国上海中华艺术宫“天的那边：当今时代的蒙古艺术”展；2018年土耳其伊斯坦布尔ZFotoFest国际摄影节、蒙古乌兰巴托蒙古艺术家联盟美术馆首届“乌兰巴托国际艺术节”、中国四川广安市武胜县宝箴寨首届“广安田野双年展”；2019年中国广东顺德盒子美术馆“仿真星系”波兰艺术展；2020年葡萄牙波尔图市葡萄牙文化协会“蓝袋”（Saco Azul）文化机构和Maus Hábitos文化中心《他者的口岸，他者的模样》摄影展。2021年中国温州昊美术馆“脱域：从数字原生到元宇宙”艺术展、中国苏州寒山美术馆“分身：我宇宙”艺术展、北京UCCA LAB、嘉瑞文化中心“走出人类世”未来科学艺术展；2022至2023年无锡华莱坞元宇宙艺术馆“我的元宇宙”数字艺术展、中国广东顺德盒子美术馆“白皮书：共识宇宙”艺术展。2023年郑州海汇美术馆“奇点：明日降临”数字艺术展、土耳其伊斯坦布尔菲斯哈内艺术中心第10届欧亚调解双年展“共情是硬道理”艺术展、埃及开罗萨拉丁城堡第3届“他物”开罗OFF双年展、2023中国连州国际摄影节； 2024年深圳市木星美术馆“有效加速”数字科技艺术展。2024-2025年古巴国家美术馆、加勒比部落空间第15届哈瓦那双年展“时间戳”数字艺术展、2024中国连州国际摄影节。

策展人托马斯·温德兰（Tomasz Wendland）：

托马斯·温德兰，1960 年生于波兹南，艺术家、艺术史学家、教授、策展人。现任波兰外交部外交学院专家。曾任调解双年展总监、德国杜塞尔多夫波兰研究所所长、波兰罗兹 MSL Muzeum Sztuki 顾问和策展人、 波兰什切青艺术学院教授。1984 年毕业于波兹南亚当-密茨凯维支大学艺术史学院艺术史专业。1990 年 获得德国阿尔弗特/波恩阿兰努斯艺术学院（绘画专业）文凭，1993 年 获波兹南美术学院绘画、雕塑与艺术硕士学位 。2009 年获英国普利茅斯大学获得 “未知 ”博士学位。作为策展人，他将展览视为一种由来自世界各地的策展人和艺术家团队创作的艺术作品。他发起了一系列周期性的新艺术活动，如1993 年至 2005 年的 "内部空间节。2007 年起他发起了延续至今的Mediations双年展，2008 年首届Mediations在波兰波兹南举办，2023 年第10届Mediations双年展在伊斯坦布尔举办。 他还连续策展了7 届《移民酒店》艺术展在比利时哈瑟尔特、日本中之城、乌拉圭蒙得维的亚、德国汉诺威、美国纽约、 印尼日惹、以色列贝尔谢巴（Beersheba）展出。6 届《索拉里斯星系（Simularis ）》艺术项目在中国佛山、台北、波兰切拉季（Czeladź）与波兹南、捷克班斯卡·比斯特里察（Bańska Bystrica）与俄斯特拉发（Ostrava）展出。2013 年至2021年的4 届威尼斯 0 号馆独立艺术项目。他还运营了独立艺术空间，如1998 年至 2005 年波兰波兹南 CCA 内空间多媒体画廊，2004 年至今的波兰波兹南 MONA(最新艺术馆）。他担任策展人的展览遍及波兰、比利时、印度尼西亚、日本、中国、韩国、德国、乌拉圭、美国、英国、匈牙利、意大利、土耳其等国，其中包括Manifesta、蒙得维的亚双年展、Jogja 双年展、 ATM曼彻斯特亚洲三年展、2023 年以色列海法第 5 届地中海双年展、2023 年波兰卢布林开放城市节、2023 年开罗 OFF 双年展、日本中之条Nakanojo双年展、2024 年古巴哈瓦那双年展，2024年意大利莱切（Lecce）雕塑论坛 Sculpure Symposion等。曾被《ARTLUK 艺术季刊》评选五为 2017 年度策展人。

策展人袁继新：

袁继新，1969年生于中国河南信阳。珠宝设计师、雕塑家、收藏家、策展人。天物稀存原木艺术馆创办人，东莞市东城文化艺术博物馆创办人。自1998年开始历经二十多年，先后从非洲、大洋洲和东南亚二十多个国家从事人类学和原始艺术的田野调查研究，并收藏了超过40多个集装箱约5000件的人类学藏品，致力于建立属于中国的人类学博物馆。2024年开始和华侨城OCAT 合作，连续举办世界文明系列展览。

联合策展人哈罗·施密德（Harro Schmidt）：

哈罗·施密德1957年出生于德国格罗斯堡韦德尔（Grossburgwedel），曾在汉诺威应用技术大学师从斯蒂芬·冯·休恩（Stefan von Huehne）和乌尔里希·贝尔（Ulrich Baehr）教授学习美术，并于1980年至1991年在汉诺威大学攻读地质学和古生物学学位。1992年，施密特成为乌尔里希·贝尔教授的硕士生，随后在德国国内外以自由艺术家的身份开展创作，并参与了众多联展和个展。自1998年以来，哈罗·施密德担任汉诺威浮士德园区的浮士德艺术馆总监以及德国国内外众多国际艺术项目的策展人。作为一名艺术家，他将科学经验与视觉、模拟和数字技术相结合。他的作品涵盖实物、绘画、素描、VR和AR媒体、多媒体装置和灯光投影，重视艺术的实验性。其作品被国内外私人及公共机构收藏，包括：汉诺威州政府、北德银行青年艺术收藏、萨尔德城堡收藏、罗马尼亚拉扎雷纳艺术基金会、韩国Sipa艺术博览会等。

执行策展朱自杰：

朱自杰，1990年出⽣于济南，2011年在美国纽约州⽴⼤学⽯溪分校攻读纯艺术专业本科，摄影及版画双⽅向毕业。2015年赴纽约视觉艺术学院就读摄影，实验影像专业硕⼠，师从艺术家Penelope Umbrico 及艺术批评家Jan Avgikos。2015年起在美国及中国多地参与展览。2017年任职纽约艺术公司 Cube. Inc执⾏策展⼈职位。2018年加⼊中国国家地理杂志社做图⽚编辑。 2017-2018年多次受邀在北京服装学院进⾏当代艺术批评公开课。2021年受邀兼任 DF-NFTgallery画廊联合策展⼈。2021年于中国传媒⼤学艺术与设计⼯作坊任特聘教师。2022年受 上市公司蓝⾊光标邀请发起UDA加密艺术家联盟，同时任旗下MEME魔因平台艺术顾问。现就职于 ⼤型加密艺术基⾦APENft基⾦会。⽣活于北京。在读研期间多位教授均为国际上互联⽹艺术的奠基者，如Eva and Franco Mattes，Jon Rafman， David Horvitz等，所以开始深⼊了解互联⽹艺术，后⾄区块链艺术及NFT艺术。多次受邀参与国内 ⼤型加密艺术展览及当代艺术展览的策展活动。曾参与策展经历： 2022年⽆锡华莱坞元宇宙艺术馆“我的元宇宙”任助理策展⼈， 2021年北京尤伦斯艺术中⼼lab及嘉瑞艺术中⼼“⾛出⼈类世”任执⾏策展⼈，2021年苏州寒⼭美术馆“向虚⽽⽣：我宇宙”任助理策展⼈，2021年温州昊美术馆“脱域：从数字原⽣到元宇宙”任助理策展人。2023年、2024年连州国际摄影节执行策展人。

《平行宇宙》展参展作品介绍

范勃影像装置作品《归途》 

作品阐释：

范勃影像装置作品《归途》挪用了中西方古典艺术与文学的历史文本中诸神神像背影的形象。范勃找到了“神像”作为反思现实，传递观念的内容基础和形象母题。诸神神像符号是人类漫长的繁衍生息和文明积淀中最初的想象与力量，蕴含着这个蓝色星球上不同地域的人群与自然间最深邃的关系。古典语境中，神谕、占卜等超自然力量常与预言相关联，强调对不可知命运的预判。只是，当远古的“万物有灵”被现代社会用技术、知识与理性祛魅以后，人类进入到一个技术引领时代发展的时空维度。人自身欲望常常因过分膨胀而显得异化，进而也导致自然与心灵失去了可以被感知的路径，以及可遵循的规范。这时，艺术家的预言成为基于现实逻辑的批判性推演，对当下洞察所衍生的未来预警。《归途》的最后，诸神背影成群结队远去，渐渐隐退于海面之中。这种情节中带有一丝悲怆的意味。但艺术家留给观众的并非全是一种退幕、崩塌与虚无。诸神是一种文化基因，他们既是古典价值的墓碑，也是新文明诞生的产床；那些交织的科技符号与神话残片，警示着传统的断裂，但也昭示着重构的可能。

范勃（Fan Bo）简介：

范勃，中国当代艺术家。1966年生于天津，本科、硕士、博士先后毕业于天津美术学院、广州美术学院、中央美术学院。现为广州美术学院院长、学术委员会主任、二级教授、博士生导师。范勃先后荣获首批国家级课程思政示范课程、教学名师和团队，第18届霍英东教育基金会高等院校教育教学奖一等奖，第十届广东省哲学社会科学优秀成果奖，第十一届广东省鲁迅文学艺术奖（艺术类），首届全国教材建设奖二等奖，广东教育教学成果奖特等奖、一等奖等。他还兼任中国美术家协会实验艺术委员会主任、中国美术家协会油画艺术委员会副主任、中国美术家协会首届国家重大题材美术创作艺术委员会委员、中国油画学会副会长、广东省美术家协会副主席。 他先后主持国家社科基金艺术学重点项目、国家艺术基金人才培养项目、广东省普通高校哲社重点实验室等国家省部级重点科研项目多项。 他曾在《文艺研究》等核心期刊发表论文20余篇，出版《成器之道》等学术著作十余部。范勃是一位跨媒介艺术家，知觉是其作品的主线。他以各种切身的题材、媒介和文本寻求人的内心世界和不同社会角色的置换。范勃曾举办多次个展，其中包括2007 年广东美术馆《浟湙》、2019年 广州三域·汇空间《回到现场》艺术展等。他还多次参加了艺术群展，包括：2013年第55 届威尼斯国际艺术双年展，威尼斯，意大利；《景观再造》艺术展，德布勒森现代艺术中心，匈牙利；2014 年《散点》，南澳大学美术馆，阿德莱德，澳大利亚；2015年《国风》，阿特莱美术馆，斯德哥尔摩，瑞典；2015年 《东方经验》，卡尔舒特艺术中心，汉堡，德国；2015年《无常之常》， 威尔斯安格里纳美术馆，威尔斯，奥地利；2015年《北纬23°/北纬35°》，东京艺术大学美术馆，东京，日本；2017 年《南山之南》，圣母百花大教堂博物馆，佛罗伦萨，意大利；2018 《守望原乡》2018广安田野双年展，广安武胜，中国。2019 年库里蒂巴国际当代艺术双年展，奥斯卡•尼迈耶博物馆/城市艺术博物馆，库里蒂巴，巴西。

刘可绘画+影像装置作品《顺德威尼斯计划之“建筑”》

作品阐释：

这个作品背景是广东佛山市顺德容桂镇德胜河边一片废弃的旧工业区，但是从2008年开始，这片工业区一直面临着被拆毁的命运，艺术家刘可+罗灵意识到旧厂房与当代艺术有着某种或隐或显的独特关系，他们在这里开始了工作与生活，持续做了很多创作、展览和研究，拟打造一个类似“威尼斯双年展”的艺术计划，通过这些项目够保存住这片厂房，能够重新发挥活力。不过这片旧厂房大部分还是被夷为平地。本影像通过在废墟上的残留砖块，不断堆砌的行为记录方式，折射出守望者对城市变迁和文化消失的态度。

刘可简介：

刘可，1976年生于中国湖南宁乡。2003年毕业于广州美术学院，获硕士学位。现任广州美术学院教授、绘画艺术学院副院长兼油画系主任。他同时担任中国广东顺德OCT盒子美术馆、东莞松山湖盒子美术馆执行馆长，并任广东省油画艺术委员会秘书长。现居住、工作于广州。近期个展包括： 2024年《跃过比利牛斯山》，上海赛森艺术空间；2024年《眼见未实》于山西太原寻空间；2023年《刘可：欲望的结构》，成都K空间； 2023年，中国香港白石画廊《刘可：左侧是海》；2021年，中国北京壹美术馆《我的心即旋涡：刘可》；2021年，中国成都K空间《每天都是最后一天；每天都是第一天：刘可》；2019年《原乡的抽象与具象：刘可作品展》，德国慕尼黑DOMAGKATELIERS（国家工作室大楼Domagk公园50号展厅）。2019年《通道：刘可》，中国广州美术学院美术馆，2019年《原乡·时间轴： 刘可作品展》，德国肯普滕艺术馆，2018年《圣维克多山》，中国深圳蜂巢当代艺术中心；2015年《蓝天之上聆听——刘可个展》，中国北京蜂巢当代艺术中心，北京，中国，2014年《象外造：刘可》，极空间，广州，中国，2013年《条控：刘可个展》，空间站，北京，中国，2010年《困局》，广州美术学院美术馆，中国广州；2008年《听狼》，Pretty Land画廊，德国法兰克福，。

数字影像作品：安德烈亚斯·古斯科斯《分形：看不见的风景》

作品阐释：

波兰艺术家安德烈亚斯·古斯科斯（Andreas Guskos）的多媒体VR装置作品《分形；看不见的风景》中创造了一种未来型巨无霸人工城市废墟的荒凉景观。这种景观根据分形几何的自相似性逻辑，不断衍生、叠加、扭曲、升维，随着三维、四维到五维的空间物理化，整个景观不断发生再分化、再结构、再变异。安德烈亚斯·古斯科斯认为，在人类尺度上，物质世界是由可被人感官感知的物质所构成。借助自然或人类技能的力量，物质可以在生物体的DNA代码、模因层思想、技术产品尤其是艺术设计之中保存信息。世界上有很大一部分存在于物质之外，人因而无法感知。数学就是这类领域之一。分形学之类的数学对象存在于时间和物理空间之外的世界。但是它们却可以通过将其自身提供给人类感知来带入现实世界。

安德烈亚斯·古斯科斯简介

安德烈亚斯·古斯科斯（Andreas Guskos），波兰艺术家，拥有跨艺术、设计和建筑领域的多重身份。1998 年获西波美拉尼亚理工大学建筑学硕士学位。2008 年获弗罗茨瓦夫欧根纽什·盖佩特美术学院艺术哲学博士，2014 年又获该学院艺术科学博士。2010年任波兰什切青艺术学院视觉艺术系主任。他与希腊爱琴大学产品及系统设计工程系合作发起希罗斯岛艺术、科学和技术发展论坛MEDEA，任董事会主席。曾参加2017年日本中之条双年展、2018年波兰调解双年展《虚拟花园》主题展。2019 年获波兰格丁尼亚第六届国际数字图形艺术三年展格丁尼亚市总统大奖。

安妮·尼森+斯特芬·柯尼希（Anne Nissen+Steffen König）《集群：时段2》

作品阐释：

安妮·尼森+斯特芬·柯尼希《集群（时段II）》是一部基于有轨电车启动与停靠过程的录像装置作品，其中包含车辆在站点停留的时间。其运动方向的垂直排列与三列并行的布局，令人联想到老虎机等装置。安妮·尼森+斯特芬·柯尼希的许多影像作品都以流动的图像特性为基础，这些作品彼此紧密关联。时间流逝、运动与能量等主题贯穿其早期与近期创作。由于视频装置始终与空间相关联，不同类型的装置会使同一影像作品呈现出迥异的展览效果。

安妮·尼森（Anne Nissen）简介：

安妮·尼森，1966 年出生于德国弗伦斯堡。现居于汉诺威。曾就读于斯图加特自由艺术学院，在汉诺威应用科学大学攻读美术专业，是维雷娜·弗恩努夫特（Verena Vernunft）的得意门生，曾获得国际 萨尔茨堡国际夏季美术学院奖学金，挪威卑尔根艺术学院奖学金，1999 年汉诺威林登艺术奖，吉夫霍恩县艺术奖，梅因森艺术家之家奖学金，下萨克森州项目资金，Garten.Eden.Kirche（汉诺威斯普伦格尔）竞赛一等奖。柏林魏森塞艺术学院艺术治疗硕士学位。 希尔登QQ Art 画廊国际艺术竞赛观众奖，德绍包豪斯艺术与设计竞赛一等奖，2020 年凤凰艺术奖、弗朗索瓦·施耐德基金会当代人才决赛选手。

斯特芬·柯尼希（Steffen König）简介：

斯特芬·柯尼希，出生于卡尔斯鲁厄，现居汉诺威。电影制作人、摄影师、导演、编辑、剪辑师。曾于卡尔斯鲁厄攻读土木工程专业。拥有五年结构工程领域的工作经验。在汉诺威创立了Shortcut电影制作公司。创立了Shortcut & König, Steffen Newman电影制作有限公司。曾参与200多部不同类型的电影项目制作。

巴特尔佐力格·巴特贾噶尔+诺敏·博尔德Baatarzorig Batjargal+Nomin Bold (Mongolia) 

作品阐释：

巴特尔佐力格·巴特贾噶尔+诺敏·博尔德制作的动画视频《空巢》由60幅描绘堕落天使各种形象的小草图组合而成，以动态的方式呈现。画面中的60个方格逐渐形成一个图案。 一群群堕落天使就像长着翅膀的昆虫，在夏夜的屏幕上嗡嗡作响，直至满格。《空巢》的60个方格，以及随后出现的门窗图像，暗示了人类与环境之间的扭曲关系以及当今相应的生态困境。巴特尔佐力格·巴特贾噶尔、诺敏·博尔德勒自幼就生活在蒙古草原上唯一的现代化城市乌兰巴托。他们以自己独特的方式探究大自然本原的秩序和规律。他们善于以平常心、慢节奏、大格局来应对现代性快速发展带来的紧迫问题。在他们看来，在欲望泛滥的消费社会，每个人都要不断地审视和反思自己，不断地回溯和回归人的本源。 如何做到这一点？ 这取决于他如何挖掘和梳理自身的文化基因和文化诉求，如何认识现存文明的包容性和可塑性。 艺术家认为，通过艺术创作实践，可以追溯人类作为人的本源，回到游牧文明的精神家园，即不断寻找和探索人类的终极价值，这就是万物一体、天人合一、人与生物圈的和谐。

巴特尔佐力格·巴特贾噶尔（Baatarzorig Batjargal）简介：

巴特尔佐力格·巴特贾噶尔，1983年生于乌兰巴托，是一位蒙古裔亚洲现代与当代艺术家。他现居蒙古乌兰巴托并在此创作，妻子诺敏·博尔德亦为艺术家。巴特尔佐力格·巴特贾噶尔跨领域创作的核心，在于守护蒙古在历史变迁中逐渐消逝的文化遗产。蒙古国因地理隔绝与游牧农耕文化，长期保持着远离资本主义诱惑的可持续生活与自给自足状态。巴特尔佐力格·巴特贾噶尔通过融合蒙古祖拉格等传统绘画技法与当代风格的创作，唤起人们对自身文化传承的关注。其作品中，蒙古的神话精神世界与现代发展符号形成强烈碰撞。巴特尔佐力格·巴特贾噶尔毕业于乌兰巴托蒙古艺术文化大学美术系，现居于此。其作品曾获伦敦杰克·贝尔画廊等众多重要艺术机构收藏，参与群展包括《蒙古当代艺术展》（香港，2019）及《亚太三年展》（澳大利亚昆士兰，2018）。巴特尔佐力格·巴特贾噶尔的作品曾获《亚洲艺术太平洋》《艺术论坛》《艺术议程》等刊物专题报道。最新评论文章为2021年2月《艺术评论》刊载的《他们为何在此？——曼谷双年展“逃生路线”展评》。

诺敏·博尔德（Nomin Bold）简介：

诺敏·博尔德，1982年生于乌兰巴托，2005年毕业于蒙古艺术文化大学。她运用蒙古与佛教艺术的美学体系——这些艺术曾受古代宗教及帝王机构委托创作——来评论当代议题。她接受传统绘画技法训练，早期创作融合考古发现与精妙神祇形象。如今她运用象征色彩与人物形象质疑日常价值观，通过将世俗社会人物置于神界来探讨财富、政治、自然与人际关系等主题。其创作旨在颠覆当下惯例，引导观众从蒙古古代历史视角审视文化规范。作为蒙古艺术家联盟成员，她于2015年获美国克拉斯纳-波洛克基金会2万美元资助，并参与2017年第14届卡塞尔文献展及2020年曼谷双年展等群展。其作品被全球众多知名人士收藏。

克里斯蒂安·奥珀曼（Christiane Oppermann）作品：

作品阐释：

这段视频记录了2010年艺术家漂浮在汉诺威莱茵河上的场景。无需多言，它本身就是一首诗般的宣言，诉说着如鸟儿般凌空于水面的感受。

克里斯蒂安·奥珀曼（Christiane Oppermann）简介：

克里斯蒂安·奥珀曼在完成石雕师培训和语言文学基础课程的学习后，在汉诺威大学攻读了美术专业。她曾是乌尔里希·贝尔教授的得意门生，随后在德累斯顿艺术学院完成了艺术治疗学研究生课程的学习。克里斯蒂安·西奥多拉·奥珀曼在混合与多媒体装置、视频、表演、公共空间艺术以及参与性项目等领域开展艺术创作，其作品曾在法国、英国、瑞士、保加利亚、韩国、中国、日本、乌拉圭等国家和地区展出。她获得了各种奖学金和奖项，例如纽约奥森福特工作室、巴黎艺术城、下萨克森州奖励基金和多萝西娅·埃克斯莱本奖学金。在艺术传播领域，她为不同的目标群体设计并实施传播形式，并在学校以及汉诺威艺术协会和汉诺威州首府文化办公室等不同的艺术和文化机构担任艺术传播者。她曾在汉诺威大学、德累斯顿美术学院和奥特斯贝格社会艺术学院等院校任教。2021年汉诺威储蓄银行艺术奖得主。

克里斯蒂娜·舒尔茨（Christine Schultz）影像装置《灵长类动物错位》

作品阐释：

克里斯蒂娜·舒尔茨装置作品《灵长类错位》呈现灵长类动物的影像与影片。这些猴子游走于人类与动物的边界。克里斯汀·舒尔茨探讨了诸多问题：动物的生命是否与人类具有不同价值？高度发达的动物身上究竟蕴含多少人性？严格来说，野生灵长类动物已不复存在。这涉及定义问题——现存的灵长类栖息地或自然保护区面积过于狭小，已无法称之为荒野。大猿类栖息于自然与文明交叠的区域，其行为模式正展现出显著的演变轨迹。哪些意象塑造了我们？哪些意象影响着我们当下对这些议题的立场？这些意象如同讨论中交织的多元声音，构筑出多视角的空间——思想在空间中流动，创作持续演进，形成万花筒般蜿蜒的观照视域。

克里斯蒂娜·舒尔茨（Christine Schultz）简介：

克里斯蒂娜·舒尔茨，1961 年生于德国布伦瑞克。1985年获设计学学位；1996-2001年在布伦瑞克视觉艺术学院（HBK）师从约翰·阿姆勒德、比尔吉特·海因和托马斯·维尔尼希学习自由艺术，硕士毕业；2023年在约翰·阿姆勒德（John Armleder）大师班学习。举办个展有2023在科隆Kjubh 艺术协会举办《你还是不明白》;《思想之塔三号》，水晶球画廊，柏林。参加群展有2008年PARKHAUS，杜塞尔多夫艺术馆，德国杜塞尔多夫；2014年《Tempus Ritualis》，MOMus Experimental，塞萨洛尼基，希腊；2018年《柏林制造》，Camera Work，夏洛滕堡，柏林，德国；2022年《Fameninum》，CCA 安德拉特斯，安德拉特斯，西班牙；2024 《灯光之旅》，布伦瑞克艺术协会，布伦瑞克，德国。她的作品曾被重要收藏机构收藏，例如慕尼黑的戈茨收藏、卡尔斯鲁厄的ZKM收藏以及开姆尼茨艺术收藏。现生活和工作于加尔博尔祖姆和柏林。

多媒体装置制作品：袁隆Alex Long Yuan 《量子折叠》

作品阐释：

作品的概念源起于对宇宙多维结构与空间折叠的思考，以及其与人类文明深层精神结构之间的内在 联系。灵感部分来自艺术家于2023年在埃及萨拉丁城堡探访寺庙时所见的天顶壁画，其复杂的几 何纹样激发了对数学秩序、宇宙原型与人类感知方式的思索。几何图形自古以来便是人类试图理解 宇宙法则、构建精神秩序的抽象语言。从中国古代的太极阴阳图到埃及金字塔的比例设计，这些图 式承载着对宇宙本源与结构性美学的跨文明共识。 作品以分形几何为核心视觉结构，借其数学逻辑与象征性图式展开一场关于空间和维度的叙事。分 形作为一种同时具备自相似性与复杂秩序的几何体系，恰如宇宙结构与生命形态之间的共振规律， 也仿佛连接着微观粒子与宏观星系的隐秘通道。艺术家通过机械装置将这类几何结构以光影形式动 态投射至空间之中，构建出一种在持续变化中维持内在秩序的视觉系统。它们作为可见的二维图像， 象征着更高维度宇宙结构在低维现实中的映射与显影。 在这一意义上，作品构建了一种维度之间的隐喻性关系：如同柏拉图洞穴之壁上映像的哲学比喻， 观众所见的几何光影，是某种不可见高维结构的折射与残影。观者在其中的移动、凝视与沉浸，虽 不影响图像运行，却成为一种精神性的穿越行为——穿越可感与不可感之间的阈限。 作品最终指向的是对宇宙整体结构的重新想象：在混沌与秩序、有限与无限之间，感知与认知被重 新定位，成为我们理解自身与宇宙关系的重要通道。

袁隆简介

袁隆Alex Long Yuan，多学科视觉艺术家，数字生态艺术家和雕塑家，联合国UNEP Forest for Life合作艺术家，Plastic Era和“可持续共鸣体”全球共创艺术项目发起人，伦敦艺术大学坎伯韦尔艺术学院纯艺硕士，并曾先后就读于纽约艺术学院和中央圣马丁艺术学院。主要致力于跨文化背景下，通过各种跨学科的研究和整体艺术实践，不断地探索将动态的人类文明作为遗迹放置在宇宙的无限维度中去探讨和研判当代人类的生存状态、以及人文环境和生态系统之间的复杂关系和对称性未来。他常与不同领域的专家和有影响力的组织机构合作不同的作品和项目，包括科学家、鸟类学家、心理学家、NGO、博物馆，国际品牌等（如联合国UN Decade，UNEP ，中国绿化基金会，挪威王国总领馆，保护国际，保乐力加，UOB，NatureWorks，巴斯夫等），擅长大型公共空间的艺术表现和跨媒介的数字创作。他的作品在西岸艺术中心、中华艺术宫、上海科技馆、上海国际会议中心、深圳国际会展中心、威尼斯军械库、伊斯坦布尔Mediation双年展、开罗OFF双年展、伦敦设计节2022、英国汉娜·佩沙尔雕塑公园、英国利物浦伯肯海德公园、南伦敦画廊、英国萨奇美术馆等国际标志性公共展地展出，并被包括新华社、中新社、解放日报、文汇报、北京电视台、湖南卫视天天向上、上海电视台、东方卫视、艺术人文、纪实人文、ICS、上海广播电视台、上海时刻、尚流、GQ、青年报、乐活、IDEAT理想家、芭莎艺术、艺术中文等重要媒体报道。

江上越x JY（Etsu Egami x JY）作品《诸子百家》系列：

作品阐释：

江上越在2021年疫情蔓延期间的隔离生活中，展开了她的读书之旅。从阅读中获得的灵感驱使她的目光转移到了中国春秋战国时期。在乱世中出现的诸子百家哲学思想，对生活在当下的人们也同样有着深刻的启示。诸子百家的哲学见解引起了江上越对现代的社会的反思，在学习这些文献史料的同时，她开始用画笔为中国古代哲学家造像。江上越极具象征性的肖像画系列以大胆而婉转的笔触和明快而深沉的色调，透过表面形体捕捉诸子百家的思想精髓。为了使主题更丰满，展览邀请了艺术家江屹与之合作，挥笔写下古人的经典名句，与诸子的肖像相互引发、共振和鸣，开启新的思想空间，展现出一种崭新的艺术形式。两位艺术家的合作是让这个系列作品的天然合璧。在创作过程中，两位艺术家共同重新思考肖像和文字、形象和语言的关系。跨越二千多年，遥接古代与今天、东方与西方，以油画和书法对话的形式重塑了时代的辉煌。

江上越（Etsu Egami）简介

江上越（Etsu Egami）是一位日本艺术家。1994年出生于日本千叶。她曾就读于德国卡尔斯鲁厄国立设计学院（HFG）。2016年本科毕业于中央美术学院油画系，后成为该校硕士。现为北京清华大学博士后研究员。其创作以“交流的障碍”为核心主题，通过误听游戏、多媒介肖像等形式探讨跨文化语境下的沟通复杂性 。她曾荣登2020福布斯中国30岁以下精英榜、2024亚太U30杰出青年领袖榜，并获2023芭莎艺术奖“年度青年艺术家”。作品被中央美术学院美术馆等机构收藏，个展覆盖北京、广岛等地。江上越的作品被和美术馆、广岛Woodone美术馆、中央美术学院美术馆、前泽友作收藏、南城美术馆、元典美术馆、依恋艺术基金会、达美美术馆，Longlati基金会、树美术馆、远山正道收藏、韩国顺天市艺术中心、华为收藏、昊美术馆、熊谷正寿收藏等机构收藏。

JY简介：

JY，本名江屹， 1958年出生于湖北武汉，当代艺术家。 1982年毕业于 武汉大学，1980年代由中国高教部派遣赴日留学，获 千叶大学 物理学博士学位，现为日本东方艺术研究院院长、东方国际美术展评委主席。 1983年赴日后，1992年参展埼玉县立近代美术馆《亚洲当代艺术之旅》。1993年参加台北《抽象现代美术展》 。1994年起在日本埼玉近代美术馆、千叶市立美术馆等地举办十余次个展。1996年在美国华盛顿、法国图鲁兹等地进行国际展览。1997年参加朝日新闻社在东京都美术馆主办的《当代日本美术展》，1998年参加日本立川国际艺术节。其创作融合物理学与中国水墨书法，开创《中国画次元》理论，他的作品被千叶市美术馆、北京达美美术馆收藏。2007、2015年先后参加中国美术馆的额艺术群展。出版有《江屹画集》等著作。

波兰艺术家马里奥·阿尔瓦拉多（MDAP）《Musica Homogenea》

作品阐释：

这是艺术家马里奥·阿尔瓦拉多（MDAP）一个用@openai的Sora创作的小故事，这是早期生成微视频的延伸。故事在创作过程中逐渐成形——从设定摄像机、动作、光线、面部表情的提示词，到绘制分镜脚本，再到导出并拼接片段，不断进行新的混合与融合。人类的创造力才是真正的指挥棒与边界。

作品阐释：

马里奥··阿尔瓦拉多（MDAP）的作品探索一种新兴的虚实共存状态，即当生物与数字现实日益交织之际，生命游走于两者之间。艺术家通过运用脑电波、心率、呼吸与动作等生物反馈数据，将身体的生理信号转化为鲜活的数字宇宙，提出人类已然开始同时栖居于平行世界之中。人类正面临一个临界点：增强现实将数字信息叠加于物理感知之上，生物黑客技术让人得以感知并改造内在状态，生物数据持续流入计算系统。这并非未来设想，而是正在显现的当下：人正成为共生体，同时栖居于碳基与硅基维系的现实之中。借鉴Yuk Hui提出的宇宙技术学概念，这个作品试图通过技术活动实现宇宙秩序与道德秩序的统一，并为这个共生时代提出一种新的生物数字宇宙技术学案例。传统宇宙技术学描述不同文化如何在技术、自然与宇宙间建立独特关系，而本文则探讨如何在不可避免的技术纠缠中培育一种伦理而美好的关系。问题已不再是人类是否会与技术融合，而是如何驾驭这种共生关系。当AR眼镜中介人的视觉领域，当生物传感器追踪人的每一次生理波动，当神经接口开始模糊思想与指令的边界——人类必须自问：如何以优雅、伦理与美感培育这种关系？

每道生物信号都化作连接平行存在的纽带——心律在数字空间化作宇宙脉动，神经模式演变为复杂几何，呼吸循环催生出同时存在于躯体与计算领域的氛围变迁。生物过程向数字现象的转化并非单向提取，而是双向对话，是彼此启迪、相互转化的共生交换。MDAP是正念数据视听项目，正是对这种技术共生关系的冥想实践——一个学习以觉知与意志栖居多重现实的训练场。它探索着Yuk Hui所称的“技术多样性”：人类未必要屈从于单一同质化的技术未来，反而可能培育出多样化、文化特异性、深度个人化的增强存在关系。通过在数字与物理维度间同步呈现身体的隐形运作，使之可视可闻，这件作品提出，美学与伦理的诞生并非源于抗拒技术交织，而是源于学会有意识地编排这种交织。当人类不可避免地深入共生存在——增强现实覆盖视觉，生物黑客拓展感官，数字系统映射生物节律——挑战便从征服转向和谐。如何在拓展自我的同时守护人性？如何确保这种共生关系能丰富而非削弱人类？通过在数字与物理维度间将身体的隐形运作可视化、可听化，这件艺术作品既是记录也是挑衅：它既是对当下过渡时期的沉思——人类正在学习如何同时存在于多重世界；也是对如何以智慧、关怀与美学意识驾驭这种共生关系的邀请。平行宇宙已非理论构想——它们正是我们亲历的现实。当下的核心命题在于：我们将如何栖居于其中？

马里奥··阿尔瓦拉多（Mario D. Alvarado， 网名MDAP）简介：

马里奥·D·阿尔瓦拉多（Mario D. Alvarado， 网名MDAP）是一位跨学科艺术家兼创意工程师，，在神经学、音乐创作和视听表演领域拥有丰富的混合项目经验。他创立了MDAP（正念数据视听项目），这一创新平台致力于探索融合实验实践与生物反馈传感器、音乐创作及视听表演的混合项目。通过该平台，阿尔瓦拉多利用脑电波、心率、呼吸及身体动作等生物信号驱动，创作沉浸式装置与生成式视听系统。借助软件算法与生物反馈传感器，他将人体及其生理过程转化为实时涌现的生态系统，实现艺术、科技与生理学的交汇。其作品采用高性能创作手法，邀请参与者化身作曲家与创作者，在多用户环境中体验声音疗法与精神运动探索。MDAP 项目的目标是关注音乐疗法及其对参与者的影响，通过每个人身体产生的声音质感，激发冥想、正念和科技。MDAP作品曾亮相全球顶尖艺术场馆，包括里昂国际当代艺术节、洛杉矶设计节、蒂华纳设计周、圣地亚哥设计周、墨西哥Mutek音乐节、威尼斯调解双年展0/4号展馆“超越代码与时间”、世界设计之都，以及遍布欧美拉丁美洲的众多艺术空间。

波兰艺术家菲利浦·加耶夫斯基（Filip Gajewski）《结构》

作品阐释：

菲利浦·加耶夫斯基《结构》项目涉及对金属材料结构的显微图像进行转化研究。该项目旨在将这些图像作为纹理转移至增强现实中的空间物体，并据此生成图形与三维全息图。材料中的结构与晶体缺陷决定了其特性，包括强度或塑性等。我们在晶体结构中观察到多种缺陷类型：点缺陷（空位、杂质）、线缺陷（位错）和面缺陷（孪晶），这些缺陷与基于点、线、面的图形语言具有内在对应关系。我通过物质描述、现象研究、物体本质及结构领域问题展开阐述。这些领域与当代艺术图形中可见的图形结构存在强烈关联。作为跨学科知识领域的晶体学，其根源可追溯至矿物学。生命科学各领域的材料具有普适性。鉴于图形与科学的类比关系，晶体学可被定义为科学与艺术交界处的学科。

菲利浦·加耶夫斯基（Filip Gajewski）简介：

菲利浦·加耶夫斯基（Filip Gajewski），1999年生于波兰，毕业于波兰西里西亚理工大学材料工程学院，现就职于卡托维兹美术学院。他运用多种实验媒介进行创作，创作装置艺术、平面设计以及虚拟项目（虚拟现实）。创作动机源于对创造前所未有、独一无二的空间体验的渴望。自2017年起，他一直在卡托维兹美术学院的跨媒体实验画廊LAB303工作。他在跨媒体和数字技术工作室为学生举办工作坊和讲座。自2019年起，他与波兰Mediations双年展和奥斯特拉发大学美术学院合作。自2020年起，他与威尼斯GAD Giudecca艺术区合作，并自2021年起与班斯卡-比斯特里察美术学院和威尼斯0号展馆合作。

波兰艺术小组泰内计划（tajny_projekt）《数据洄游》

作品阐释：

泰内计划《数据洄游》是一部由自然数据驱动的生成式动画。动物行为经数字化演绎后，揭示出隐秘的抽象之美。基于太阳之声与电磁波等环境隐性特性的运动轨迹，既可简约又可繁复。在非人工智能时代的暮色中，由人工编写的代码生成的平滑渐变纹理与原始像素交织共存。这种视觉呈现深入探索了大型神经网络模型中，将简单功能模块作为层级使用的诗意与美学可能性。这些基础构建模块呼应着当代人工智能系统的架构，成为探索人类直觉与机器生成形态之间边界的工具。

泰内计划（tajny_projekt）简介：

泰内计划（tajny_projekt ）是波兰一个专注于新媒体领域的项目工作室和艺术团体，成立于 2017 年，总部位于波兰卡托维兹。他们的作品融合了各种媒体和技术，创作了互动多媒体装置、灯光艺术、电子产品、视觉内容、应用程序或音视频表演。他们的灵感源自当代人类与科技、宇宙学、人工智能和抽象艺术之间复杂的关系。他们试图为现有工具寻找新的表达方式，并在艺术与科技的交汇处探索新的领域。该团体与众多文化机构、艺术家、代理机构和公司合作。他们曾参与法国里尔视听艺术节和波兰卡托维兹西里西亚博物馆的艺术驻留项目。他们还参加了波兰国内外的展览、会议和艺术节，包括捷克共和国、北马其顿、意大利、中国、克罗地亚和荷兰。他们在首届波兰人工智能艺术大赛 Digital Ars（2021 年）中获奖。

波兰艺术家米沃什·马尔加尼（Miłosz Margański）数字影像《和我一起精疲力竭》

作品阐释：

米沃什·马尔加尼（Miłosz Margański）《和我一起精疲力竭》是一部以沉浸式虚拟现实体验呈现的视听作品。该作品以乐队Siema Ziemia的同名音乐曲目为基底，采用空间编舞形式，呈现出纤细的人形剪影随音乐同步起舞的意象。虚幻的镜面将空间水平分割，映照出流动的剪影轮廓。当“镜像”与生成它们的实体逐渐失调时，紧张感油然而生，并引出平行世界的隐喻。

米洛什·马尔甘斯基简介：

米洛什·马尔甘斯基（Miłosz Margański）博士，1981年生。2010年毕业于波兹南艺术大学。就学期间在杰克·亚当恰克（Jacka Adamczaka）教授的动画工作室完成毕业影片制作。2010年起担任第三动画工作室助理。2014年起任波兹南艺术大学动画系动画教研室主任。从事互动电影、电脑游戏、虚拟现实及现代技术领域的研究，致力于艺术、科学与技术交汇处的互动项目开发。现任波兹南艺术大学教授，兼任学生事务副院长。

波兰艺术家斯瓦沃米尔·索布恰克 （Slawomir Sobczak）影像装置《失利》

作品阐释：

这部视频作品的创作灵感源于对波兰著名作家斯坦尼斯瓦夫·莱姆晚期作品的分析，尤其是小说《失利》（Fiasco）。其情节围绕人类与宇宙本质及外星智慧的对抗展开。在这部小说中，宇宙入侵者与侵略者竟是人类自身，而非他其他作品中描绘的“邪恶”外星人。这种侵略的动机竟是出于“善意”——不惜一切代价与外星生命建立对话。该项目营造出在空间中移动的错觉，但实际上我们所见仅是简单的光源在屏幕上移动。独立实体在彼此接近前看似安全无虞，然而接触终将引发不可避免的灾难。尽管屏幕上的“生命”会在一段时间后重生，但先前失败的体验仿佛悬浮于真空之中。该作品应以循环方式投射于尽可能大的平面上，间隔时间可任意设定。

斯瓦沃米尔·索布恰克（Sławomir Sobczak）简介：

斯瓦沃米尔·索布恰克，1964年出生于波兰比得哥什，是一位当代艺术家，其作品涵盖多种媒介，主要专注于绘画和视觉艺术。他的艺术创作始于1990年代初，索布恰克在波兰乃至国际上以个展和联展中展出，反映了多元化的影响和主题。他最近的展览“Konwersacje”于2022年在波兹南Stary Browar举办，进一步巩固了他在当代艺术讨论中的地位。索布恰克的艺术实践以细致入微的绘画手法为特征，经常融合抽象元素和概念探索。他的作品引导观者体验形式和空间的细微差别，挑战了人们对绘画作为一种媒介的传统认知。这种探索体现在他参加过的各种双年展中，他的作品在这些双年展中得到了更广泛的艺术对话。索布恰克的作品还被多家机构收藏。他的作品常常引发思考和讨论，探讨身份、记忆和人类经验等主题。这种探讨在当今全球化的世界中尤为重要，因为艺术是反思和对话的媒介。通过他的作品，索布恰克邀请观众重新思考绘画的界限及其传达复杂叙事和情感的潜力。

波兰艺术家安娜·科拉卡（Anna Kołacka）《室内》绘画投影装置作品

作品阐释：

安娜·科拉卡（Anna Kołacka）作品探讨肉眼不可见或易被忽视的事物。随着对物质的深入探索，如同放大纳米级粒子，我们不断发现现实的层层维度。每向下深入一步，几乎都会揭示出一个截然不同的现实：神秘、尚未完全被驯服，既令人着迷又略带不安。这是一个能够让人沉浸其中的维度，揭示了“隐藏”的存在形式。有生命与无生命的物质在此交织成动态整体，共同构筑我们所栖居的世界。从这个意义上说，该作品呼应了唐娜·哈拉维对自然与文化关系的思考。生物与技术之间的界限变得模糊。每个层面都揭示出新的关联，我们的成像方式成为现实结构本身的一部分。图像与投影在作品中作为这种纠缠的隐喻而存在。手绘笔触与数字光影的虚拟性相互渗透、相互转化，将观众引入不同物质形态之间的空间。微观与宏观世界的并置，使观众直面这个从最小粒子到广阔结构的宇宙——我们所有人皆浸没其中。

安娜·科瓦茨卡（Anna Kołacka）简介：

安娜·科瓦茨卡，1992年出生于波兰波兹南。绘画与素描系博士。波兹南艺术大学第17绘画工作室助理教授，该工作室由托马斯·布考斯基教授开设。玛格达莱娜·阿巴卡诺维奇，波兹南大学。2016年在波兹南大学获得硕士学位。曾获第13届Eugeniusz Geppert大赛提名，并入围多项大赛决赛，包括：LOOSTRO、新绘画/新面貌大赛，荣获青年艺术奖章和大奖。弗朗西斯卡·艾比施，获得波兰文化与国家遗产部奖学金和大波兰省元帅奖学金。作品参加过波兰国内外展览；最近，在 Galeria Szydłowski、BWA Ostrowiec Świętokrzyski、伊斯坦布尔 Artistanbul Feshane 举办的第 16 届 Asya 欧洲双年展以及卢布林开放城市节等活动中。

波兰艺术家马里乌什·瓦拉斯（Mariusz Waras）沉浸式影像作品《龙牙》

作品阐释：

《龙牙》是一件多媒体沉浸式装置，将观者引入源自马里乌什·瓦拉斯（Mariusz Waras，网名M-city）的动态黑白都市景观。标题直接指涉军事基础设施中的独特元素——俗称“龙牙”的混凝土反坦克工事。这些结构出现在动画开场序列中，宛如巨兽颚齿将观众深吸进城市的机械肌理。马里乌什·瓦拉斯借用该术语的诗意特质所开启的神话视角，将龙牙既作为实体门槛，亦作为象征性门户，标记着视觉、感官与原型的越界之旅起点。城市被塑造成人类掌控空间、驾驭混沌的执念具象，暴力作为文明永恒而循环的状态烙印其上。与此同时，这座城市也承载着自我毁灭、蜕变与重生的悖论印记。在瓦拉斯的视野里，建筑成为冲突的层叠文本：铭刻着往昔战争的伤痕，挣扎于当下战火，并为未来危机筑起防御工事。“龙牙”同时守护着创世神话——卡德摩斯斩杀怪兽后将兽牙播撒大地，长出的战士们陷入兄弟相残的厮杀，最终仅五人生存。他们与卡德摩斯共同建立了底比斯城邦。

装置声效层中的雨声——在某个时刻与玩具无人机嗡鸣声交织——扮演着双重角色。它既昭示着衰败与瓦解：建筑肌理的碎裂剥落，有机体的凋亡；又象征着新生，因湿气唤醒了潜伏的“战士种子”。当观众察觉作品循环往复的结构时，其表象的线性叙事便被瓦解，观展体验随之重构。装置化身为神话模型，通过观众参与仪式化的宇宙生成论得以演绎。投影的环形框架成为“吞噬尾巴的蛇”——奥菲斯蛇的视觉隐喻，观众在观影过程中恰似栖居于这条空间图腾之中。城市沿着这种循环几何不断扩张与收缩。事件的反复出现凸显出被困于永无止境循环的感受，而引领观众穿梭城市的无人机所营造的眩晕视角更强化了这种体验。如同梦境，观众的身体保持静止，却被迫承受着不受控制的力量所驱动的、脱离躯体的运动。唯有步出投影空间，观者方能重获主体性——重新掌控感知、实体存在与选择能力。这离场瞬间成为装置的终极姿态：象征着觉醒与挣脱神话宿命桎梏的解放。马里乌什·瓦拉斯沉浸式装置作品《龙牙》在波兰波美拉尼亚省的资金支持下完成创作，该项目隶属于LOOM. Extension计划。

马里乌什·瓦拉斯（Mariusz Waras）简介：

马里乌什·瓦拉斯，网名M-city，1978年生于格丁尼亚。完成博士后研究后，他现任格但斯克美术学院教授，在绘画系主持街头艺术工作室。除学术工作外，他还从事平面设计、空间装置及大型绘画创作。其大型壁画创作，尤其是奠定艺术标志性的早期作品《M-city》，使瓦拉斯跻身全球最具辨识度的街头艺术家之列。他始终以都市美学为创作基石，融入建筑与工业意象（含船厂元素及交通工具等）。其风格虽历经演变，却始终保持极简而精炼的特质。早期瓦拉斯主要创作去人性化的景观与处于生产或毁灭过程中的机械装置，通过不断扩充的元素词库展现无限组合可能。随着时间推移，其作品开始融入个人反思与宣言，有时更以简洁的时事评论形式呈现。瓦拉斯同时担任展览与艺术活动的策展人。自2018年起，他于哥伦比亚丛林中的蒸馏厂策划“独裁者艺术大师节”，该地常年吸引顶尖街头艺术家、城市艺术家及当代艺术家前来驻留。

米凯拉·哈内曼（Michaela Hanemann）影像作品《生殖细胞》

作品阐释：

多媒体投影、生成式排版、人工智能动画《基质细胞》是一部持续演变的投影作品，由六边形模块构成，灵感源自蜂巢的自然结构。每个单元格代表一个概念空间：既是字面意义上的“生殖细胞”，亦是隐喻意义上的“基质细胞”。在这些单元中，出现类似字母的符号，其实源自混合来源的绘画——植物元素与几何多面体形态在此交融。这些生物语言结构不断生长、变异、消解，形成拒绝固定意义的字母体系。人工智能生成的动画在随机间隔出现：融合人类与植物特征的混合生物由此诞生。视觉生态系统在结构与随机性、语言与躯体、形态与生长之间徐徐展开。在《基质细胞》中，文字不再仅仅传递意义——它本身已成为活体物质。装置呈现出一个流动的后人类字母表：一个生长、呼吸、逃离解读的语言系统。简言之，《生殖细胞》是一件由蜂巢结构启发的六边形模块构成的动态投影装置。作品融合自然与几何元素，形成开放式字母体系。配合人工智能生成的动画，人类与植物的混合体由此诞生。该装置将文字呈现为活体物质——一个不断生长、呼吸且难以捉摸的后人类语言系统。

米凯拉·哈内曼（Michaela Hanemann）简介：

米凯拉·哈内曼1979年生于德国埃尔姆斯霍恩。2003至2008年间，作为汉诺威美术学院最后一批学生之一，她师从彼得·雷德克、维蕾娜·弗恩努夫特和彼得·克拉赫三位教授学习艺术，2008年毕业。此后她以自由艺术家身份活跃于地区及国际艺术界，并定期举办展览。2021年，米凯拉·哈内曼获得了柏林文化基金会的工作奖学金。2015年，她被提名汉堡阿尔托纳莱艺术奖。2013年，她获得了波恩艺术与自然空间的A.I.R.奖学金。2010 年，米凯拉·哈内曼在拉岑艺术奖中获得二等奖；2006 年，她获得绿色联盟艺术奖一等奖；2012 年，她在美国偶像大赛中获得“荣誉奖”。2011 年至 2015 年，她担任汉诺威联邦艺术家协会 (BBK-Hannover) 和“艺术与为什么协会” (Verein „Kunst Und Warum e.V.”) 的董事会成员，该协会致力于振兴汉诺威的文化生活。此外，她还是“利斯特艺术家联盟” (Künstler in der List) 的活跃成员。自 2009 年以来，她在自己的工作室教授绘画和素描课程。2011 年她担任希尔德斯海姆大学摄影和数字图像处理课程的讲师。2011 年至 2015 年，她担任汉诺威联邦艺术家协会 (BBK-Hannover) 和致力于振兴汉诺威文化生活的“艺术与为什么协会” (Verein „Kunst Und Warum e.V.”) 的董事会成员。此外，她还是“利斯特艺术家联盟” (Künstler in der List) 的活跃成员。自2009年起，她在个人工作室开设绘画与素描课程。2011年她受聘为希尔德大学摄影与数字图像处理荣誉讲师。现生活和工作于美国旧金山和德国汉诺威。

波兰艺术家乔安娜·杜德克（Joanna Dudek）动画作品《没人害怕红蓝黄》

作品阐释：

该视频作品援引巴内特·纽曼著名的抽象绘画。三色——红、黄、蓝——出现在《易经》六十四卦中，分别象征“丰盛”、“联结”与“影响”。然而绘画材料与药材的结合并未提供明确解答，反而宛如暗物质般晦涩难明。

PharmaSEE 项目:

PharmaSEE项目实施于2009至2025年间，作为一个研究空间，其使命在于通过艺术领域揭示并唤醒我们对信仰、知识、对知识的信念，以及魔法与隐喻思维之间界限之微妙、模糊与难以界定的认知。艺术作品鼓励我们解构个人信念，以促进转变并拓展对各类现象的解读维度。在艺术与医学领域，关于健康、福祉、身体性及技术的思维边界正动态演变。那些无形却真实的存在（药物中的化学化合物）调控着我们的意识——医学始终是门“艺术”。可见物质却愈发难以解读——被技术挪用的图像成为“有情之眼的陷阱”。艺术语境让我们通过追问转化能量来审视这些议题：以隐喻与灵感取代魔法思维，寻求健康、理解与圆满。艺术的此种使命不仅是游戏...更是其永恒“祛魅”使命的源泉。多数作品中皆可窥见与绘画大师的对话脉络，从达芬奇、戈雅到巴内特·纽曼与班克斯。批判性评论贯穿于大型制药企业与艺术市场的双重现象之中。

乔安娜·杜德克 （Joanna Dudek）简介：

乔安娜·杜德克（Joanna Dudek），网络名VICTTORIA PLAZA，视觉艺术家。毕业于波兹南美术学院绘画系，并于2009年获得博士学位。2022年，她在华沙大学管理学院完成“艺术市场管理”研究生课程，2006年则在波兹南社会科学大学完成“文化管理”研究生课程。2001年于波兹南亚当密茨凯维奇大学卡利什教育与美术学院完成硕士学位，创作绘画毕业作品集。现于母校主持跨媒体工作室。创作涵盖绘画、摄影、装置及影像艺术，国内外参展逾150次。以项目发起人及策展人身份策划艺术活动。2010年起，她定居于格但斯克与卡利什两地进行艺术创作。

波兰艺术家托马斯·温德兰影像作品《Atma》

作品阐释：

我们的感官感知能力有限。动物乃至某些设备（如手机）感知现实的方式与我们不同。在此情境下，霓虹灯是持续振动的波，而我们却将其感知为均匀的现实。我们生活在封闭的现实中，与其他平行世界隔绝。地球与深海中的平行宇宙，未知的有机生命形态。光明与黑暗的环境之间是否存在某种共生关系，一种相互依存？物质是否具有不同的密度与透光性？生命究竟意味着什么？

托马斯·温德兰（Tomasz Wendland）简介：

托马斯·温德兰，1960 年生于波兹南，艺术家、艺术史学家、教授、策展人。现任波兰外交部外交学院专家。曾任调解双年展总监、德国杜塞尔多夫波兰研究所所长、波兰罗兹 MSL Muzeum Sztuki 顾问和策展人、 波兰什切青艺术学院教授。1984 年毕业于波兹南亚当-密茨凯维支大学艺术史学院艺术史专业。1990 年 获得德国阿尔弗特/波恩阿兰努斯艺术学院（绘画专业）文凭，1993 年 获波兹南美术学院绘画、雕塑与艺术硕士学位 。2009 年获英国普利茅斯大学获得 “未知 ”博士学位。作为策展人，他将展览视为一种由来自世界各地的策展人和艺术家团队创作的艺术作品。他发起了一系列周期性的新艺术活动，如1993 年至 2005 年的 "内部空间节。2007 年起他发起了延续至今的Mediations双年展，2008 年首届Mediations在波兰波兹南举办，2023 年第10届Mediations双年展在伊斯坦布尔举办。 他还连续策展了7 届《移民酒店》艺术展在比利时哈瑟尔特、日本中之城、乌拉圭蒙得维的亚、德国汉诺威、美国纽约、 印尼日惹、以色列贝尔谢巴（Beersheba）展出。6 届《索拉里斯星系（Simularis ）》艺术项目在中国佛山、台北、波兰切拉季（Czeladź）与波兹南、捷克班斯卡·比斯特里察（Bańska Bystrica）与俄斯特拉发（Ostrava）展出。2013 年至2021年的4 届威尼斯 0 号馆独立艺术项目。他还运营了独立艺术空间，如1998 年至 2005 年波兰波兹南 CCA 内空间多媒体画廊，2004 年至今的波兰波兹南 MONA(最新艺术馆）。他担任策展人的展览遍及波兰、比利时、印度尼西亚、日本、中国、韩国、德国、乌拉圭、美国、英国、匈牙利、意大利、土耳其等国，其中包括Wenecja 双年展、Manifesta、蒙得维的亚双年展、Jogja 双年展、 ATM曼彻斯特亚洲三年展、2023 年以色列海法第 5 届地中海双年展、2023 年波兰卢布林开放城市节、2023 年开罗 OFF 双年展、日本中之条Nakanojo双年展、2024 年古巴哈瓦那双年展，2024年意大利莱切（Lecce）雕塑论坛 Sculpure Symposion等。曾被《ARTLUK 艺术季刊》评选五为 2017 年度策展人。

德国艺术家哈罗·施密德（Harro Schmidt）顶投透镜式投影仪作品

作品阐释：

在哈罗·施密德的装置作品《鼠与人》中，顶投式投影仪上放置着流动容器，其中由工业废料构筑的各类物体在水中围绕自身轴线旋转。其投影影像具有多重解读维度：观者既可观察分子结构，亦能观赏动态的装饰性几何形态或太空站。另一投影呈现的视频中，类似不明飞行物的物体仿佛凭空浮现于观者视野。场景配以受安德烈亚斯·埃施巴赫小说《指数漂移》启发的音轨，其中外星船员的声音宣告了遏制人类扩张冲动的必要性：“鼠类与人类是地球上最具攻击性且繁殖率最高的物种。我们已决定在第六行星之外——土卫二轨道之外——终结它们。”场景中还融入了重新设计的“阿丽亚娜火箭”投影，以及来自土卫二的巨石影像。两幅投影图像并置呈现，时而交错重叠。

哈罗·施密德（Harro Schmidt）简介：

哈罗·施密德1957年出生于德国格罗斯堡韦德尔（Grossburgwedel），曾在汉诺威应用技术大学师从斯蒂芬·冯·休恩（Stefan von Huehne）和乌尔里希·贝尔（Ulrich Baehr）教授学习美术，并于1980年至1991年在汉诺威大学攻读地质学和古生物学学位。1992年，施密特成为乌尔里希·贝尔教授的硕士生，随后在德国国内外以自由艺术家的身份开展创作，并参与了众多联展和个展。自1998年以来，哈罗·施密德担任汉诺威浮士德园区的浮士德艺术馆总监以及德国国内外众多国际艺术项目的策展人。作为一名艺术家，他将科学经验与视觉、模拟和数字技术相结合。他的作品涵盖实物、绘画、素描、VR和AR媒体、多媒体装置和灯光投影，重视艺术的实验性。其作品被国内外私人及公共机构收藏，包括：汉诺威州政府、北德银行青年艺术收藏、萨尔德城堡收藏、罗马尼亚拉扎雷纳艺术基金会、韩国Sipa艺术博览会等。

达格玛拉·维斯基尔（Dagmara Wyskiel）影像作品《混合游戏》

作品阐释：

在安第斯山脉海拔5000米处，与奎拉瓜所在区域相邻，坐落着全球最先进、规模最大的国际天文观测站——阿塔卡马大型毫米波/亚毫米波阵列（ALMA）。美欧日三国联合建造的六十六座天线阵列，正向宇宙探寻人类未解之谜的答案。艺术家将那个球体引入天线阵列附近的查纳托尔高原时，或许暗示着：由于持续而强烈的开发、探测与向太空发射信号的行为，某种存在终于显现。艺术家推测这种存在并非人类对宇宙探索所预期的回应。与此同时，这些天线竟展现出自主的智慧与意志——它们转向凝视着闯入者般的球体：白色、巨大而圆润，它试图伪装成天线的一员，最终却暴露行迹，不得不撤离。

达格玛拉·维斯基尔（Dagmara Wyskiel）《混合游戏》中的球体或许暗示着宇宙中存在着某种实体，抑或存在着不具地球特性的能量与其他维度。其体积让我们得以判断该物体与人类经验不相容。诚然它是个球体，因此乍看之下与灵界关联甚微。然而它并非普通球体，而是高尔夫球。每个人可以假设，宇宙某处存在着拥有超自然力量的生物，他们或许会以打高尔夫球为消遣。高尔夫球极易遗失，它们会滚入沟壑，或被遗留在球场之外。

混合游戏应纳入外部空间、开放空间的运作范畴；这种空间被理解为面向宇宙的舞台，并通过时间中的运动得以延伸。它探索空虚的意义，既源于我在阿塔卡马沙漠的研究与个人经历，亦是个人创作探索的成果。如同《波洛努斯·波普卢斯》的创作手法，我在此同样试图寻找一种形式，以引发对历史现象的沉思——将历史理解为一部关于我们自身的教科书。此处收集的案例以间接而富有启发性的方式，提出将艺术品视为当代世界的镜子、放大镜或微距镜头，其选择具有主观性。我提及那些在追寻参照与关联时引发强烈内心共鸣的事物，以及那些影响我自觉塑造自身创作视野的因素。

序章：智利安托法加斯塔省萨科2号环查卡遗址文化公园，2013年

第一站：世界最干旱之地，智利基利亚瓜陨石谷，2013年

第二站：恰南托高原，阿塔卡马大型毫米波/亚毫米波阵列天文台，智利，2015年

第三站：乌蒂马埃斯佩兰萨省，麦哲伦与智利南极地区，2015年 第四站：思想之港节，瓦尔帕莱索，智利，2015年

转场：开放工作室，克拉科夫，波兰，2016年尾声：伦敦与黑斯廷斯，英格兰，2016年

展览：智利大学当代艺术博物馆，2016年；阿根廷蒂尔卡拉地区博物馆，2016年；墨西哥瓜达拉哈拉大学艺术博物馆，2016年；第十七届孟加拉亚洲艺术双年展，特等奖，2016年。

达格玛拉·维斯基尔（Dagmara Wyskiel）简介：

达格玛拉·维斯基尔1974年生于波兰。克拉科夫美术学院艺术博士。SE VENDE移动当代艺术平台主席及联合创始人，当代艺术周SACO总监。2009年智利三年展特邀策展人。曾在阿塔卡马沙漠陨石谷、ALMA天文台、麦哲伦地区与智利南极区的阿马尔戈湖、克拉科夫犹太老城区、英格兰海岸及瓦尔帕莱索港实施大型装置行动。参与过俄罗斯与波兰双年展。她在阿根廷安第斯山脉盐湖、哥伦比亚马尼萨莱斯、麦德林、波哥大公共空间、英国伦敦与黑斯廷斯、智利安托法加斯塔、科利乌莫及卡斯特罗等地实施多项干预项目。其作品曾在美国、中国、墨西哥、乌拉圭、印度尼西亚及阿根廷展出。2016年荣获第十七届亚洲艺术孟加拉双年展大奖。

伊扎贝拉·鲁兹卡（Izabela Rudzka）混合媒介系列作品《空间·时间·多元宇宙》：

作品阐释：

伊扎贝拉·鲁兹卡的创作理念是试图探寻时空之海的深处，基于欧洲精选城市的虚拟地图图像，创造时空的视觉呈现。在此，历史与当下交织于艺术家的想象之中。基于百年历史，构建出空间的塑性地图。这种在保留地形空间形态的同时，以绘画手法抽离时空之海的独特操作，实为一种非侵入式重构过往的扫描考古学。绘画技法与数字技术交织，共同勾勒出过去与现在的地形图景。自宇宙伊始，时空便交织成不可分割的整体。在这独特而相互渗透的统一体中，二者始终以双重形态共存。它们因本质——宇宙能量——而结合，并在这能量中交替呈现两种意象：时间的意象与空间的意象。历史的本质在于传递过往；而伊扎贝拉·鲁兹卡的“合成艺术”历史，正是以创作的潜意识触碰过去。

伊扎贝拉·鲁兹卡（Izabela Rudzka）简介：

伊扎贝拉·鲁兹卡曾于波兰波兹南美术学院攻读绘画专业。2011年她获波兹南艺术大学授予绘画艺术博士学位。现任波兹南亚当·密茨凯维奇大学艺术与教育系副教授。伊扎贝拉·鲁兹卡现为创作型画家兼艺术策展人。她为意大利威尼斯附近穆拉诺岛的玻璃工坊设计玻璃器皿，并以服装设计师身份与波兹南第八日剧院合作。其艺术项目遍及波兰、中国及意大利等地，包括为亚当·密茨凯维奇大学生物学院创作的《自然的艺术性——精妙之源·协同造就整体》项目。她创立并运营波兹南艺术空间“思艺”。

诺敏·博尔德纤维编织装置《距太阳8分钟》

诺敏·博尔德《距太阳8分钟》作品阐释：

诺敏软雕塑《距太阳8分钟》是以纤维材质编织制作而成，作品中的骷髅船图式也都取材于藏传佛教传统叙事中尸陀林主夫妇的形象资源及其传统辟邪文化基因。人头骨组成的骷髅船以及双层楼骷髅宫殿都是传说中尸陀林主夫妇的居所。尸陀林主形象幻化多变，身姿婀娜，常在腰部相连。这一雌雄连体形象与敦煌出土的伏羲女蜗人面蛇身像相似，似乎两者根源于同一种远古印度的视觉文化基因。尸陀林主动感十足、蕴涵无穷变化的舞姿无时无刻都在昭告芸芸众生：世间无任何永恒的事物，生老病死，世事无常。艺术家的意识深处所传承的仍是萨满附体仪式和藏传佛教向死而生观念的思维惯性，似乎在图像文本上延续了一种源自自身经验与知识格局的本色输出。

诺敏·博尔德（Nomin Bold）简介：

诺敏·博尔德1982年生于乌兰巴托，2005年毕业于蒙古艺术文化大学。她运用蒙古与佛教艺术的美学体系——这些艺术曾受古代宗教及帝王机构委托创作——来评论当代议题。她接受传统绘画技法训练，早期创作融合考古发现与精妙神祇形象。如今她运用象征色彩与人物形象质疑日常价值观，通过将世俗社会人物置于神界来探讨财富、政治、自然与人际关系等主题。其创作旨在颠覆当下惯例，引导观众从蒙古古代历史视角审视文化规范。作为蒙古艺术家联盟成员，她于2015年获美国克拉斯纳-波洛克基金会2万美元资助，并参与2017年第14届卡塞尔文献展、2020年曼谷双年展等群展。其作品被全球众多知名人士收藏。

王爽声音装置作品《CP-1919密码图》系列

作品阐释：

首先，从外观上看，王爽的《CP-1919密码图》似乎是件混合媒介的抽象雕塑。其表面由若干电位器和香蕉插座构成，类似于：一幅能以电子设备抽象形态发出声响的绘画装置。其目的在于尝试通过将乐器设备/绘画元素/声音装置融合，拓展艺术作品的边界。内部系统包含两组移位寄存器、三组振荡器、DAC数模转换电路系统及失真电路。33个香蕉接口提供无限连接可能。这件作品具有模糊性——它既是绘画本身，亦可视为乐器（电子音乐中的音序器）、声学装置或雕塑，并与艺术家的前作《塞壬之域2°C》形成呼应。灵感源自电子合成器设备，如Lorre Mill（律动机器）和Peter Blasser的Plumcutter-2，这些设备均采用DAC与移位寄存器技术。其外观的色彩分类功能亦受此类设备启发。

王爽简介：

王爽，1987年生于湖北。毕业于重庆大学油画系，现居于武汉。身为画家与独立先锋艺术家，他将绘画、声音艺术、音乐制作与模块化电路融为一体，创造出独特的艺术装置。其创作聚焦声音的生成机制，探索物理空间与声音本身的交互转化。个展包括：2024年《穿透》，武汉联合艺术馆；2020年《现场实验》，深圳La Vie物质生活空间；2022年《放松》，武汉无糖画廊；2023年《模糊》，宁波WAS艺术中心； 2018《寻林：十万塑料瓶可持续艺术节暨环保公益展》，宁波，中国。群展包括：2018《789零》，塘湖美术馆，武汉；《A3艺术展》，湖北美术馆，武汉，中国。2019年层叠序列，苏州城市艺术馆，苏州；岭南之春，观澜湖美术馆，深圳，中国。2020年

表演的维度，鹅书店艺术空间，武汉；我的城市守护者，观山洋美术馆，武汉；装修派对，卓尔美术馆，武汉，中国。2021 维克画廊邀请展，意大利米兰维克画廊；扬帆启航2021，中国武汉崇文美术馆。2022 质与流的交汇，中国深圳G&G创意社区。2024 江夏的蚊子飞得过汉口吗，中国武汉无糖画廊。何 

中国艺术家魏文涛（Wei Wentao）数字影像作品《时间》：

作品阐释：

当鲍德里亚在 1976 年发表《象征与死亡》时或许并没有预想到泛媒体时代会这么快的降临，我们的生活甚至已经超过了他所提出的超真实主义。真实和符号的边缘已经被手机的屏幕逐渐消解，我们每天看到的图像已经与真实并无瓜葛了，它们只是“生活”这个符号的倒影或者衍生品。这组作品从智能手机的屏幕出发，通过在暗房中将手机屏幕在银盐感光相纸上曝光，将屏幕本身的显像特点与屏幕图像内容做了切割，试图展示在泛媒体时代生活中真实图像的内核。在剥离掉图像符号之后，我们看到的真实的图像只是一种充满虚无主义的光影痕迹，正像是福柯提出的现代权利的教育规劝和教诲一样，现代图像对观者的自我规劝力让观者与真实渐行渐远，留下的只有超真实的图像倒影和虚无的真实痕迹。在你一次次的滑动手机之时，图像已经悄无声息又一次强化了你与真实的背离。

魏文涛介绍：

魏文涛，视觉艺术家，摄影师，毕业于纽约国际摄影中心（ICP），英国格拉斯哥大学。作品曾获平遥国际摄影节2022中国青年摄影推广计划鲲鹏奖、PDN 2018策展人奖、IPA 2018年度摄影奖和PDN 2017年度摄影奖等奖项。作品曾于中国、美国、英国多地展出。曾就职于纽约 Yossi Milo画廊、艺术家 Adam Fuss工作室和雅昌影像。现工作，生活于北京。其作品主要通过多种媒介和材料讨论当下科技对人的影响与重塑。