编制机构：雅昌艺术市场监测中心（AMMA）
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“deTour 设计节”经过香港特别行政区政府“文创产业发展处”（前身为“创意香港”）多年资助，在PMQ元创方渐渐变成了设计师的加速器和实验场。一年一度，吸引来自全球的设计创作者们，就像候鸟一样，带着他们的想法和实践欣然前来。
“deTour 2025 设计节”以“想望之器”为题，追问人类永无止境的渴望如何把日常物件变为承载记忆、情感与理想的容器。由PMQ元创方主办，这场香港年度最大设计节集结海内外创作者/创作单位，在展览、对谈与工作坊中呈现跨领域新作。
在这其中，Encor Studio的光影落地窗《ALCOVE IN SITU》以诗性界面映出记忆的摆荡；Lucia Massari的威尼斯玻璃花瓶及台灯《primavera》让传统符号在透明中绽放新生；零界点把香港竹棚化为可生长装置《竹茧》，试探地方文化的未来维度；孔凡亮则从香港窗景档案出发，以数据与手势互动铺陈《都市脉动：光谱之窗》，邀请观众重新凝视城市自我。
四件作品分别从诗意、传承、地方与都市维度回应主题，邀你透过设计者的心窗，窥见日常物件背后的想象宇宙。下文对话深入四组作品，看创作者们如何以材质、光影与故事回应“想望”，在功能与美感之外为设计注入情感与思想深度。
孔凡亮：香港的城市记忆与未来想象的一扇窗
孔凡亮的《都市脉动：光谱之窗》以时间为序分为四个部分：从1840年以前的棕色固定窗户，到英国殖民时期西方元素的融入，再到战后人口膨胀带来的海棠花玻璃，以及1960年至1980年商业大厦中落地窗的出现，近十年来工艺的创新，最后以夜晚窗户作为主体的独特视角结束。孔凡亮巧妙地运用了不同几何形状，通过反光和扭曲的设计，让观众在互动中感受窗户在不同时代的功能和精神意义。作品的核心是互动体验。孔凡亮希望观众从新的角度看待他们每天熟悉的风景，发现新的可能性，重新审视城市与个人之间的关系。
雅昌艺术网：您如何理解今年“deTour 设计节”的主题？《都市脉动：光谱之窗》如何回应“想望”这一概念？
孔凡亮：“想望之器”对我来说是一个载体，我希望通过这个载体，让人们身边熟悉的题材展现出新的可能性，从而改变他们看待日常事物的方式。我的创作理念是基于让人们看到熟悉的东西，但通过作品获得新的感受和体验。我希望这种创作理念和题材能够与观众产生强烈的共鸣。
《都市脉动：光谱之窗》通过聚焦香港建筑中的窗户元素，回应了“想望”这一概念。香港作为一个中西建筑风格高度融合且极为密集的城市，其建筑的各个组成部分，如窗户、天花板、地板等，都承载着丰富的文化和历史信息。通过窗户看出去，观众可以感受到时间的流转和文化的交融。这种独特的视角让观众能够从熟悉的场景中发现新的感受和体验，从而激发他们对城市的新认知和新期待。
雅昌艺术网：如您所说，建筑包含了很多部分，为何您选择了“窗户”作为聚焦点？
孔凡亮：我最早注意到窗户是在三年前。在一次香港的活动中，我坐在了敞篷巴士的上层，第一次无玻璃遮挡、近距离地扫街看楼，当下只觉得建筑体量“很硬”，便随手拍了一堆照片。回家整理时，却惊讶地发现：镜头里几乎全是窗户。当时我并没有深入思考，直到上一年年底，我又翻看那些照片，突然觉得可以做一个关于建筑窗户的系列档案。而且，窗户是一个很容易接触到的元素，不需要申请就能观察到，大家都能轻易看到。这几个想法结合在一起，促成了我开始这个作品的最初想法。
我每年都会开展一些关于香港建筑的项目，此前曾前往九龙城、深水埗，甚至是珍宝海鲜坊等具有香港特色的地点或建筑进行三维扫描。后来我开始对桥梁和隧道产生兴趣，将香港一些有趣且具有不同几何形状的隧道和天桥进行重新构建，展现出一个与众不同的香港。这件作品延续我此前的工作方法，聚焦更小的点，反而能做出很深的研究。
雅昌艺术网：您在设计中融入了香港城市中多样的窗户形态，这些形态如何与香港的城市故事和文化精神产生联系？
孔凡亮：在收集素材时，我更倾向于选择现在仍然存在的建筑物，而不是那些古老或仅存在于新闻报纸中的建筑。我希望观众如果想要去了解或探索，就可以去观看。但是，香港仅围村如元朗等地因规范宽松仍保留部分原始窗棂，但样本数量少且分布散。因为城市在不断发展和变化，很多地方都经历了重建。这给前期工作确实带来了一定的难度。不过，我通过调整比重找到一个平衡点。我的重点不是详细讲解某个具体建筑物，而是关注窗户的演变，以及人们通过窗户能够感受到什么。只要保留那些关键元素就可以进行不同的变化。整个项目并非调研报告，而是一场体验设计。
雅昌艺术网：作品中，窗户被重新定义为连接过去、现在和未来的互动入口。作品还承载哪些您对城市生活哲学的思考？
孔凡亮：建筑与窗户的设计始终随着时代背景而演变。以二战后的香港为例，当时的建筑规范允许建筑物达到一定高度，但要求顶楼必须设计为斜面。这一规定不仅塑造了如今许多建筑的斜顶外观，也促使当时的窗户设计呈现出独特的风格。如今，窗户设计已经趋于成熟，未来可能不会再有剧烈的变化，但会通过不同的组合方式展现新的形态。在我看来，这未必是一种颠覆性的创新，但通过巧妙的组合，它能够创造出新的视觉效果。
雅昌艺术网：您的作品通过数据叙事、交互装置与沉浸式视听体验相结合。在创作过程中，您是如何平衡艺术的表达性与数据的技术性的？
孔凡亮：最初，我拍摄了大量照片。研究阶段，伙伴负责核实资料与数据，并把上千张实地拍摄的窗户照片按年代、形制快速分类在研究过程中，我的伙伴帮助我核实资料的准确性，并对数据进行简单分类。为了保持作品的真实性，我没有添加过于夸张或梦幻的元素。在互动设计方面，我最初考虑了多种互动方式，但最终选择了类似开窗户的手势：观众只需做一个“推开”手势，整个作品就会被激活，并且会根据观众的手势发生变化。即使是微小的动作，也会在作品中产生显著的效果，带来沉浸式的体验。互动至关重要。这种参与感能极大地增强观众与作品之间的共鸣，赋予作品更强的吸引力和感染力。
雅昌艺术网：您的作品横跨多个领域，包括设计、艺术、展览和商业项目。这种多领域融合如何拓展了您的创作视野？
孔凡亮：不同的项目和不同的品牌都有各自的需求。我的定位是找到中间的平衡点，无论是品牌的理念还是他们想展示的内容，关键在于如何与不同的受众建立连接。我就像一座桥梁。而这次作品的需求源于我对城市的觉察。过去，我每天只是机械地上班下班，对身边的事物毫无感知。直到有一天，我意识到这种状态的糟糕，于是决定从城市和身边的事物入手，开始我的创作方向。我从前从事互动设计，原本的工作方式是量化痛点并输出解决方案，但这次不同。现在，我的目标不是解决问题，而是提出一种新的观点，刺激参与者接受不同的观点，或者为他们提供新的可能性。这确实是一个有趣的过程。
雅昌艺术网：《都市脉动：光谱之窗》不仅是一个设计装置，更是一个邀请观众参与的互动场域。您希望观众从作品中获得什么样的启发？您认为设计如何在快速变化的城市环境中保持人文温度并促进社会进步？
孔凡亮：我想通过这次的作品让观众了解不同时代的变化。尽管现在人们可能会觉得某些事物缺乏温度，但这其实是一个很真实的现状。现实中，由于有向高空发展的需求，建筑和窗户等元素也随之发生了变化。在这个过程中，情感和设计理念也在转变。例如，以前的窗户设计可能更多地融入了吉祥等装饰性元素，但现在这些装饰性元素已经逐渐弱化，更多地转向了功能性的转变；所以，这次我直接展示变化，观众能否感受到以及他们能了解多少，很大程度上取决于他们自己的领悟。我会留给观众一定的空间去感受，唯一可以改变的是他们如何感受这种体验。我希望观众能够期待，那些他们每天都在接触的元素，如何通过不同的方式带来全新的体验。这其实也是我一直在思考的问题：如何将现有事物转化为观众从未见过的、独特的体验。
雅昌艺术网：您认为好的设计应具备哪些特质？
孔凡亮：好的设计很难简单地评判为好与不好。关键在于受众的期待是什么，他们想要什么？以及我的作品是否能够满足这些期待。只要这两者能够平衡，对我来说就是一个好的设计。对我来说，最重要的是观众的期待与作品所传达的信息之间的平衡。如果能够达到这种平衡，我就认为这是一个成功的设计。
零界点：《竹茧》象征着未知与突破
来自中国香港、中国内地六位背景迥异的零界点团队，带来的《竹茧》是一件融合了香港本土文化、传统材料与现代设计理念的创新装置艺术作品。它不仅是一次对香港竹棚文化的深情致敬，也是对“想望之器”这一主题的深刻诠释。通过竹子这一核心材料，作品展现了从渔村到国际都市的香港在文化与设计上的独特变迁，同时探讨了设计在时代发展中的生长性与可持续性。
雅昌艺术网：你们从什么时候开始关注“deTour 设计节”？
罗嘉豪：我从第一届就开始关注，当时还在念中学。当时有些作品是在房间里展示，每个房间都被精心设计为一个独立空间，每个空间仅展示一件作品。这次经历让我深刻意识到设计与视觉艺术的本质区别：视觉艺术更倾向于个人表达，强调创作者的内心理念与独特性；而设计则将“人”置于核心，注重与观众的互动和连接，强调功能性与社会性。展览中的新媒体作品，尤其是2014年那些极具创新性的作品，为我打开了新世界的大门。后来，我前往北京深造，如今带着积累的知识和经验回到香港，与伙伴们共同探索艺术与设计的边界。
雅昌艺术网：如何理解本届展览“想望之器”这一主题？
罗嘉豪：在我们看来，“想望之器”中的“器”可以分为有形与无形两种形态。许多物品不仅具有功能性，还承载着观念的传递。我们试图将这两种“器”相结合，探索如何将精神属性从过去延续到当下。竹子作为一种自然材料，在香港的建筑和文化中扮演了重要角色。尽管现代建筑方式逐渐取代了竹棚，但竹棚在香港的特定环境中仍具有独特的文化属性。我们希望通过《竹茧》这一作品，将这种生命力与文化传承相结合，探索传统与现代之间的联系。
雅昌艺术网：请你们介绍一下作品的创作初衷和设计理念。作品将香港的竹棚文化、天圆地方的文化概念进行融合。竹棚在香港的发展历史为作品提供了哪些灵感？
罗嘉豪：最初，团队成员在浏览网络时发现了竹棚的图片，觉得这种结构非常特别。竹棚在香港的建筑工地上非常常见，尤其是在街道狭窄、地形复杂的环境中，竹棚的轻便和灵活性使其成为理想的建筑工具。尽管竹棚对我来说并不新鲜，但团队成员的新鲜感让我意识到它的创作潜力。我们希望通过竹棚这一题材，创作出既有设计感又具有互动性和科普性的公共艺术装置，将竹棚的历史和文化背景呈现给当代观众，尤其是年轻一代。
雅昌艺术网：《竹茧》如何通过装置表现竹棚在香港文化中的象征意义？天圆地方概念的融合，对作品产生了哪些影响？这一设计、创意背后有何深意？您希望观众从作品中获得怎样的启发？
罗嘉豪：香港曾是渔村，竹棚在早期生活中扮演重要角色，如蚝棚、针织棚等，是香港文化的重要组成部分。每年中元节等传统节日，竹棚也被用于搭建大型活动场所。在构思《竹茧》时，我们结合“天圆地方”的传统理念，思考竹棚如何超越功能性，传递更深层的文化和自然理念。我们从自然性、功能性和文化属性三个关键点出发，意识到这些要素应从时代角度综合考量。最终，我们将竹子作为文化载体，通过设计展现其自然之美与文化价值，探讨人与自然的共生关系，以及材料如何适应时代变化。《竹茧》不仅是对竹子的重新诠释，也是对香港独特文化的一次现代演绎。
杨蓓雅：同时，《竹茧》的名字本身寓意着“卵”，象征着一种未知性和可能性。就像薛定谔的猫一样，虽然我们不知道卵中会孵化出什么，但我们知道它有生命，且终会孵化出一种新的状态。我们希望观众从作品中获得的启发，首先源于我们选择的材料——竹子。从古代作为风筝承载人们对天空的向往，到如今作为太空材料进入太空，竹子展现了不同时代下的多种可能性。我们希望通过《竹茧》展示竹子的多样性和未来发展潜力，启发观众突破自身的局限。如果竹子都能有如此多的可能性，那么人类的未来又会有多少种可能呢？我们希望观众能够通过《竹茧》感受到这种突破和探索的精神，去发现更多未知的可能性。
雅昌艺术网：在科技飞速发展的背景下，您如何定义“好设计”“好创作”？在您看来，如何让设计适应时代的发展？
杨蓓雅：我们并不是被动地去适应时代的发展，而是本身就处于这种发展的过程中。无论是从理念还是概念上，作为生活在现代社会中的人，我们无法脱离这种发展性。关键在于，我们如何理解和转述我们所看到的、未看到的，甚至是担忧的问题，从而引发更多人共同探讨这些问题。
我们一直关注一个重要的概念，那就是“生长性”。生长性意味着设计本身是动态的、可以不断发展的。这不仅体现在我们设计的装置上，也体现在观众的参与中。设计不是一成不变的，而是随着人们的使用而生长、延伸。因为每个人的需求和使用方式不同，设计也会随之改变，从而更好地服务于不同的人和不同的时代需求。设计的本质是服务于人，随着人们的需求和时代的变化，设计必须具备生长性和延伸性，以适应不断变化的社会环境。
雅昌艺术网：请分享下《竹茧》作品从创意到创作过程中，各位团队成员如何分工协作的？
罗嘉豪：团队成员成员包括：装置艺术家杨蓓雅；策展人、混合媒介艺术家罗嘉豪；交互体验设计师肖雨薇；产品设计师葛馨萌；装置艺术家、产品与空间体验设计师袁易；工业设计师杨圳。四位伙伴是工业设计师，我和蓓雅则更偏向当代艺术领域，这种多元背景为团队带来了丰富的视角。我们的分工也非常明确：我和蓓雅主要负责概念性讨论和文字工作，统筹整体方向；四位设计师则负责具体的结构设计、园艺布局以及平面设计等任务。因为每个人都有自己的经验和执着点，成员之间也会有关键性的讨论和冲突。通过这些讨论，我们能够整合不同的观点，最终形成一个更加全面和有深度的方案。
我们会一起讨论各种可能性，从不同的角度出发，探讨各种想法。比如，我们讨论过窗户、路牌，甚至奶茶等各种元素，试图从中找到灵感。在讨论过程中，我会从策展的角度出发，思考作品是否足够深入，是否能从公共艺术的角度引发更多思考。而工业设计师们则会考虑如何落地和所有的细节。
雅昌艺术网：零界点的创作如何与香港的设计趋势进行对话和互动？
罗嘉豪 & 杨蓓雅：每次项目对我们来说都是一次全新的探索。我们会根据每个项目的具体地点重新进行调研，探讨装置在当地需要发挥的功能以及我们想要表达的内容。这个过程会回到材料的选择，也会考虑公众的参与性。同时，我们设计时也考虑了香港的一些习惯和倡议，尽量避免一次性使用，确保作品易于拆卸、组装和运输。我们希望作品能够持续“旅行”，在不同地方展示，适应各种空间需求。
Encor Studio：一场光与影的静谧对话
Encor Studio由瑞士音像艺术家Mirko Eremita、David Houncheringer、Manuel Oberholzer 及Valerio Spoletini于2016年共同创立。其作品《ALCOVE IN SITU》通过极简的设计语言和对光影、空间的巧妙运用，将无形的记忆与情感具象化，探讨了存在与缺失之间的张力。这位来自瑞士的创作者，将减法设计视为一种伦理立场，通过克制与敏感的平衡，将瑞士设计文化中对简约与深邃意境的追求融入作品中，邀请观众在静谧的互动中感受记忆与现实的交织。
雅昌艺术网：你们对“deTour 设计节”有哪些印象？你们是如何理解“想望之器”这个主题的？作品《ALCOVE IN SITU》又是如何回应这一主题的？
Encor Studio：我们认为“deTour 设计节”远超越单纯展示设计物件的层次——它培育着反思、脉络与对话，是让设计成为流动思想的场所。「想望之器」这主题与我们实践深度共鸣：想望之于我们，是存在与缺失之间的张力，是捕捉那些稍纵即逝之物（记忆、光影痕迹）的渴望。《ALCOVE IN SITU》将这种情感状态转化为物质形态：在透明与朦胧、显露与隐蔽间交替的建筑界面。这件作品即是渴望的建筑——它不描绘欲望，而是实践欲望。每道光影转换都映照着远近之间、可见与记忆之间的摆荡。在这个意义上，想望既是结构，也是本质。
雅昌艺术网：《ALCOVE IN SITU》延续了你们团队创作的《减法系列》，你们认为“减法”和“节能高效”在设计中的意义是什么？与之前的作品有什么不同？
Encor Studio：对我们而言，减法不是风格姿态，而是伦理立场。在充斥积累的世界中，减法是重获清晰、平衡与意义的路径。它迫使我们保持创造性，抵抗增添的冲动，透过克制寻找诗意精度。《ALCOVE IN SITU》更进一步运用电控调光薄膜，以最低能耗调控透明度——让建筑随光线呼吸而非消耗能量。这道界面本身成为几乎无需耗能即可调节可见度的生命体。相较系列前作，这次创作规模更大却足迹更轻 —— 我们转化既存建筑表面而非新建构体，实现从物体到氛围的进化。
雅昌艺术网：作品中没有实体物品，只有痕迹和记忆。你们如何看待观众与作品之间的互动？您是否期待观众在作品中获得某种特定的情感体验？
Encor Studio：对我们而言，互动始于感知。观众无需行动，只需觉察。当玻璃在透明与雾化间转换，人们看见自身倒影浮现、消融、再重现，形成身体与环境的静默对话。我们希望唤起那种「忆起难以名状之事」的细腻情感——当某种气息、闪光或声音碎片重新唤醒无以名状的感受时。《ALCOVE IN SITU》试图捕捉的正是认知与消逝之间的脆弱张力。这件作品邀请观众缓下脚步，驻足于自身感官觉知中。每个人都成为观察者与参与者，透过在场完成作品。
雅昌艺术网：你们运用极简设计语言，通过光影与空间的巧妙搭配，将无形的记忆具象化。这种设计手法是否蕴含着瑞士设计文化对简约与深邃意境的追求？您认为瑞士设计有哪些独特性？
Encor Studio：瑞士设计始终重视清晰度、精度与结构——但在这份纪律之下流淌着深厚的情感暗涌。我们视极简为一种关注而非空缺，是凸显本质的框架。我们的手法反映这份精神：光影与空间、透明与反射的交织，正如瑞士地貌——山光云影、变换天候、寂静节奏——这些元素塑造了我们的集体想象。瑞士设计独特处在于克制与敏感的平衡：它不强加意义，而是为意义的展开留白。在《ALCOVE IN SITU》中，这种态度转化为建筑语言：界面同时容纳城市与其倒影，可见与不可见，共存于同一息之间。
雅昌艺术网：设计不仅要解决功能和美感的问题，还需要承载情感和思想。在您的设计理念中，什么样的设计才是“好的设计”？您认为一件设计成功的标准有哪些？
Encor Studio：对我们而言，好的设计既隐形又必要——它在不张扬的状态下改变感知，维系着情感、功能与觉知的平衡。成功的设计作品是开启空间而非填满空间：它延缓感知、深化在场，让人与环境、记忆、彼此产生连结。好的设计不求喧哗或疾速，而是更静谧、更从容。它尊重能量、材料与时间。若作品能在人们离开后仍于其心念身体间回响，如同残影或余感般萦绕不去——那便是成功。
Lucia Massari：让“渴望”可触可感
来自威尼斯玻璃世家的Lucia Massari带来作品《primavera》，将威尼斯的传统图案与现代设计理念相结合，通过透明玻璃材质的流动性和立体感，将抽象的“渴望”转化为可触可感的艺术形态。她以轻盈动感的造型突破了威尼斯玻璃工艺的厚重感，展现了传统技艺与现代审美的完美融合，也为“想望之器”这一主题注入了独特的艺术诠释。
雅昌艺术网：您是如何理解今年“deTour 设计节”的主题“想望之器”？您的作品《primavera》又是如何回应这一主题的？是否第一次将作品带到香港展出？感受如何？
Lucia Massari："想望之器"对我而言，是与记忆对话的同时探索新事物，是传承与想象之间的交流。它意味着承认我们内心的渴望，让这份渴望指引我们的探索，并赋予它具体的形式——无论是物件、空间还是体验。
《primavera》通过记忆与想象的交融来呼应本届主题。我将威尼斯传统图案—玻璃花朵、漩涡与蔷薇纹饰融入流动的玻璃材质中，让这些元素在透明质感中漂浮、交融、变形。这一创作过程，既体现了在传统脉络中寻求新意的渴望，也展现了对历史传承的创造性延续。
作品同时以轻盈动感的造型，突破了威尼斯玻璃工艺固有的厚重感。通过将经典纹样重新解构为充满现代感的立体形态，《primavera》成功将抽象的“渴望”转化为可触可感的艺术形态：它既是对威尼斯玻璃工艺的致敬，也邀请观众一同思考，当传统技艺与现代审美相遇，将碰撞出怎样的新可能。
我十分期待《primavera》这座连接威尼斯文化与现代设计的桥梁，能在香港这座融合东西方文化的都市中获得怎样的回响。香港兼具传统底蕴与现代活力，与我的创作理念不谋而合。这次展览不仅是一次展示，更是一场对话，让作品在全新的文化土壤中焕发新的生命力。
雅昌艺术网：《primavera》的创作灵感源自朱塞佩·阿尔钦博托的同名画作，并采用威尼斯十九世纪兴起的玻璃制作工艺。在创作《primavera》时，您如何平衡对朱塞佩· 阿尔钦博托画作的致敬与自身独特设计理念的融入？您对传统的创新诠释有哪些心得、感悟？
Lucia Massari：在创作《primavera》时，我并未试图复制阿尔钦博托的画作，而是以其为启发。他的作品充满奇想与细腻的自然主题，我希望捕捉那种趣味组合的精神，并将其转化为立体形态。我所选用的19世纪威尼斯玻璃工艺，让我能通过色彩、透明度与质感，呼应他画作中的层次感，同时又展现出玻璃材质的独特语言。
我希望能挑战“穆拉诺玻璃（Murano glass）传统不可撼动、永恒不变、神圣或仅具装饰性”的观念。通过质疑这一叙事，我想展现玻璃也可以是实验性的、具有批判性的、充满生命力的。我认为这在当下尤为重要，因为威尼斯玻璃生态系统相当脆弱，而创新本身，就是一种传承。
雅昌艺术网：作为出生于玻璃世家的设计师，您的设计、创意受到了哪些影响？这种背景如何塑造了您对材料、工艺和色彩的认知？这些影响在《primavera》中有哪些体现？
Lucia Massari：这份传承让我与工艺建立了深刻联结，但更重要的是，它激发了我保持距离的渴望——去发展自己的身份认同与设计语言，最终创造属于自己的传承。我的创作常始于这种“归属与抵抗”之间的张力。所谓抵抗，未必是拒绝或冲突，而是希望为个性与个人探索开辟空间。
在玻璃环绕中成长，深深塑造了我对材料的认知。我倾向于将它们视为拥有自身行为、脾气与声音的生命体。特别是玻璃，教会我尊重不可预测性，与材料协作而非试图控制它。这种态度延伸至我使用的所有材料：我关注它们的极限，关注当它们被过度推逼或“不守规矩”时会发生什么。对我而言，工艺的精髓不在于完美，而在于手、工具与材料之间的对话，这是一个相互学习的过程。在色彩方面，玻璃让我对光线与透明度格外敏锐。即使使用不透明材料，我也将色彩视为能够承载情感与深度的元素，而非表面装饰。
在《primavera》中，工艺体现在精准与自发性的平衡之间，每件作品都带着制作过程的痕迹，既彰显手艺，也拥抱偶然。从这个意义上说，《primavera》通过词汇的层层叠加——传统与实验、装饰与雕塑——让新的语言得以浮现，反映我的背景。它关乎在延续中开辟转化的空间。
雅昌艺术网：您对公众与《primavera》桌灯的互动有何期待？您希望观众在欣赏作品时，如何超越物品表象，深入感受其中蕴含的复杂历史脉络与情感？
Lucia Massari：我期待的并非肢体互动，而是视觉上的亲密感。这更象是一个你想提出的问题：你希望参与变化，还是宁愿保持距离？互动是一种个人选择——当你观察一件作品时，你决定是否与之对话。
观众进入展厅时，首先会注意到玻璃的色彩、活力与能量。起初，他们或许不会立刻领会作品中蕴含的历史层次，因为这些工艺语言并非普世皆知，它们根植于我自身的文化环境。但对于愿意细看的人，这些作品如同一把钥匙：开启一个关于手艺、想象、历史与传统的世界。
雅昌艺术网：在您看来，威尼斯设计与文化有哪些独特之处？《primavera》桌灯如何巧妙融合威尼斯对自然、工艺和美的独特理解，展现其地域文化魅力？
Lucia Massari：威尼斯始终是一个相遇之地——东方与西方、陆地与水域、工艺与奇观在此交汇，这种张力深植于此地生产的每一件作品中。几个世纪以来，工艺的代代相传与精益求精，使威尼斯玻璃与设计独特地系于这座非凡的小岛。威尼斯共和国曾以严刑守护这些玻璃秘方，足见其工艺的实验性与独特性。然而，也正是共和国的支持让这门技艺得以繁荣，为创新提供了沃土，而这些创新始终与这片特定的地理区域紧密相连。
《Primavera》桌灯通过将传统图案——玻璃花、漩涡与蔷薇饰，转化为动态构图，体现了威尼斯对待工艺的独特方式。我也着迷于物件如何承载文化记忆，这件作品正是这一探索的组成部分。
我相信，真正尊重传统的唯一方式，是带着批判的眼光与之互动。重新组合这些传承而来的符号，并非为了打破它们，而是为了审视当它们被重新配置时，能涌现出怎样的新意义，这正是本作品的核心。我常以幽默感来化解威尼斯玻璃所承载的厚重与严肃，在质疑常规的同时，也为颂赞传统开辟空间。
关于deTour 2025 设计节
日期：2025年11月28日至2025年12月7日
时间：上午11时至晚上8时
地址：香港PMQ元创方（中环鸭巴甸街35号）
入场：免费
官网：https://detour.hk
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