编制机构：雅昌艺术市场监测中心（AMMA）
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上海嘉禾2025年春季暨十五周年庆典拍卖会将于6月13日 - 14日在上海静安洲际酒店(静安区恒丰路500号)预展，6月15日 - 16日正式拍卖，涵盖中国书画、二十世纪及当代艺术等多元品类。
其中，二十世纪及当代艺术夜场备受瞩目，汇聚多位全球现当代艺术家的180余件精品佳作，既呈现余友涵、陈逸飞、李山等里程碑式人物的经典作品，串联中国当代艺术早期探索脉络，也甄选马轲等中青年艺术家代表作展现个体语言突破;同时，收录于《中国抽象艺术》等权威出版物的上海抽象艺术集群作品，凸显地域学术高地地位; 更有被誉为未来国际艺术市场「蓝筹股」的王茜瑶、陈英杰等青年艺术家新锐作品，以及刘曼文、刘虹等女性艺术家的多元视角创作，全景式呈现中国当代艺术三十余年的多元发展图景。
余友涵 (1943-2023 ) 出生于上海，毕业于中央工艺美术学院。他是中国当代艺术领域极具革新精神的探索者，作为 “85 新潮” 美术运动的关键推动者与90年代 “政治波普” 艺术的先行者，他以 “圆” 为核心图式构建起独特的抽象艺术体系。英国艺术史家爱德华・路希・史密斯曾评价其 “最早将国际风格转化为个人艺术语言，或在中国艺术史上占据重要地位”。
自 20 世纪 80 年代起，他赋予 “圆” 双重文化意涵：既承载着中国宇宙观中 “周而复始” 的哲学象征，又成为其抽象形式语言的结构支点 —— 有别于西方抽象艺术的 “去语义化”，他笔下的圆是文化基因与情感张力的载体，既是时间轮回与精神凝视的视觉转译，也是当代与传统对话的场域。
在 90 年代，余友涵的艺术创作进入成熟期，其市场价值亦因风格突破与国际认可显著提升：这一时期的 “圆” 系列作品完全脱离具体形象，演变为圆圈内点、线、色块与几何形状的有机组合，通过色彩冲突与呼应、笔触流动与凝结，在有限构图中营造无限的空间张力。1993 年、1994 年，他代表中国首次参加威尼斯双年展与圣保罗双年展，作品在国际艺术市场获得广泛关注，成为西方藏家认知中国当代艺术的重要样本。
此次上拍的《抽象 1993》正是其 90 年代 “圆” 系列的重要代表作，也是首次现身于拍场的生货，作品画面上低饱和暗灰色背景中，密集的黑、灰、白小圆点聚合成带有晃动感的大型圆形，深红与暗黄的色块如情绪微光点缀其间，颜料自然流淌的痕迹赋予画面时间的重量感，既似冥思的固态凝结，又像意识流动的动态记录，精妙展现了艺术家对秩序与不确定性的平衡把控。
这一时期的作品之所以兼具学术价值与市场稀缺性，既源于其将传统哲学符号转化为现代艺术语言的先锋性，也因其以国际双年展为跳板获得的全球曝光度，更因部分精品被博物馆、美术馆永久收藏后形成的流通稀缺性。正如余友涵所言 “圆是一个简单的形象，它成为了我一系列画的主要形象”，这个持续旋转的视觉符号，在 90 年代的社会转型语境中，既映射着消费主义与怀旧情绪的时代肌理，也构建了一个既激活传统文脉、又回应现代性命题的精神宇宙，至今仍在当代艺术的语境中回响着哲思的余韵。
陈逸飞（1946-2005 ），中国油画家、视觉艺术家、影视导演，以其卓越的艺术才华和深邃的文化洞察力，在中国乃至世界艺术史上留下了浓墨重彩的一笔。他出生于宁波，毕业于上海市美术专科学校，在上海这座充满艺术气息与摩登魅力的城市里，陈逸飞宛如一颗璀璨的星辰，上海这座城市的人文底蕴与艺术氛围，深深滋养着他的创作灵感，而他也用画笔与多元艺术实践，回馈并丰富了上海的美术图景。
近日，浦东美术馆举办的“时代逸飞：陈逸飞回顾展”让我们再次聚焦这位艺术巨匠的辉煌成就。陈逸飞先生的艺术之路，是东西方文化交融的典范。他既深谙中国传统艺术的意境与气韵，又勇于吸收西方写实技巧与现代艺术观念。
陈逸飞先生还是一位跨界艺术家，他在影视、时尚设计等领域也取得了显著成就，推动了“大美术，大视觉”理念下的多元艺术实践。此次上拍的两件手绘精美瓷器与两幅精美画作，恰似陈逸飞艺术生涯中的璀璨明珠，集中体现了他独特的艺术语言。其瓷器作品堪称传统工艺与西方抽象表现的完美融合，每一处线条、每一抹色彩，都在诉说着跨越时空的艺术对话。水墨女子肖像则以细腻的笔触勾勒出东方女性独有的温婉之美，在黑白的世界里蕴含无尽的诗意与柔情。
油画《水乡瑞雪》，更是以细腻入微的笔触，将江南雪韵展现得淋漓尽致，每一片雪花、每一处屋瓦、每一道水波，都饱含着画家对江南水乡深深的眷恋，体现了中国写实画派所追求的诗意境界。
陈逸飞运用细腻到极致的笔触，捕捉光影在雪、建筑和水面上的微妙变化，通过丰富且和谐的色彩层次，营造出一种逼真而又充满诗意的视觉盛宴。
从学术研究的广阔视野来看，《水乡瑞雪》被收录于《中国写实画派二十周年》，此画册犹如中国写实画派发展历程的珍贵编年史册，此外，在 2024 年 12 月 19 日中央美术学院美术馆举办的中国写实画派二十周年展览中，《水乡瑞雪》惊艳亮相。此次展览是对中国写实画派二十年发展历程的一次全面梳理与深刻回顾，陈逸飞作为中国写实画派的重要领军人物之一，他的《水乡瑞雪》在此展出，不仅是对其个人艺术成就的高度认可，更是对中国写实画派发展的有力推动。
陈逸飞的《水乡瑞雪》凭借其精湛绝伦的技法、深厚浓郁的文化内涵以及别具一格的艺术风格，当之无愧地成为中国写实画派中的经典之作。
如今，虽然陈逸飞先生已离开我们，但他留下的艺术精神与众多作品，如同永不熄灭的灯塔，永远闪耀在艺术的浩瀚长河中。
陈家泠，1937 年生于浙江杭州，是中国当代极具影响力的画家，在海派绘画的传承与创新中占据重要地位。毕业于浙江美术学院（今中国美术学院），师从潘天寿、陆维钊等艺术大师，其艺术创作融合了传统水墨的韵味与现代绘画的构成意识，开创了独树一帜的艺术风格，成为中国当代水墨画革新的重要代表人物之一。 《江南好》作为陈家泠的代表性作品之一，画面以西湖为主题，纵向留白如水穿画而过，一条横向河堤将画面分为上下结构，小桥横卧连接东西两岸，虚实之间自成空间秩序。河堤上，一排蓝绿色柳树随风摇曳，轻盈而富有节奏；画面下方以粉蓝交错的荷叶铺陈出潋滟水面，与画面上方的青翠叠山相呼应。两只丹顶鹤翱翔于云空，寓意祥瑞清雅。 整幅画充分体现了陈家泠 “水墨彩化” 的艺术理念 —— 墨中有色、色中有韵，柔和却不失力量。他打破了传统水墨对色彩运用的限制，将丰富的色彩融入水墨之中，使画面既保持了传统水墨的笔墨韵味，又增添了现代绘画的视觉冲击力。留白的巧妙安排为空间带来呼吸感，使得整体构图充满诗意与装饰性，这种将传统意境与现代构成完美结合的创作手法，体现出艺术家对江南自然风物与人文气韵的深刻理解与灵动表达。
李山，1942年出生于黑龙江，1968年毕业于上海戏剧学院，并长期扎根上海进行艺术创作，在当代艺术领域中，始终以开拓者的姿态不断探索艺术边界。其创作于 2016 年的《胭脂系列 罂粟花开》的油画作品，作为其艺术生涯中 “胭脂” 系列的重要作品，该画作曾亮相于 2022 年《生命在场》上海当代艺术展，且直接来源于艺术家本人，兼具艺术价值与收藏价值。
李山的艺术历程充满了突破与革新。20 世纪 70 年代末，他便率先踏上抽象绘画的实验征程;凭借政治波普风格作品声名远扬;到了 90 年代初，更是以前卫者的姿态投身生物艺术领域。1993 年堪称李山艺术生涯的重大转折点，这一年他参加了威尼斯双年展，随着 DNA 的发现，克隆技术与基因工程兴起，人类已经能够触及并改写生命的基本单位 —— 基因。这一科学领域的重大进展，让李山敏锐地意识到，艺术创作中对生命的探讨不能再仅仅停留在哲学思辨与诗意表达的层面。艺术家们必须直面并思考未来生命形态这一无法回避的重要课题。受此启发，李山开始思索 “生命本身是否能够成为艺术创作的材料”，这一思考成为他迈向生物艺术创作的重要起点。《胭脂系列 罂粟花开》正是他在生物艺术领域探索的珍贵成果，充分展现出他在艺术语言和创作理念上的持续深耕与创新。
在这幅 50×40 厘米的油画作品中，紫色花瓣在亚麻布上肆意舒展，画面中形态独特的植物，其扭曲的茎干充满张力，顶端绽放的花朵呈现出紫色与黄色交织的绚烂色彩。背景以蓝色调的天空、远山和水域为主，简洁且富有层次感，与前景花朵形成鲜明对比，不仅突出了花朵的形态，更营造出一种宁静与生命活力并存的独特氛围。从中，观者能深切感受到李山对色彩与构图的精妙把控，以及他试图通过画面传递出的生命特质。对于藏家而言，收藏《胭脂系列 罂粟花开》，不仅是将一件极具艺术价值的珍品纳入囊中，更是收藏了李山艺术探索历程中的重要见证。
作为横跨两岸三地的艺术家，夏阳 (1932- ) 以贯穿八十余载的人生轨迹始终与文化迁徙紧密相连。这位生于湖南湘乡的艺术家， 1949 年赴台后，他在台湾现代艺术运动中扮演先锋角色;1960 年代旅居巴黎、纽约期间，完成了东西方艺术语言的深度融合，其作品被纽约古根海姆博物馆等机构收藏，奠定了 “全球视野下东方艺术家” 的典范地位。
而 2002 年的定居上海，标志着他从国际漂泊转向对故土文化的深度回归 —— 此时的上海正处于全球化与本土文化碰撞的前沿，为其 “以东方哲思解构西方形式” 的创作理念提供了丰沃土壤。
这一选择在其艺术实践中留下深刻印记：2004 年创作的《信用村》即源于上海周边的江南写生，画面中传统民居与现代艺术符号的交织，正是他定居上海后对地域文化与全球化议题的思考具象化。此后，他的艺术活动频繁与上海发生关联，如 2019 年龙美术馆回顾展、2022 年与丁立人的双人展，以及 2025 年向上海当代艺术博物馆捐赠 130 件作品等，均印证了上海作为其晚年艺术实践中心的地位。正如他在上海工作室门联中所写：“幼离金陵，避东寇烽烟…… 复危登宝岛，海外浪迹，数七十年生涯，大抵是强吞苦果”，定居上海不仅是地理回归，更是文化身份的终极确认。
弗里德里希·艾因霍夫（1936-2018 ）是当代德国最著名的表现主义艺术家之一，被称为“将汉堡置于德国艺术地图上的人”及“流派之间的流浪者”。在 20 世纪 80 年代德国新表现主义(Neue Wilde)浪潮中，艾因霍夫是少数拒绝宏大历史叙事的艺术家。
当基弗以废墟隐喻德国历史、巴塞利茨以倒置肖像挑战视觉权威时，他转而聚焦微观人性的 “创伤考古”。这种创作取向使他成为流派中的 “异质者”—— 他提出的 “对立世界”(Gegenwelten)哲学，将表现主义从对外在现实的扭曲转化为对人类 “隐性精神” 的勘探，人物形象的 “静物化” 与 “残缺美学”，打破了表现主义传统中 “情感宣泄” 的单一模式，建立起 “物质性创伤” 的视觉语法。
艺术史学家沃纳・霍夫曼曾评价：“他用画布搭建的人性实验室，让表现主义从社会批判转向了存在主义的自我解剖。”
他延续了德国表现主义对 “精神真实” 的追求，作品中人物的异化形态与恩斯特・路德维希・基希纳(Ernst Ludwig Kirchner)笔下扭曲的城市人共享着对现代性焦虑的表达，但艾因霍夫将这种焦虑从社会批判转向了生命本体论 —— 童年医院经历赋予的 “病床视角”，使他的人物更接近 “被疾病囚禁的灵魂”(如《无题》系列中残缺的躯体)。他的材料实验打破了绘画与雕塑的媒介界限，砂粒与泥土的厚涂质感接近安塞尔姆・基弗的 “物质绘画”，而 “考古式修复” 的创作逻辑则与达明安・赫斯特 “创伤美学” 形成跨时空呼应。这种跨流派的融合能力，使他被称为 “流派间的流浪者”，其艺术实践为表现主义在新时代的转型提供了重要参照。
在近年的艺术市场上，艾因霍夫作品价格稳步上升，一些尺寸适中、保存良好且具有典型风格的作品，在拍卖中成交价屡创新高，吸引了越来越多藏家参与竞拍。其作品的市场受众逐渐清晰，主要包括关注艺术史发展脉络、对表现主义艺术有深入研究的学术型藏家，以及追求作品独特性、精神深度的高端艺术收藏群体。
李禹焕（1936-），韩国极简主义画家，雕塑家和学者，生于韩国咸安郡，自幼深受东方传统思想的熏陶，1956年移居日本。单一笔触绘画令他在物派运动中声名鹊起，到了七十年代，他用钢板和橡胶薄片等工业材料以及石头等天然物料创作雕塑。
作为日本物派运动核心人物，李禹焕 1979 年创作的《From line No.790125》以布面矿物颜料构建极简垂直线条，通过颜料在重力作用下自然渗透的 “触碰” 式创作，将宋代米芾 “墨戏” 传统与工业尺规的理性秩序融合。画面中，亚麻布肌理与矿物颗粒的结晶反光形成微观山水意境，四分之三的 “余白” 呼应庄子 “虚室生白” 的哲学，以极简形式完成东方美学的当代转译。
作品所属的 “From line” 系列以编号系统作为观念艺术宣言，将创作转化为生命痕迹记录。在 1979 年日本经济泡沫前夕，李禹焕以返璞归真的语言对抗物欲文明，其线条非蒙德里安式的理性分割，而是呼吸的具象化，与八大山人 “墨点无多泪点多” 的精神共鸣，使绘画成为修行道场。这种融合东方文脉与现代性的实践，被视为堪比赵无极在抽象表现主义中的文化突围。
近年 “From line” 系列在二级市场表现坚挺，印证学术界对其 “新东方主义” 体系的重估。更重要的是，作品重构了数字时代的观看伦理 —— 当矿物颜料与麻布的物质性与精神哲思碰撞，那道穿越时空的垂直线条，以原始能量叩击观者心中的宇宙回音壁，彰显物质与精神相遇时的永恒震撼。
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