雅昌指数 | 月度(2024年2-3月)策展人影响力榜单

导言：“雅昌月度策展人影响力榜单”是雅昌艺术网从媒体角度对当代艺术领域的策展与展览呈现进行全面搜集、记录与跟踪，从专业角度解读“策展人”每月所策划的展览在学术性、策划执行、公众认知及影响力、国际化推广、盈利能力等方面的能力与创新。

雅昌指数 | 月度(2024年2-3月)策展人影响力榜单

策展人：吴洪亮 首届湖南公共艺术季

A学术性：✭✭✭✭

B策划执行：✭✭✭✭

C现场效果：✭✭✭✭✭

D公众认知及影响力：✭✭✭✭

E国际化能力：✭✭✭✭

策展理念：用艺术搭建一座通往美好生活的桥梁

2024年2月1日，“㵘·漫·慢首届湖南公共艺术季”在湖南美术馆开幕，此次展览由吴洪亮担任策展人。

自上世纪 90 年代引入中国以来，公共艺术已成为艺术与城市、乡村、公众之间更日常、鲜活的交流方式。本次艺术季以旨在通过公共艺术的形式，搭建一座通往美好生活的桥梁，让艺术融入生活，让生活充满艺术。“燚·漫·慢”是一个延伸的理念，与长沙城这座历经三千年、并连续13年上榜“中国最具幸福感城市”的城市有着潜在的内在关联，使这个理念兼具在地性与当下性的双重能量。

展览现场：慢下来赴一场公共艺术盛宴

展览现场

展览在湖南美术馆1、2、3、4展厅及一楼公共空间、室外公共空间展出，比如艺术家隋建国的参展作品《无形之形 1# 》在美术馆的大厅入口处展示。作为对一刹那空间的捕捉和纪念，作品对泥捏进行3D扫描再打印，最后用不锈钢进行铸造。艺术家邬建安的参展作品《精气》在一个独立布置的暗黑空间展示：一束光穿过一个由皮影雕刻而成的女性身体，线条清晰地印在细腻而干燥的沙土之上。本次艺术季由“㵘迭代”技术迭代与材料转译、“漫介入”艺术科学与社会介入、“慢感知”寰宇生态与未来共创、“流动的日常---㵘驿亭”四水联动公共项目四个单元组成。作品类型涵盖公共艺术装置、雕塑、多媒体等多种混合媒介。是一场公共艺术的盛宴。

策展人：李佳 厉槟源：回馈

A学术性：✭✭✭✭

B策划执行：✭✭✭✭

C现场效果：✭✭✭✭✭

D公众认知及影响力：✭✭✭✭

E国际化能力：✭✭✭✭

策展理念：呈现和梳理厉槟源近期的创作线索

2024年2月25日，“厉槟源：回馈”在红树林画廊开幕，此次展览由李佳担任策展人。

此次展览展示了厉槟源近三年的创作成果，呈现和梳理厉槟源近期的创作线索。展览包括了实验影像作品《追踪》和《窗台上的表演》，以及录像作品《三块面包》和行为摄影等。厉槟源以其挑战肉身极限的表演，将个体内在世界转化为关于身体的强烈意象，同时他的艺术也探索了身体与自然的关系，通过电影语言和叙事性内容，拓展了艺术表达的边界。《追踪》记录了他在不同环境中的行为艺术，而《窗台上的表演》和《三块面包》则展示了他与家乡风景和动物的互动，以及对自然世界的深刻感情。厉槟源的艺术不仅是对自我存在的探索，更是对自然和土地的深情回馈。

展览现场：像“电影院”一样随心的观看

展览现场

展览现场进行了精心的设计，作品分布在空间的一层和二层，观众可以坐下来静静的观看，尤其是作品《三块面包》，被设计在屋顶，观众可以躺在展厅中观看，为观众营造了一个非常好的观展氛围和体验。

策展人：崔灿灿“刘庆和”同名大展

A学术性：✭✭✭✭

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E国际化能力：✭✭✭✭

策展理念：呈现艺术家创作始终与当代艺术同振共生的关系

展览现场

2024年3月9日，当代唐人艺术中心正在北京798双空间展出刘庆和同名大展“刘庆和”，展览由崔灿灿策划，采用多线叙事的结构，分为七个部分，全面梳理了艺术家从1979年至今的艺术发展脉络。展品年代跨越45年，展出作品超200件。作为中国当代水墨的领军人物，刘庆和因“新生代”和“都市水墨”为艺术界所熟知。然而，本次展览并非着重于对这一历史成就的描述，而是试图牵引出艺术家40多年间的全貌，如何广泛的展开对语法、主题、叙事、象征与隐喻的艺术实验，来推进自身的变革，并始终与当代艺术同振共生的关系。

展览现场：在作品中感受时代的变化和艺术的推进

展览现场

展览分为7个部分，以“巨作和画谱”作为开篇，讲述刘庆和最为代表的多声部、多时空叙事的来源。“两个旧时家庭”中时代与主题的变迁，呈现艺术家如何以小历史的方式来叙述大历史的发生。“白话”系列刘庆和创造了一种全新的文体，以半日记、半自传、半口语的方式，打破了文人诗书画或现实主义的传统。“新都市、新绘画”部分则指向更为重要的转变，刘庆和开创性的显现了水墨这一媒介的超越性，“时间的疏离”为我们呈现了艺术家对自我的持续更新，展览的尾声，选取刘庆和新旧之作进行回溯，以寻找隐藏在创作背后的艺术家的世界观与生命观。

策展人：鲁明军 长歌开元：身体与语言的交响

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E国际化能力：✭✭✭✭✭

策展理念：申身体和语言这两(或一)个经典命题

2024年3月10日，《长歌开元：身体与语言的交响》在元美术馆开幕，此次展览由鲁明军担任策展人。

在鲁明军看来，时至今日，身体和语言依旧是当代艺术的两个重要媒介。在经典的“二元论”叙述中，两者是对立、矛盾的关系，但自20世纪初以来，伴随着新的思想潮流和前卫艺术运动，它们之间不再泾渭分明，更不再对立，而是通过相互碰撞、转化或融为一体，构成了不同形式且极具势能的表达、演绎和宣示。鲁明军希望通过重申身体和语言这两(或一)个经典的命题，基于美术馆独特的空间特征和文化定位，邀请海内外的30位（组）重量级艺术家，共同谱写一曲新的时代之歌。

展览现场：一个需要静观和沉思的展览

元美术馆流线的空间设计，像舞动的身体一样，又像是一个音符，美术馆的空间是一个圆形，观众在展览中穿梭在不同的作品中间，可以看到的是展出有大量国外艺术家的作品，就像策展人讲到的，这些作品背后大多都有一个全球化的背景，看似简单，但背后的内涵其实是非常丰富且复杂的，所以这是一个需要静观和沉思的展览。

策展人：林书传 无间——章燕紫个展

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策展理念：呈现一种看不见的盈实状态

2024年3月10日，《无间 ：章燕紫个展》在南京艺术学院美术馆开幕，此次展览由林书传担任策展人。谈及本次展览的主题，林书传说“无间实则是A和B之间一个我们看不见的内容，是一种看不见的盈实状态，而这个内容却比眼睛能够看到的东西更为重要，这也是章老师一直和我表达的创作想法，本次展出的作品中，也是从不同的角度回应了展览的主题”。

展览现场：感受万物之间连接的微妙

来到展览现场，最先映入眼帘是六张尺幅巨大的空心卷轴《面对》系列，虽为卷轴，却一改古人品画的观看方式，观众可以环绕其间进行观看，正反两面的概念因此被消解。《千里追风图》是一件长约12米的册页装置作品，艺术家用手术刀、医用镊子在白色宣纸扎划而成的山水画，作品远看像是一张全新的白色册页，近看则是密密麻麻类似皮肤过敏凸起的痕迹。《零碎》系列占据了展厅的一大面墙，这面墙有100—200件作品，从这面墙中能够读取到艺术家创作时灵感的源流。就如主题“无间”所揭示的，万物之间的连接如此紧密又微妙，既互相排斥又不可分割。展览作品所传达的意涵，既包含了艺术家个体的生命经验，也是其对人生与社会存在规则的叩问。

策展人：殷漪 听路：中国当代声音艺术实践

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策展理念：思考声音艺术在当下的艺术生态与未来的可能

2024年3月15日，“听路：中国当代声音艺术实践”在上海多伦现代美术馆开幕，此次展览由殷漪担任策展人。

展览以新世纪的第一个十年（2010）为时间节点，以当代艺术视野中的展览为线索，通过文献资料来回顾声音艺术在中国的在地过程，观察中国声音艺术家的创作演变，思考声音艺术在当下的艺术生态与未来的可能。展览没有采用通常文献展俯瞰的视角去构建全景式的图景，而是把声音艺术与视觉艺术，与中国城市化进程与文化转型之间的复杂关系作为切入点，为公众提供一个新的“听角”。同时也以此为背景，呈现中国声音艺术家群体的境遇。

展览现场：一场既能看又需要听的展览

展览现场

这是一场既能看又需要听的展览，比如艺术家陈维展出的《协奏曲/弹幕》的背景是一幅巨大的照片，照片中的青年身处一室，彼此迷离而失焦，这或正是来自实验音乐创作的视觉经验。作品的听觉部分，是将美术馆现场的实时视频的弹幕转化为模块合成器的随机声响——弹幕如声音，即生即灭。颜峻的《打口》由三部分组成，分别是百余张打口CD叠放构成的金属质感的圆柱、在地面滚动它们的声音记录和以滚动CD形成的轨迹画线，以线条构成画面记录时间。孙玮的《瓶子的旅程》，作品的视觉可见部分仅是两个热水瓶胆、两个喇叭和一些线路。据孙玮介绍，这件作品最初在北京某个湖畔呈现，喇叭中播放的是瓶胆中的实时声音。通过展览能够对声音艺术有深入的了解。

策展人：冯博一 张文超：隐在一座剧场里经过

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策展理念：呈现张文超艺术创作的过去与未来

2024年3月16日，“张文超：隐在一座剧场里经过”在東京画廊+BTAP开幕，此次展览由冯博一担任策展人。

此次展览张文超将现实与虚拟世界的互嵌地带，超链接地进行拼接、整合和转化，甚至尝试打破艺术的边界。这种通过虚拟与现实的互文嵌套，历史叙事与个人想象的巧妙对接，并融入了宇宙、幻想、推演、悬疑等元素，创造出一幕幕奇异和沉浸感的多重视域。由此所生发的化合作用，则揭示了虚拟世界与真实世界共同的逻辑基底。可以说，这次展览既是张文超的一次远行，也是一次重返的经过。在这里，张文超显然不是一个乐观的预言家，而是一位关照历史、现实与时空间隔的穿越者，提供了许多我们需要的能量和想象。

展览现场：一个满足好奇心的剧场

根据東京画廊+BTAP的空间结构，将整个展览设置为剧场的概念，通过序幕和五场剧目的片段，将参展作品进行了自主导航和交叉渐进，营造出蒙太奇般的漫游体验，戏剧化的冲突感受，以满足着在线群体对新鲜故事的好奇与欲望。比如展览最后一幕的“无限剧场”，展示出艺术家的漫游式互动游戏装置作品《对想象的支配》。作品根据对互联网叙事的剧作化观察，构建了一间巨大的，源于日常信息、经验和互联网想象的戏剧生产车间。观者可以参与其中地自由遨游和表演，并通过控制一个角色穿梭在流动场景里，体验蒙太奇式的探险。

策展人： 蓝庆伟 非叙事——何多苓的绘画

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策展理念：用明晰线索呈现艺术家创作方法

2024年3月16日，“非叙事——何多苓的绘画”在湖北美术馆开幕，此次展览由蓝庆伟担任策展人。

与以前的个展相比，本次展览的特殊性在于，既不是聚集于艺术家某一个时期的作品，也没有将艺术家置身于一个历史语境当中进行比较，只是用明晰的线索呈现了艺术家的创作方法，邀请观众们一起进入到艺术家的创作状态中，拥有一次与何多苓的共情。

展览现场：呈现了当下的何多苓艺术从何而来

本次展览在湖北美术馆一楼的1、2、3号厅展出。体量最大的1号厅展出了“原上草”和“飞花令”两个板块，展出了何多苓近些年的最新创作；在2号展厅展出的“俄罗斯森林”板块，既有艺术家早期通过画册和图片资料对俄罗斯画家、小说家的理解，也有2014年实地游历俄罗斯的一系列个人感触及致敬俄罗斯历史文化名人的系列创作产生；“春风已经苏醒”板块在3号展厅展出，主要是展示何多苓在知青生活之后展开的创作过程，多件早期的代表性作品展出。

在展览现场还原的画室场景

展览现场

一号厅里既有艺术家的艺术面貌，也可以看到他的创作状态。三号厅的早期代表性作品和二号厅的创作方法，都是为一号厅服务，解释了当下的何多苓艺术从何而来。这个问题的答案，会通过艺术家本人的绘画来回答。当观众带着问题慢慢地从一号厅走向三号厅，再从三号厅重新回到一号厅，会带来两次完全不同的观展体验。

策展人：孙文杰 蒋志：生活

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策展理念：以微妙的方式捕捉各种正在进行的人生

2024年3月17日，蒋志个展“生活”在阿那亚艺术中心开幕，此次展览由孙文杰担任策展人。

展览现场

艺术家蒋志的个展以“生活”为题，它并不尝试教人们逃离日子的沉重，而是以轻盈的态度展示着日常的碎末，试图在生活的博雅之中，以微妙的方式捕捉各种正在进行的人生。

展览现场：在沉浸式体验中感受“生活”

展览中多件作品的名字与主题“生活”相呼应：《快速的生活》（2004）以录像的形式展现了一部无法被阅读的私人日记；《假如生活欺骗了你》（2024）以欢庆的姿态漂浮在圆形剧场的上空，这一作品在布置时巧妙地利用了螺旋式上升的空间设计，当观众步于阶梯之上，红色的竖版字幅会反复地出现在视野之中，隐喻着生活的拷问总是不断地浮现于人们的心中。卫生间里放置的录像作品《天空之吻》，记录的是艺术家曾在飞机舱的洗手间里冲下了一些随手写在纸上的词汇；存包箱中安放了名为《礼物》的作品，箱门开启的一刻，它就如同一份“礼物”，等待观众的拆封。在展览现场，观众被鼓励去吹响一片叶子，并将《呼唤》（2024）这件作品带去任何地方。在冥想室里，观众可以用心回应歉意的声音；或是步入圆形剧场，抬头看向上空，读一读悬浮于空中的抚慰人心的话语。

策展人：田霏宇 鸟头：云云

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策展理念：引导观众思考如何在“云端”和社会现实中定义自我

2024年3月17日，“鸟头：云云”在UCCA沙丘美术馆开幕，此次展览由田霏宇担任策展人。

展览现场

“云云”是鸟头始于2021年的持续性项目，该项目邀请众多活跃于当下网络的人群参与，一同探索网络与现实身份之间的关系。此次展览名为“云云”，灵感亦源自艺术家对“云”的多重解释，“云”象征着从传统到当代交流方式的变迁和思考。希望通过展览突出社交与交流行为在智慧和文明发展中的重要性，同时探讨技术进步对传统交流方式的挑战和影响。希望引导观众思考如何在互联网“云端”和社会现实中定义自我，并保持对自我认知的反思。

展览现场：在虚拟与现实的世界中反复横跳

展览现场

从滚动的LED文字标牌到展览期间将被用作直播现场的绿幕布景，这些形式各异的作品都源于鸟头对于数字化和传统交流方式如何平衡与共存的思考，位于2号展厅入口处的《我们会拍摄你-02》由一组气球形状的铁片和投影组成，观众可于特定位置观察到铁片形成的幕布投影字样“WE WILL SHOOT YOU”（我们会拍摄你），仔细观看却会发现只是一场错觉——投影只是一块手绘的幕布而已。位于5号展厅的《云云-05》亦是一个虚拟角色的真实剧场，作品一面呈现了一处日常家居的“台前”场景，而另一面则是布满绿幕的“幕后”景象，鸟头希望通过展现虚实混合的复杂场面，引发观众对虚拟世界的想象和对现实世界的反思。

策展人：王春辰 绘画的提问——一个世界性的课题

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策展理念：绘画作为一个世界性的课题

2024年3月20日，“绘画的提问——一个世界性的课题”在中央美术学院美术馆开幕。此次展览由王春辰担任策展人。

展览现场

展览邀请陈雷、陈曦、戴增钧、吴啸海、王茜瑶五位艺术家，涵盖60、70、90后三代人，视为中国当代绘画的一个时间线。也由此引出了关于绘画问题的探讨：到今天，绘画似乎不再是大型展览、双年展或文献展中的主流，但又始终存在、始终具有生命力，并且始终是艺术史研究和艺术批评的重要对象。

展览现场：绘画依然有其无穷的魅力

此次展览汇集了五位风格迥异的艺术家，他们以独特的视角和手法探讨绘画的多样性和可能性。陈雷通过不断探索和深化自己的绘画语言，从具象到抽象再到叠层抽象加表现，展现了绘画的极端可能性。陈曦则以表现力见长，将观察与超常结合，笔法纵横大气，探索超越日常经验的领域。戴增钧以奔放的色彩和激情的笔法刻画生命对话，追求具象与抽象的均衡。吴啸海则在绘画中融入严谨与破局，大胆刻画，力求自然与人文的神性互动。王茜瑶作为90后艺术家，融合中国绘画经验与国际化感悟，形成自由畅想的画面。艺术家们在创作中不断思考和探索绘画在当代艺术中的地位和价值，如何在传统与创新之间找到平衡，如何将绘画作为表达当代人情感和观念的有效媒介。他们的作品不仅展现了个人的艺术追求，也引发了关于绘画本质和发展的深入思考。

策展人：闫士杰 托马斯·萨拉切诺：共生

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策展理念：讲述当下环境中的生态共存性、脆弱性和社区性

2024年3月21日，“托马斯·萨拉切诺：共生”在红砖美术馆开幕，此次展览由闫士杰担任策展人。

展览现场

展览“共生”讲述当下环境中的生态共存性、脆弱性和社区性。这是一场关于生态视角与当代艺术极致体验的展览，邀请观众在一个可弹奏的巨型弦乐系统中“化身蜘蛛”，观看、触摸、聆听......

展览现场：一场由蛛网织造的游戏

展览现场就像是一场游戏，观众穿梭在“蜘蛛”织的各种网之间，在《宇宙如何陷入蛛网？》作品中，蜘蛛在建造无限复杂的蜘蛛网大教堂中展现出令人惊奇的构思。由蜘蛛所构建出的弯曲、复杂和碎片化的丝网形态被红色激光照亮，增强了它们美丽和诱人的力量。相邻的展厅中悬挂着一幅巨大的空白画布，并配以黑线刺绣，描绘了 2022 年由一只塞内加尔尼皮拉蜘蛛和一只独居的桔云斑蛛所结成的蜘蛛网。从这个放大的人造复制品中，参观者进入了黑暗的 3 号展厅：在这里，几张巨大的真实蜘蛛网——《关注之网》悬挂在空中，形成光和丝的绝妙幻影。展场场最震撼的要数《算法·韵律》，该作品由18个模块组合，形成一种拟细菌群落的形态。这些绳索被固定在地板、天花板和墙壁上，就像一张张巨大的蛛网。观众可以在其中漫步和嬉戏。

该作品的英文标题“算法”（algorithms）一词也是锂（lithium）的谐音。人类正是以锂为动力，驱动着电子屏幕与网络，操纵着我们的方向和生活，操纵着我们的所见所闻：从广告到新闻，从社交媒体到吃什么、买什么，把我们想要的放在盘子里，保护我们免受意外之灾。在这场游戏中，我们都可以自由发挥，在无休止的社会欲望循环中滚动和追随自己。而这张网只有一个出口。

策展人：杨鉴 宋琨个展“无尽藏”

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策展理念：以梳理式展出结构呈现宋琨二十余年创作

2023年3月23日，宋琨个展“无尽藏”在松美术馆开幕，此次展览由杨鉴担任策展人。

展览现场

展览以梳理式的展出结构呈现艺术家宋琨二十余年的多重线索的创作及最新作品，宋琨二十余年的艺术创作以人体与肖像为核心，通过解构传统叙事和融合多元文化元素，创造出技术识别或智能分割异化后的"人类碎片"效果。她的自画像作为内观方式，捕捉艺术家对自身变化的敏感传达。在"泛灵净界"宏大虚构时空中，科幻玄幻、宗教、异次元文化及自然元素有机结合，推动象征结构的产生。宋琨塑造的"赛博格的身体"强调生物存在中的虚拟性和张力，展现出怀旧而又古典的私人情感，引发关于美与邪恶、色情与净化的相互作用的思考，为观者带来一场视觉与情感的洗礼。

展览现场：一场视觉与情感的洗礼

展览现场

此次展览展出作品媒介包含绘画、装置、动画、影像，以及在展厅中发布并展出最新音乐跨界创作专辑。整个展览通过光影、雕塑、绘画和装置艺术的结合，营造出一个超现实且富有未来感的艺术氛围，给观众带来视觉和感官上的双重冲击。

策展人:  张南昭 杉本博司：无尽的刹那

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策展理念：呈现杉本博司作品的核心时间

2024年3月23日，“杉本博司：无尽的刹那”在北京UCCA尤伦斯当代艺术中心开幕，此次展览由张南昭担任策展人。

“杉本博司：无尽的刹那”展览现场，UCCA尤伦斯当代艺术中心，2024。摄影：孙诗。

“无尽的刹那”这一主题不同于在海沃德美术馆呈现的艺术家全面回顾展首站“Hiroshi Sugimoto: Time Machine”，北京站策展人张南昭试图从文化维度上寻找更为深层的精神共鸣，最终从苏轼的《赤壁赋》中“哀吾生之须臾，羡长江之无穷”得到启发，以“须臾”与“无穷”这一对看似矛盾，实则富有禅宗意蕴的意涵出发，呈现杉本博司作品的核心——时间。

展览现场：身临其境感知杉本博司对时间的哲学性探究

“杉本博司：无尽的刹那”展览现场，UCCA尤伦斯当代艺术中心，2024。摄影：孙诗。

在展览呈现上充分结合了UCCA包豪斯建筑的开阔、无柱式结构的特点与大画幅原作令人震撼的细节，引领观众身临其境感知杉本博司对时间的哲学性探究与东西方美学的交融。比如在展厅外场首先进入眼帘的是一整墙的“放电场”系列。此系列作品是杉本博司极具代表性的实验创举，在剧院系列中，观者凝视作品时，有灵魂出窍之感，仿佛被吸入时空，《肖像》系列中，从拿破仑、戴安娜王妃到杜尚、蒙德里安，这些跨越了五百年的人物被框取进入镜头中，经过精细的光线调整，宛如获得“重生”。基于对时间与空间的思考，诞生而出的海景系列的初衷，是杉本博司希望探寻现代人与古人，作为人类的共同原初记忆以及他自己的儿时记忆。

策展人:张尕 混韵之宇：王郁洋个展

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策展理念：对自然、文化、社会和心理生态进行全面反思

2024年3月23日，“混韵之宇：王郁洋个展”在深圳美术馆开幕，此次展览由张尕担任策展人。

展览现场

本次展览是王郁洋教授继2015年上海"今夜我为何物"展览后的又一力作，延续并深化了他对多重主体性的探索，将视野拓展到自然、文化、社会和心理生态的激进概念。展览作品涵盖从地质年代的远古到微生物世界的心灵，以及其间万物，体现了费利克斯·瓜塔里在《三种生态》中提出的未来生态愿景。王郁洋教授的创作融合雕塑、装置、互动和场景，将远古冰川与现代合成生物相结合，人工智能的幻想与机器人的梦游相互交织，创造出不稳定的局面。法国哲学家米歇尔·塞尔借鉴卢克莱修的偏斜概念，提出"混沌即次序"，颠覆了传统时间和空间概念，为从本体论角度探讨多重主体性提供了可能性。这次展览呈现了一种超越人类历史的宏大叙述，探讨了时间、空间和主体性的多重性，是对自然、文化、社会和心理生态的全面反思。

展览现场：体验未来生态

展览现场

此次展览仍聚焦于展示雕塑、装置、互动和场景，艺术家收集远古冰川中保留的古老氧气；或者将转基因成分混合培养产生罕见的蓝色；提取艺术家的睡眠数据控制机械手画梦；在无人区放生一只机械狗；将自己很多年前被遗忘的雕塑以自然造物般的方式回归......混合无处不在。

策展人：张子康 梁绍基：海溟溟

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策展理念：呈现哲学与科学、历史与当下的碰撞

2024年3月25日，“梁绍基：海溟溟”在深圳海上世界文化艺术中心开幕，本次展览由张子康担任策展人。

展览现场

“海溟溟”由十二件涵盖装置及影像的作品组成，其中六件为艺术家结合深圳地缘文化而创作的全新作品。梁绍基于对深圳这座城市的研究中深刻的感受其历史的厚度和锐度，以其三十余年运用的蚕丝为媒介，传递全球化背景下针对深圳海洋城市的语境与信息。同时，艺术家在创作中首次结合人工智能与机器学习的应用，带来呈现哲学与科学、历史与当下的碰撞。《海溟溟》是梁绍基继蚕丝和自然、蚕丝和工业之后的又一次探索，并在本次展览中首次尝试与人工智能与机器人技术的结合创作。

展览现场：现实与神话交织的庞大景象

展览现场

展览以长达28米的巨幅四屏影像装置《沉沉海平线》为起点，曾在《沉链：生命不能承受之轻》出现的粗重铁链，这次以横置的形式悬挂在展厅，象征着生命线的蚕丝在这里变成了一条海光，也似一条海平向两端无限延伸。丝海奔流浪击铁链，观看时与宽阔无际的海平面对峙，邀请观众体验人类生命在动荡环境中的坚韧与脆弱。海洋、沙滩、港口集装箱、天星般蒙蒙的银光；一艘搁浅于沙滩上的铁船头；破碎的玻璃、塑料化工桶散落在展览的不同角落……《晦暗之光》、《补天》、《于无声处》这几个作品承载着现实与神话交织的庞大景象。由光导纤维制作而成的无穷大的“♾️”到无穷小的“♾️”的《一》从走廊延伸至地面，作品《莽宇》以神木和3D打印蚕茧为基础，通过动态的捕捉，来转动的球内覆盖着小玻璃片和蚕蛹，让观者沉浸在浪漫遐想之中，神木巨大的黑影映射在墙上，与《醉日》一起，唤起《山海经》的传说。

策展人：策展团队 在场—王式廓艺术扶持计划暨第六届中国当代青年艺术家提名展

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策展理念：强调我在的价值

2024年3月30日，“在场—王式廓艺术扶持计划暨第六届中国当代青年艺术家提名展”在山东美术馆开幕，此次展览由策展团队联合策划。

展览现场

展览以“在场”为题，关注今天复杂而鲜活的时代现场，强调我在的价值。“在场”既是历史性的在场，也是未来性的在场。当驻足观察之时，我们已经进入了历史，在历史的现场中思量着未来。而面对未来，面对更加广阔的时代背景，乃至人类自我反省中的不确定性，都是今天艺术所要面对、探讨的现实问题。在即将展出的作品中，我们可以看到几位入围青年艺术家的个性化回应，感受他们的思考与态度。他们与“在场”所形成的洞见，正是本次展览的价值。

展览现场：青年艺术家们的创造力

展览现场

展览作品分布在山东美术馆一层和三层展厅，作品涉及绘画、装置、数字媒体等多个领域，从中可以看到当下青年艺术家们创作的多元性和创新性。比如无声合唱团从心灵的感动出发，以平等、互助为宗旨，在听觉和触觉中寻找通感，让听障少年们奇妙的发声并组成“无声合唱团”。作品《激流引⼒》通过对灯光的不同新媒体艺术实践，例如灯光装置、3D投影映射、特定场域设置，艺术家发现人们已经习惯从投影仪的镜头与显示屏中接收总体上的信息。因此艺术家将继续探索和展示对所从事的媒体的反身性，然后尝试从不同的角度增加对所使用的媒介的更深层次的多元化理解。

策展人：朱朱 给未来的证物：高磊、李怒双个展

A学术性：✭✭✭✭

B策划执行：✭✭✭✭

C现场效果：✭✭✭✭✭

D公众认知及影响力：✭✭✭✭

E国际化能力：✭✭✭✭

策展理念：给未来的证物

2024年3月30日，“给未来的证物：高磊、李怒双个展”在北丘当代美术馆开幕，此次展览由朱朱担任策展人。

展览现场

本次展览的初始构想依托于北丘当代美术馆与“白盒子”有异的空间性质，这是一处由防空洞改造而成的艺术场域，在很大程度上保留了前者的结构特征和历史遗迹感，以及它与钦天山山体密不可分的地理环境。展览将“防空洞”空间想象成高磊和李怒这两位艺术家储放和交流作品的地方，在未来的某一天打开，成为两个交集过的个体生命以及现在这个年代的集体记忆和反思的证物。

展览现场：在“洞穴”里沉浸式的观展

展览现场

北丘当代美术馆以其独特的昏暗光线和暴露的岩体空间，为观众提供了一种沉浸式的观展体验，要求艺术家的作品不仅要有说服力，还要能在合作中相互补充。比如作品如《但愿上天让人理解并感受到自己的和他人的愿望》，艺术家在处理灯光时则刻意给了它一点微光，把电阻丝的阴影投射到美术馆的水泥斜顶上，让手写的“warm”呈现出一种书写的流动性。李怒的《直到海洋被关进栅栏》通过殉道者形象和敲击声展现了狂热与失控，与2017年的《我不知道水有多深》相呼应。在展场的岩洞空间里，高磊放置了《他山》系列绘画，借鉴哥特式玻璃彩窗框架结构与坛城沙画填充仪式的绘画，作品被空间所应允，美丽且具有欺骗性，人们必须要像观看电子屏幕那样专注，借助场所来得以实现“出神”。